De humana physiognomonia è a cura di Dario Ciferri, che è anche autore del testo critico, e potrà essere visitata fino sabato 22 giugno 2013, presso gli spazi della Galleria Marconi (c.so Vittorio Emanuele, 70 – Cupra Marittima).

La personale di Niba fa parte degli eventi che si affiancano all’Expo di arte contemporanea di Marche Centro d’Arte.

“Niba, attraverso la sua ricerca artistica, parla in maniera diretta al nostro cuore e al nostro intelletto. Le sue sculture riescono a conciliare al proprio interno le fiabe, le paure, la spensieratezza, la perdita dell’innocenza. Le sue opere descrivono il lato nascosto delle cose, quella che in fondo è la parte più vera e interessante. Eppure con De humana physiognomonia Niba sembra avere fatto un passo avanti verso una nuova sostanza espressiva, la sua scultura va a recuperare dalla tradizione postumanista e illuminista per generare una nuova forma antropomorfizzata e attuale.

In una wunderkammer contemporanea sono esposte delle nuove forme di Naturalia: un protomuseo con modelli perfetti di specie «umane» nuove o alternative. È un viaggio all’essenza stessa della natura umana, alle evoluzioni possibili ma irrealizzate, un percorso all’interno di un’anatomia diversa da quella sviluppata da noi discendenti dalle scimmie e dagli ominidi.” (Dario Ciferri)

“Ogni nuova stagione espositiva è come un nuovo inizio, un ripensare a quanto si è fatto per continuare a crescere sulle radici, si spera solide, che si sono messe. Quest’anno la Galleria Marconi ha compiuto 18 anni (ma la maturità è ancora lontana a venire). È un’occasione importante e il mio desiderio è di ringraziare quanti, magari solo per un attimo, un sorriso o una chiacchierata, si sono avvicinati all’attività della Galleria. Continuo a lavorare per l’arte, nonostante tutte le difficoltà, perché spero ancora che possa salvarci. Un abbraccio” (Franco Marconi)

scheda tecnica/technical card

curatore/curator by Dario Ciferri
testo critico/art critic by Dario Ciferri

traduzione di/translation by Patrizia Isidori

relazioni esterne e promozione delle attività/ external relationship and promotion of activities
Riviera Oggi

fotografia/photography Stefano Capocasa
riprese video/video shooting Stefano Abbadini
allestimenti/preparation Marco Croci

webmaster
Siscom

Partner
Cocalo’s Club

dal 26maggio al 22 giugno
from 26th may to 22th june
orario: lunedì-sabato dalle 16 alle 19.30
opening time: Mon-Sat 4 to 7.30 p.m.

info
Galleria Marconi di Franco Marconi
C.so Vittorio Emanuele, 70
63064 Cupra Marittima (AP)
tel 0735778703

e-mail galleriamarconi@vodafone.it
web http://www.siscom.it/marconi
blog http://galleriamarconicupra.blogspot.com/
Facebook http://www.facebook.com/galleriamarconi

Il FIM è la Fiera Internazionale della Musica organizzata in Liguria all’interno dell’Ippodromo dei Fiori di Villanova d’Albenga, in un’area di quasi 200.000 mq. nel cuore della Riviera dei Fiori.
Unica nel suo genere in Italia, il FIM concentra tutto il necessario per fare musica.
Due giorni di incontri, dimostrazioni, concerti, eventi, strumenti musicali, esposizioni, discografia, masterclass, seminari, concorsi, idee e talenti.

Una fiera dove la musica è protagonista. Laboratori, mostre, workshop, dibattiti, dischi, show-case, seminari, jam session, merchandising , e tanto altro in una miscela esplosiva di grandi eventi. Due giorni di musica full-time. Un luogo di incontro fra artisti, musicisti professionisti e cantanti, endorser, gruppi musicali, cover band, docenti ed allievi, critici musicali, deejay, liutai, professionisti del settore, tecnici del suono, manager, produttori, editori, scuole di musica e case discografiche. Un punto di riferimento per gli appassionati e per gli esperti del settore riuniti in un’unica kermesse per presentare e condividere esperienze e passioni.

Il FIM è la fiera della musica più grande d’Italia. Con 184.000 mq. destinati al pubblico è una delle manifestazioni fieristiche più qualificate del settore e il più importante momento di incontro e confronto tra operatori del settore, esperti ed appassionati.

www.fimfiera.it

PROGRAMMA
Il FIM offre a tutte le aziende che gravitano attorno al mondo della musica, la possibilità di esporre i propri prodotti e le proprie idee permettendo di entrare in contatto con realtà parallele altrettanto desiderose di collaborare. Il FIM è un grande mercato di due giorni dove lo scambio di idee e la collaborazione sono il punto di partenza per realizzare nuovi business. L’occasione della fiera è un momento per intrecciare nuove collaborazioni, esibire i propri prodotti e concludere buoni affari grazie ad un palcoscenico internazionale che accoglie investitori, appassionati e semplici curiosi uniti dallo stesso interesse per la musica.
Essere espositori del FIM significa venire in contatto diretto con migliaia di musicisti professionisti e appassionati di musica, studenti, distributori, endorser, costruttori e venditori di strumenti musicali, discografici, produttori, manager e operatori del settore.
FIM offre uno strumento di lavoro unico al mondo per far conoscere e trovare sempre nuove strade commerciali.

 
CATEGORIE MERCEOLOGICHE

Organizzatore: 
Riviera dei Fiori
Sito Web: http://fimfiera.it
Email: info@fimfiera.it
Telefono: +39 0108606461
Fax: +39 010.8606461

Manifestazione in tensostruttura coperta 
Ingresso: 10,00

La mostra EatArt propone un menù particolare, sedici artisti che si dilettano nelle varie espressioni artistiche, con un unico interrogativo e scopo, dare forma a un concetto, un pensiero sul ruolo del cibo nel contemporaneo.

Una rosa di nomi interessanti che ci propone uno sguardo delicato sull’oggi.

Se il sushi, oggi vero food trend, diventasse un simpatico protagonista nelle stampe pulite e minimali, semplici e simpatiche di Stefano Perrone – Mi Suishido?

Se una cornice dorata dal profumo seicentesco diventasse un piatto su cui gustare creme e dessert che diventano colori come sulla tela, come nel lavoro di Alessandro Castiglioni?

O ancora le installazioni di Melania de Leyva con una simpatica riflessione manzoniana su una delle catene più famigerate del globo, from Mc Donalds to McSheet.

Ma anche una melanzana può diventare di un viola sensuale e ammiccare ad essere una musa, come negli acquarelli di Rakele Tondini, che sia geneticamente modificata come le show girl che oggi ci propina la tv? Ai posteri l’ardua sentenza.

Ed ecco una mela protagonista di un teatro esistenziale, non potrà o non vuole più dare piacere, così una corda d’impiccagione cala tristemente sul frutto, Biancaneve non vuole più saperne e forse neanche casa Apple, così il soggetto fruttato di Serena Barotti ci costringe a riflettere sul senso della precarietà del gusto e dell’importanza alimentare, dei problemi che possono costellare l’atto del mangiare.

E poi i pesciolini super colorati e cartoon di Yux,dal grafismo irrequieto, quasi fanno la linguaccia a Nemo, di Yux, dal grafismo irrequieto. Ironia e pop mescolati a dovere con i maialini volanti, nel volo dell’insaccato che dorme.

Un uomo che sta per mangiare una mela rossa, nella pittura pastosa di Ian Woodard, i soggetti si stagliano su sfondi neutri, escono da palati anonimi e ogni piega, o riflesso è resa da un cromatismo ben calibrato. L’intransitività della mela è ben raffigurata, la rossa sta per essere mangiata, e il signore sembra ben compiaciuto dell’ etre en train de le faire.

E poi le fotografie di Ilva Beretta, Clara Bigaretti, Francesca Brambilla e Serena Serrani, Wanda D’Onofrio, Davide Dutto, preziose still lifes di variegati cibi, differenti sguardi, inclinazioni, posizioni, differenti luci, posizioni e ombre, diversi tagli e messe a fuoco, diverse ottiche a confronto rivolte alla caducità dell’alimento e del gusto. L’interessante confronto di presentare piatti che troveranno attimi di eternità nell’universo fotografico, la prigionia di gusti e profumi intrappolata nell’essenza del fotografico, per sempre.

L’affascinante concetto di possedere visivamente ciò che non può durare, ciò che si consuma attraverso i sensi.

E ancora il menù della mostra si srotola con le fotografie caravaggesche di ombre e luci di Serio Maria Corazza, le nature morte paradossalmente ritrovano l’eternità.

E poi Sofisticazioni Alimentari, i frutti, le verdure, il pesce o le uova proposte da Emiliano Zanichelli sono scomposte ma riunite da operazioni chirurgiche, sono piccoli Frankenstein dall’alimentare, sono piccoli mostri artificiali, geneticamente modificati, riassemblati da un pazzo chirurgo o chef.

Sempre sulla riflessione verte il lavoro di Elisa Rescaldani, l’artista propone un discorso sul rapporto del cibo attraverso la rappresentazione di un corpo femminile, un corpo magro, un corpo malato, un corpo scavato, quasi un’apparizione evanescente e troppo fragile, perché non sempre quello che dovrebbe essere un normale piacere come il mangiare lo è, e allora ecco spuntare due ali nere, mortifere, macabre, che sanno di dolore.

Una mostra dunque ricca di spunti e differenti sguardi, differenti gusti, perché di gusto è necessario parlare, dell’arte che si presta a deittico, dell’arte che mostra e rivela l’invisibile che quotidianamente ci passa sotto il naso, dell’arte che pone attenzione e accento sul contemporaneo e sull’importanza del cibo, dell’arte che  ci rende occhi per vedere l’essenziale che si cela sotto ciò di cui ci nutriamo.

Artisti in mostra:

Serena Barotti, Ilva Beretta, Clara Bigaretti, Francesca Brambilla e Serena Serrani, Alessandro Castiglioni, Sergio Maria Corazza, Melania de Leyva, Wanda D’Onofrio, Davide Dutto, Stefano Perrone – Mi Suishido, Elisa Rescaldani,  Rachele Tondini, Ian Woodward, Yux, Emiliano Zanichelli

Blog partner apranzoconbea.blogspot.it

Per maggiori informazioni:
biblcol@comune.collecchio.pr.it
Tel. 0521.301281
www.comune.collecchio.pr.it

Orari
da martedì a sabato dalle 10:00 alle 12:30 e dalle 15:30 alle 18:00
chiuso i giorni di domenica e lunedì
L’ingresso è gratuito

ilLusion, un’opera tra design e arte, lavorazione del vetro e interpretazioni contemporanee di Fabio Fornasier.

Martedì 28 maggio 2013
ilLUsion
Hotel Liassìdi Palace - first floor

Conferenza stampa ore 12:00
Opening cocktail ore 18:00
Performance ore 18:30 e 19:30

Location Ponte dei Greci 3405
San Marco, Venezia
28 maggio – 29 settembre 2013
ilLUsion è l’interpretazione in chiave contemporanea del patrimonio artistico di Murano. Innovazione, design, emozione.
LU Murano emoziona con le sue creazioni, riempie gli ambienti e attraverso IlLUsion crea nuovi equilibri tra sensazioni.

ilLUsion è arte e design, dal 28 maggio è un’installazione site-specific nel Palazzo Zorzi-Liassìdi, dove antico e contemporaneo si fondono sulle onde sinuose della luce.

Fabio Fornasier noto Maestro del Vetro di Murano, designer, interprete contemporaneo della luce.

Si uniscono innovazione e ricerca, scoperta e viaggio, spazio e movimento nell’installazione tra arte e design di LU Murano.
Il 28 maggio 2013 alle 12.00 la creazione ilLUsion viene presentata alla stampa presso Liassìdi Palace.
Dalle 18 in poi due inizieranno due performance per coinvolgere al pubblico facendo vivere l’esperienza sensoriale di un’opera di luce, vetro e armonia.

L’opera resterà in esposizione fino al 29 settembre 2013.
Liassìdi Palace è un hotel 4 stelle che ha sede dello Palazzo Zorzi-Liassìdi, accanto alla Chiesa greco-ortodossa di San Giorgio dei Greci. Liassìdi è nome della storica famiglia proprietaria dell’edificio.

Ad oggi il palazzo è luogo di incontri tra flussi di artisti nazionali e internazionali, correnti, idee, opere e innovazioni.
ilLUsion
Liassìdi Palace - first floor
martedì 28 maggio

Conferenza stampa – ore 12
Opening cocktail – ore 18
Performance – ore 18:30 e 19:30

ilLUsion 
28 maggio – 29 settembre 2013
Liassìdi Palace
Ponte dei Greci 3405
San Marco, Venezia

Info:
www.lu-murano.it
info@fornasier.it
Ufficio stampa a Venezia:
Laura Scarpa
Tel + 39 392 929 8537
e-mail: laura.scarpa@fnv.co.it
www.veneziadavivere.com

www.lu-murano.it
www.liassidipalacehotel.com

Se uno è lo strumento d’espressione, molteplici sono i modi di intenderlo: Arcangelo, Sandro Chia, Enzo Cucchi e Piero Pizzi Cannella raccolgono la sfida di un diverso supporto su cui apporre segni, elementi, forme che sono loro propri, esattamente come se dipingessero su una tela. Così su vasi, anfore, superfici ceramiche bidimensionali si dispiega tutto il repertorio dei motivi figurativi e degli elementi più riconoscibili che da sempre fanno parte dell’universo pittorico di questi artisti.

In altre ricerche la terra dipinta lascia il posto ad esperienze plastiche che, pur contrassegnate da poetiche molto diverse, entrano nelle dimensioni dello spiazzamento, dell’ironia e di un grado maggiore di libertà espressiva. Aldo Mondino adotta un’iconografia giocosa ed allusiva per il proprio lavoro in ceramica; Antonio Riello con linguaggio destabilizzante e sarcastico trasforma armi da guerra in decoratissimi accessori di moda; Bertozzi & Casoni, sfruttando l’estrema versatilità del mezzo, fanno convivere iperrealistici elementi eterogenei e contraddittori in spiazzanti e paradossali composizioni, dove la materia dissimula se stessa; Luigi Carboni concepisce la tridimensione come il luogo dello sperimentale in cui l’immagine proveniente dal mondo della natura, le zucche argentate e cangianti, conferiscono allo spazio l’aspetto di una vera e propria installazione.

Diversa ancora la direzione di altri artisti, per i quali l’esplorazione della materia coincide con la sua modellazione e con la sperimentazione delle sue mutazioni. Giuseppe Spagnulo intrattiene un rapporto fisico, arcaico con la terracotta che, insieme allo spazio, tratta come specifico elemento sculturale: la aggredisce, la forza, ne assomma parti per liberare la forma dalla staticità; Marco Gastini fa uso dell’argilla in accostamento dialettico e simultaneo con altri materiali, anche dissonanti che, messi in relazione tra loro, hanno la capacità di creare intensi campi di energia; Andrea Fogli dà vita ad evocative forme metamorfiche in cui la terracotta, non smaltata e modellata con le mani, origina sculture che modificano la loro struttura secondo i punti di vista; le sculture vibranti ed irregolari di Giacinto Cerone sono il risultato di un corpo a corpo con la materia che, piegata ad una forma che è un tutt’uno col colore, definisce uno spazio carico di tensioni.

Durante la 55ª edizione della Biennale d’Arte di Venezia 2013, la mostra CROSSOVER apre il dialogo

tra gli artisti della Scuola di HUBEI e alcuni esponenti della nuova scena artistica italiana.

Mostra “CROSSOVER / A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene”

a cura di

Ji Shaofeng e Alessandro Riva

Venezia, porta d’Oriente, guarda con estrema attenzione ai paesi che stanno rinnovando il loro linguaggio artistico come la

Cina. La mostra “CROSSOVER / A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene”, curata da

Ji Shaofeng e Alessandro Riva mette in luce il lavoro e le esperienze di un gruppo coerente e articolato di artisti cinesi -

la cosiddetta Scuola di Hubei – ponendoli a confronto con analoghe esperienze provenienti dall’arte italiana

contemporanea. Se gli artisti cinesi raccontano la realtà della nuova arte del loro paese, sospesa tra avanguardia e

tradizione, tra recupero delle tecniche tradizionali e accenti fortemente contemporanei, analogamente anche gli artisti

italiani di queste ultime generazioni hanno compiuto un percorso di recupero di tecniche tipiche della tradizione italiana

(pittura e scultura, in primis, ma anche fotografia e video, trattati con un’impostazione fortemente classica e raffinata dal

punto di vista esecutivo e formale), pur con accenti e modalità contemporanee, mescolandole con influenze

novecentesche, con uno sguardo alle tematiche sociali e con un continuo rimescolamento delle forme e dei richiami

estetici della surmodernità. Parallela alla 55ª edizione della Biennale d’Arte di Venezia 2013, dal 1º giugno al

24 novembre alla Tesa 113, Arsenale Nord, CROSSOVER non vuole essere dunque un semplice confronto a distanza, ma il

primo tentativo di mettere insieme due esperiense lontane geograficamente, mescolandole e cercando di lasciare che gli

artisti stessi si contaminino, si guardino e influenzino vicendevolmente.

GLI ARTISTI IN MOSTRA:

Fu Zhongwang – Guo Zhengshan - Guo Zi – He Diqiu -  Lang Xuebo - Li Bangyao - Liu Bo & Li Yu -  Ma Lin –  Wang Jing -

Wei Guangqing - Xiao Feng -  Yuan Xiaofang - Yang Guoxin -  Zhan Rui - Zhang Zhan

Matteo Basilè - Simone Bergantini - Aron Demetz - Desiderio - Fulvio Di Piazza - Teresa Emanuele - Enrico Lombardi -

Angelo Marinelli - Elena Monzo - Davide Nido - Marco Petrus - I Santissimi - Paolo Schmidlin -Davide Sebastian - Dany Vescovi

I CURATORI:

Ji Shaofeng, critico d’arte e curatore di fama internazionale, è Vice Presidente dell’Hbei Museum of Art.

Ha al suo attivo numerose pubblicazioni e mostre sulla nuova arte cinese.

Alessandro Riva, curatore e critico d’arte, ha lavorato sulla nuova pittura e scultura italiane

con mostre pubbliche sia in Italia sia all’estero.

press contact:

Guendalina Perelli – mob. 3299388286 – email:  guendalina@gwep.it

Giovanna Tissi – mob. 3477971873 – email:  giovannatissi@gmail.com

RIAPRONO LE PORTE DELLA FESTA DEL CINEMA BULGARO
Il fascino di un cinema che sa colpire l’immaginazione
Fra gli ospiti la madrina del Festival Isabel Russinova e la soprano Alexandrina Pendatchanska

Conoscere, promuovere la conoscenza del popolo e della cultura bulgari attraverso il linguaggio multiforme del cinema: questo l’obiettivo della Festa del cinema Bulgaro (www.festacinemabulgaro.com) che, giunta alla sua sesta edizione, avrà luogo alla Casa del Cinema di Roma dal 25 al 28 maggio 2013. Un appuntamento consolidato che negli anni si è affermato non solo come un importante punto d’incontro tra il pubblico italiano ed internazionale e i migliori lavori cinematografici della Bulgaria, ma anche come un’occasione strategica per favorire l’intensificarsi delle collaborazioni e delle coproduzioni tra la Bulgaria e l’Italia. Saranno presenti alla manifestazione la madrina Isabel Russinova e la grande soprano Alexandrina Pendatchanska, uno dei nomi più interessanti nel panorama della lirica mondiale dei nostri giorni.
Ad aprire il festival il 25 maggio (ore 21.30, Sala Deluxe) la proiezione de Il colore del camaleonte di Emil Hristov, che il pubblico italiano aveva già conosciuto come operatore di Zift nel 2008. Il 26 maggio in programma alle 17.00 (Sala Deluxe) in programma Lo straniero, una commedia di Nikolay Iliev, attore e modello, figlio del regista Boyko Iliev, qui alla sua prima esperienza come regista, autore e produttore. Alle 19.00 due puntate della terza stagione della serie cult Sotto copertura. Alle 21.00 (Sala Deluxe) sarà proiettato Incognita di Mihail Pandoursky, regista già premiato a Venezia nel 1990 con L’unico testimone. Una particolarità: la colonna sonora di questo film è stata registrata dai celeberrimi coro e orchestra del teatro Mariinsky di San Pietroburgo. Il 27 maggio (Sala Volontè) a partire dalle ore 17.00 sarà la volta della produzione documentaristica musicale. Due i documentari in programma: il primo Svelare Salomè di Alexandrina Pendatchanska (moglie del regista Nayo Tizin), al momento una delle cantanti liriche di maggior successo in Bulgaria e all’estero; il secondo è dedicato alla vita della grande Ghena Dimitrova, scomparsa nel 2005.

Promosso dall’Istituto Bulgaro di Cultura con il sostegno del Ministero della Cultura della Repubblica Bulgara, sotto il Patrocinio dell’Ambasciata della Repubblica Bulgara; realizzato in collaborazione con l’Associazione Culturale La Fenice, con il sostegno di Roma Capitale – Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico, e della Camera di Commercio Italiana in Bulgaria la rassegna è una tappa di una serie di iniziative culturali da anni progettate per costruire un importante dialogo culturale fra Bulgaria e Italia fra cui è importantissimo ricordare il protocollo d’intesa fra i Sindaci di Sofia e di Roma. Nelle scorse edizioni sono stati presentati più di 40 film tra lungometraggi, serie TV, cortometraggi, animazione e documentari, tutti prodotti negli ultimi anni.

Ufficio Stampa Studio alfa
tel. e fax 06. 8183579, email: ufficiostampa@alfaprom.com
responsabile ufficio stampa e P.R. Lorenza Somogyi Bianchi, cell, 333. 4915100

COMUNICATO STAMPA

ALLUDO ROOM

RICH, WHITE MEN

RACHEL LIBESKIND

olii su carta

A cura di Ludovica Rossi Purini e Mariachiara Di Trapani

Inaugurazione martedì 28 maggio 2013

 dalle 19 alle 21

Luogo: Alludo Room, viale Mazzini 6, Scala A, terzo piano, 00195 Roma

Periodo: 28 maggio 2013 – 28 giugno 2013

Orario: da lunedì a venerdì su appuntamento

Si inaugura a Roma martedì 28 maggio 2013 dalle ore 18.30, presso Alludo Room (viale Mazzini 6, Roma) la mostra di Rachel Libeskind dal titolo “Rich, White Men” a cura di Ludovica Rossi Purini e Mariachiara Di Trapani. L’esposizione presenta una selezione di cinque opere – dipinti ad olio su carta – in cui la giovane artista americana in ogni traccia di colore affronta paradossi e corruzioni della società contemporanea e rivitalizza con l’energia del suo gesto il rapporto tra memoria e passato per condurci nel tempo presente. Ricchezza, patrimoni, leaders e status culturale sono i temi principali di questa serie di opere con le quali Rachel Libeskind comunica i propri sentimenti sull’epoca che ha dato la nascita al 21° secolo.

Alludo Room è un progetto espositivo che nasce dalla volontà di creare una Wunderkammer attraverso le opere di giovani artisti contemporanei. Un ciclo di mostre “site specific” pensate e realizzate per accogliere un pubblico di appassionati e amanti dell’arte, creando un legame esclusivo con lo spazio ospitante che è a vocazione privata. La peculiarità di questa camera delle meraviglie sarà il suo continuo rinnovarsi attraverso le immagini e le illustrazioni create per l’evento

Se il cabinet of curiosities viene considerato storicamente il primo stadio del concetto di museo, così la curatela vuole privilegiare i giovani artisti emergenti del panorama artistico nazionale ed internazionale.

RACHEL LIBESKIND è a disposizione per interviste a Roma

da venerdì 24 maggio a sabato 1 giugno

RACHEL LIBESKIND

Rachel Libeskind nasce a Milano nel 1989. Artista prolifica, pioniera nei campi del collage, del disegno, della pittura e del video. Figlia dell’architetto Daniel Libeskind, Rachel Libeskind ha studiato a Berlino e New York, conseguendo il Bachelor of Arts ad Harvard nel 2011.

Libeskind possiede un vocabolario visuale enciclopedico. Il suo database di immagini comprende le arti figurative, la propaganda nazista e socialista così come tramandata dai volumi di storia, frammenti della cultura pop e materiale iconografico dal gusto porno retrò. Tagliando e manipolando queste immagini, Libeskind distorce e interrompe il loro ovvio simbolismo. Prendendo forza dall’astrazione, dalle forme, dai colori e dalle composizioni, riassume una radicale versione della storia attraverso il collage e la pittura.

Le opere di Rachel Libeskind sono esposte permanentemente presso la Galleria di New York Hansel and Gretel Picture Garden, fondata nel 2008 da Jason Vartikar e Sarah Christian.

Vive e lavora a New York.

PERSONALI

2013                   RICH WHITE MEN, ALLUDO ROOM, ROME

2013                   THE WILD WEST, HANSEL AND GRETEL PICTURE GARDEN, NEW YORK CITY

2012                  NACHT MACHT, THE WATERMILL CENTER, WATERMILL

2011                   RACHEL VON LIBESKIND, HANSEL AND GRETEL PICTURE GARDEN, NEW YORK CITY

COLLETTIVE

2013                  LABOEXPO: RUINS, FORO BUONOPARTE, MILAN

2012                  SALON ZURCHER, GALERIE ZURCHER, PARIS

2012                  LAUNCH, GRASSGRASS, LONDON

2011                   OH PIONEERS!, SERT GALLERY, HARVARD UNIVERSITY, CAMBRIDGE

RESIDENCIES AND AWARDS

2012                  WATERMILL CENTER, WATERMILL, NEW YORK

Informazioni:

Alludo Room, viale Mazzini 6, Scala A, terzo piano, 00195 Roma

Per visitare la mostra su appuntamento tel. +39 333 2591170 (Luca Romano)

http://rachellibeskind.com

http://hanselandgretelpicturegarden.com/

Ufficio Stampa

Caterina Falomo

caterina@pennarossapresslab.it

+39 346 8513723

Un attore inglese, protagonista in Italia di un “Riccardo 3 da paura” di William Shakespeare, muore incidentalmente il giorno prima del debutto a teatro. Il suo corpo viene portato nell’obitorio comunale dove fa servizio Sesto, un Co.Co.Co. assolutamente ligio al proprio dovere: quello di presenziare puntualissimo a tutte le partite del grande Napoli. Sul punto di chiudere e di recarsi a casa per vedere la semifinale di Champions League fra il Napoli e il Liverpool, farà irruzione nell’obitorio Tom Berenger, regista e produttore dello spettacolo, che si finge inglese, seguito subito dopo da Renata, che si finge sua amante, e protagonista femminile della messinscena shakespeariana. Sesto, che non si finge nulla, li invita a ritornare il giorno dopo, perchè l’obitorio deve chiudere. Ma le catastrofiche conseguenze, economiche, d’immagine e anche sentimentali, che l’annullamento dello spettacolo provocherebbe, fanno balenare nella testa dei due teatranti, una soluzione surreale ed esilarante: trasformare il malcapitato dipendente comunale nel loro Riccardo III. Avranno solo quella notte per preparare lo spettacolo che il giorno dopo deve debuttare. Ce la faranno? Fra gags, equivoci, scambi di ruolo, travestimenti e autentici momenti di poetico divertimento i tre protagonisti daranno vita allo spettacolo “shakespeariano” più comico di sempre. Chi l’ha detto che le tragedie non fanno ridere?

SHAKESPEARE IN OBITORIO

Scritto e diretto da Paolo Perelli

con Roberta Cataldi, Fabian Grutt e Mino Sferra

scene e costumi Mauro Berti

Foto di scena Danilo Giovannangeli

Al Teatro Essenza

24.25 e 26 maggio 2013

viale Fra’ Andrea di Giovanni 150

info@essenzateatro.it

ore 20.30

domenca 18.00

biglietti 13.00 intero – ridotto 10.00

Torna anche per l’estate 2013 – dal 20 al 28 luglio – VACANZE DELL’ANIMA, il tradizionale festival dell’alta Marca Trevigiana che quest’anno si trasforma in un contenitore ancora più ricco di proposte ed eventi, più esteso e che interseca progetti nuovi.

VACANZE DELL’ANIMA, giunto alla quarta edizione, è ideato da Loris De Martin, promosso da Confartigianato AsoloMontebelluna, patrocinato da Club di Prodotto “Treviso – La provincia dello Sport” e Slow Food e inserito in RetEventi regionale. Per l’edizione 2013 vede la partecipazione delle Amministrazioni comunali di Asolo, Caerano di San Marco, Cavaso del Tomba, Cornuda, Maser, Monfumo e Volpago del Montello e la collaborazione di Fabrica.

IL TEMA DI VACANZE DELL’ANIMA 2013

Il tema centrale di VACANZE DELL’ANIMA 2013 è “Orienta-ti – Simbolo e/o rivoluzione”: perché oggi emerge sempre più forte il bisogno di scardinare e sostituire vecchi modi di pensare ed intendere la realtà. “Guardare in più direzioni, creare opportunità alternative riducendo al minimo il rischio del cambiamento, creare reti di appartenenza e reciproco sostegno, questi sono i simboli che potranno attivare quella vera rivoluzione necessaria per fornire ai nostri figli e alle nuove generazioni l’idea di un futuro verso il quale attivarsi sentendosi parte di ‘territori e imprese’” spiegano gli organizzatori di VACANZE DELL’ANIMA.

Confartigianato AsoloMontebelluna, da sempre sensibile all’innovazione come strumento importante per stimolare creatività e impresa, lancia un segnale forte affinchè le relazioni umane, lavorative e anche lo stesso concetto di produzione e sviluppo siano frutto di valutazioni reali che si rifanno all’economia concreta e vissuta dai cittadini del mondo e del nostro territorio.

Idee e proposte che si concretizzeranno nei workshop e negli incontri serali con i protagonisti dell’edizione 2013 di VACANZE DELL’ANIMA, intervallati da curiose degustazioni dei sapori del territorio targati Slow Food.  E poi laboratori artigianali aperti a tutti, una mostra di artigianato d’eccellenza sul tema dell’orientamento che vede coinvolti i migliori artigiani della Marca Trevigiana e, ancora, escursioni a piedi e cicloturistiche per tutti i gusti e gradi di difficoltà.

WORKSHOP E OSPITI

Gli ospiti degli incontri serali di VACANZE DELL’ANIMA 2013 saranno l’attrice Lella Costa e il sociologo Domenico De Masi (20 luglio); lo scrittore e autore teatrale Francesco Niccolini assieme ai giovani musicisti di Fabrica (centro di ricerca sulla comunicazione di Benetton Group), che si esibiranno in concerto (21 luglio); lo scrittore Alberto Toso Fei (22 luglio); le musiciste e docenti di conservatorio Anna Bellagamba e Alessandra Penitenti (23 luglio); l’esperta e promotrice dell’artigiano d’eccellenza Federica Preto (24 luglio); il medico-chirurgo, con esperienze alla NASA, Filippo Ongaro (25 luglio); i docenti “storici” di VACANZE DELL’ANIMA Filippo Faes, Alessandro Grego, Carlo Modonesi, Massimo Ramella, Cinzia Scaffidi, Gianni Tamino (26 luglio); nella serata conclusiva (28 luglio), Enrico Merlin, storico della musica, e la Veneto Jazz Band.

I  LABORATORI

Dal 20 luglio tutte le mattine e i pomeriggi saranno dedicati a laboratori di scultura, Incisione, tessitura, fotografia e ceramica, le cui produzioni verranno presentate nel corso del workshop di mercoledì 24 luglio, dedicato all’artigianato artistico.

Laboratorio scultura – Monumenti: scopo del workshop è quello di ragionare sul tema del monumento, inteso come mezzo per celebrare un evento o un luogo. Quattro incontri condotti dallo scultore Alessandro Mason.

Laboratorio incisione – Percorsi a puntasecca: i partecipanti si cimenteranno nell’interpretare immagini dedicate ai percorsi asolani. I docenti sono Stefano Luciano (artista) e Giancarlo Busato (stampatore).

Laboratorio tessitura – Tessere il paesaggio: È un laboratorio- vacanza, condotto dalla designer tessile Maria Cristina Busnelli. Vacanza… dall’obbligo di produrre un oggetto riconoscibile, utilizzabile o, peggio, vendibile.

Laboratorio fotografia – Memoria: il corso è rivolto ai fotografi amanti dei viaggi nel tempo, della poesia e della creatività. Il docente è il fotografo Vincenzo Vedovato.

Laboratorio ceramica – Orme e labirinti: condotto dalla ceramista Lorella Pozzi, nota creativa e produttrice di complementi d’arredo e gioielli.

LE ESCURSIONI

Sabato 20 luglio è in programma un tour per mountain bike lungo l’Oasi del Fiume Piave, mentre sabato 27 luglio un’escursione a piedi tra i colli Asolani con la collaborazione dell’organizzazione Scarpe Bianche. Domenica 28 luglio, grande evento per gli amanti della bicicletta che potranno vivere le emozioni di un’escursione cicloturistica, sempre non competitiva, con il tour ciclistico La Trevisana – Terra di Campioni!. L’evento propone 3 percorsi, intervallati da tappe itineranti, all’insegna della scoperta del territorio per apprezzarne i tratti architettonici, naturali ed enogastronomici. Il tragitto rimane comunque percorribile per tutta la durata di VACANZE DELL’ANIMA, con possibilità di richiedere la cartina del percorso e una guida turistica.

Le iniziative cicloturistiche sono organizzate da Enrico Tirindelli.

Il programma dettagliato è disponibile su www.vacanzedellanima.it

Pacchetti turistici

Dal sito www.vacanzedellanima.it si potranno prenotare direttamente i pernottamenti in alberghi o agriturismo e accedere alle agevolazioni previste per i partecipanti.

I pacchetti turistici personalizzati con agevolazioni sono disponibili presso l’agenzia turistica XEvents (www.xevents.it) e nel sito de Il Club di Prodotto – Provincia di Treviso (http://clubsport.marcatreviso.it/)

Le proposte sono sviuppate anche con la partecipazione del Consorzio di Promozione Turistica Marca Treviso.

Informazioni e iscrizioni:

Confartigianato AsoloMontebelluna

tel. 0423527839

info@vacanzedellanima.it

www.vacanzedellanima.it

Noi crediamo che un quadro di genere informale faccia breccia nell’animo e nella mente del fruitore dell’arte quando sappia raccontare qualcosa che a prima vista è celato. Che abbia uno spessore e una profondità che sia capace di trascendere la tela generando un mondo  a se stante, in cui è cosi affascinante perdersi..

Questo è il caso delle opere di FLORIANO FLORIANI, pittore trevigiano, in mostra da domani MARTEDì 21 MAGGIO fino a sabato 1 GIUGNO, nella galleria d’arte contemporanea Spazio Bevacqua Panigai di Treviso

20 tele astratte che tramutano le sensazioni dell’artista in poesie visive,  di quelle in versi è già conosciuto in città, ed è proprio questa la forza di Floriani. La sua ruvida sensibilità che riesce ad esprimersi solo attraverso l’arte.

Come scrive l’architetto Fantin, suo caro amico “La ventina di opere che Floriano Floriani presenta è una sequenza iconografica della sua sensibilità, a volte disattesa, su tutti i colori dell’arte. E’ sempre uno spazio da inventare che profuma di trasparenza plisettata, dove la trama del disegno effervescente sconfina nella forma di un inconscia e sensuale felicità, all’interno di quello spazio da inventare ogniqualvolta la linea diventa fluido leggibile ed elegante..”

In mostra 20 tele e 20 poesie.

Floriani è un pittore da scoprire. Ne siamo sicure.

VERNICE INAUGURALE

Martedì 21 maggio

ore 18.30

Spazio Bevacqua Panigai

Vicolo S.Pancrazio 3

31100 Treviso

WEB. www.spaziobevacquapanigai.com

M. art@spaziobevacquapanigai.com

T. +39 04 22 18 5 61 40

DAL MERCOLEDI AL VENERDI DALLE 15 ALLE 19 E IL SABATO DALLE 10 ALLE 13 E DALLE 15 ALLE 19.

date: 2 giugno – 30 settembre 2013

Inaugurazione: 1 giugno 2013 ore 17

Ogni anno a Venezia si svolgono ENCUENTROS insieme di mostre in cui artisti di tutto il mondo si raccolgono intorno alla figura poliedrica di Wilmer Herrison. Venezia è la prima tappa delle esposizioni che verranno poi portate nei musei Venezuelani omaggiare le “Storie” sempre originali e creative che nascono e prendono forma “tra Venezia e Venezuela”.

Wilmer Herrison ricerca le origini del suo essere uomo, del suo essere venezuelano e del suo incontro con l’europa. Ci porta in un viaggio che ci fa ritrovare le nostre stesse origini per andare oltre ed essere travolti da riflessioni ancestrali che ci permettono di scovare significati profondi all’interno di opere pittoriche e fotografiche non più enigmatiche se interpretate con la chiave di lettura che l’artista ci offre.

Inizia a giugno 2013 una mostra diffusa in luoghi del vivere quotidiano, sono stati scelti luoghi comuni vicini alla gente perché l’arte è della gente comune che spesso non visita la Biennale. In via Garibaldi gli artisti incontrano i veneziani e si confrontano di temi tra l’eccentrico e il profondamente spirituale per arrivare a scoprire poi un po’ di più noi stessi.

L’arte, nata da creativi che si sono incontrati ed hanno iniziato una ricerca comune sulle origini, è ora fra la gente per essere viva e per non morire in luoghi d’esposizione vuoti e ontani dalla vita di tutti i giorni.

Wilmer Herrison ha dimostrato che si possono creare percorsi al di fuori del consueto rivolti a tutti, non ad un pubblico di specialisti. L’arte contemporanea viene vissuta, viene spiegata, viene metabolizzata in spazi semplici e soprattutto non istituzionali, vicina alle “Storie” che l’anno creata.

Wilmer Herrison ha invitato a partecipare alle esposizioni diffuse

Claudia Llinas, artista – Rita Pierangelo, artista – Mauro Liotto, pittore – Luigi Bona, artista – Massimo Branca, fotografo – Roman Tcherpak, artista – Andrea Secchia, artista – Silver Jaronsson, pittore –

Migdali Herrison, cantante lirica – Jennifer Cabrera Fernandez, coreografa –

Emely Jimenez, fashion designer – Erwin Aguirre, artista

Curatore:

Lucien Chevalier

Responsabile della comunicazione:

Elisa Rodriguez

Accompagnano la ricerca sulle origini i testi

Michel Boutier, Lucien Chevalier, Cecilia Ci, Samantha Lenarda, Gerard Xurigera, Raffaella Zanus

Istituzioni che patrocinano l’iniziativa:

Ministero della cultura venezuelano

Governo Bolivariano del Venezuela

Museo de Arte Contemporàneo – Barquisimeto, Venezuela

Museo de Arte Contemporàneo MacZul

Circolo artistico di Venezia

Organizing for Action

21 maggio, ore 21.00
Roma, Palazzo della Cancelleria

Martedì 21 maggio il chitarrista e compositore Marco Albani salirà sul palco del Palazzo della Cancelleria di Roma (ore 21.00, ingresso libero con offerta, www.famigliamodenesedegliestensi.org) con il suo MARCO ALBANI ACOUSTIC QUARTET per un concerto di solidarietà, organizzato dall’Associazione Famiglia Modenese e degli Estensi, con il patrocinio di Roma Capitale, dedicato alla Raccolta Fondi per il Terremoto dell’Emilia, ad un anno da quella terribile notte del 20 maggio 2012. Con lui sul palco: Menotti Minervini al basso, Martino Onorato al pianoforte e Umberto Vitiello a percussioni e voce.
Un evento unico, che vede per la prima volta approdare al Palazzo della Cancelleria suoni differenti da quelli classici: la scrittura di Albani, infatti, spazia dalla musica latina a quella mediterranea ed africana, muovendosi sulla sottile linea di confine tra Jazz acustico e World Music: un percorso di sperimentazione e contaminazione tra ritmi e melodie del mondo, un “work-in-progress” di immagini esuggestioni provenienti da differenti culture.
Marco Albani ha al suo attivo gli interessanti album Chronos (2006) ed Encuentro (2010), e si è esibito in prestigiosi Festival e Rassegne tra i quali Villa Celimontana 2010 e Casa del Jazz 2011.
Una musica fatta di passione ed ispirazione, che “Famiglia Modenese e degli Estensi” e il suo Presidente Galliano Morini hanno voluto scegliere proprio “per parlare direttamente al cuore, così come dovrebbe fare la solidarietà”.
I fondi raccolti saranno convertiti in beni, che l’Associazione consegnerà direttamente a strutture locali operanti nel sociale.

Ufficio Stampa Studio alfa
tel. e fax 06. 8183579, e- mail: ufficiostampa@alfaprom.com
responsabile ufficio stampa e P.R. Lorenza Somogyi Bianchi, cell, 333. 4915100

Tematiche principali del lavoro di Achir sono i ritratti di donne, il cui sguardo funge da catalizzatore e invito per una riflessione personale sulla conoscenza di sé, e i paesaggi, grandi spazi in cui gli occhi si perdono nella luce che riempie il senso di solitudine dato da una terra disabitata. A questi temi principi del lavoro di Achir si aggiungono le vedute di città e di falansteri, edifici – torri desolati che si ergono nella natura, come l’animo nel corpo umano, e dipinti più introspettivi, che narrano di pensieri e ricordi…

La mostra presso il Centro per l’Assistenza Sociale e Culturale tra i dipendenti della Banca d’Italia è stata concepita come una retrospettiva per presentare contemporaneamente tutte le tematiche indagate da Achir per una collezione di circa trenta dipinti di medio e grande formato (da 50×70 cm. fino a un massimo di 200×200 cm.). La raccolta, dunque, sarà divisa in quattro gruppi di opere: ritratti di donna; paesaggi; città e falansteri; pensieri e ricordi. 

Le Ali Di Pandora

Il Raggio Verde Ed.

domenica 26 maggio alle ore 20,00

presentano

Andrea Sharklover

“Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica”

performance musicale a cura di

“La chiave di Ecate”

con le visioni  di Massimiliano Manieri

Centro Polifunzionale – V.le Giovanni Paolo II angolo Via Pistoia, 9 – Lecce

ingresso libero

L’associazione Le Ali di Pandora e la casa editrice Il Raggio Verde srl, organizzano l’evento “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica” presso la sede de Le Ali di Pandora sita in Via Pistoia, 9 (Centro Polifunzionale), Lecce.

L’evento, con il Patrocinio della Provincia di Lecce e della Città di Lecce, sarà un’ occasione per dare voce alla poesia con il canto, un’opportunità per portare l’arte in periferia, un motivo per animare e vivere un quartiere della città considerato degradato nella convinzione che attraverso i linguaggi trasversali dell’arte in un connubio tra musica, arte e visioni si possa creare una naturale aggregazione costruttiva.

In questo intento si indirizza la collaborazione tra la casa editrice Il Raggio Verde srl. e l’associazione socio-artistica-culturale Le Ali di Pandora in una sinergia mirata alla tutela e valorizzazione dell’ambiente e della persona attraverso attività culturali dove emerga la capacità di  animare e creare attrattive in spazi alternativi portando il centro nella periferia, immaginando una città all’altezza delle sue bellezze culturali e del suo patrimonio di civiltà.

programma

Ore 20,00 saluto delle Autorità-

Ore 20,30 –  inaugurazione mostra fotografica di Andrea Sharklover, visitabile fino al 31 maggio Interverrà Lucy Ghionna (Docente dell’Accademia di Belle Arti di Lecce), che scrive: “Questo bel giro del mondo dell’artista Andrea Sharklover ci fa sognare. Le sue fotografie ritraggono la dolcezza, la poesia ma anche l’irruenza della natura. Lui come un reporter, documenta le sue avventure in modo sapiente ed elegante trasferendo la sua passione all’osservatore che si ritrova a viaggiare immediatamente. Il mare, il cielo e i grandi spazi, sono i temi trattati nelle sue opere spesso popolate da animali e soprattutto dagli squali che probabilmente sono la sua passione. Questi animali così forti ed aggressivi  sfidano la vita in ogni momento del loro incontro. La sua arte è un’arte fatta per tutti, semplice da comprendere in nome di una socialità dell’arte. Come un pittore en plein air, l’artista usa la macchina fotografica con spontaneità costruendo una nuova iconografia attraverso l’esperienza diretta con la natura e la “scoperta “ della luce. I suoi paesaggi ritraggono vari momenti della giornata soffermandosi nello studiare la luce nella sua  intensità. Secondo Apollinaire ”i grandi poeti e i grandi artisti hanno la missione sociale di rinnovare senza posa le sembianze che riveste la natura agli occhi degli uomini”.

Ore 21,00 –  performance musico-visiva “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono”  del Gruppo “La chiave di Ecate” con le immagini visionarie del video di Massimiliano Manieri: “Plink”.

La performance trae spunto dal libro di Andrea Sharklover “In Cammino verso la bellezza” Il Raggio Verde ed. Il libro di Sharklover è un errare poetico e contemplativo che parte dal Salento e viaggia tra il Sud Africa e Cuba. Un occasione per avvicinare luoghi lontani che Andrea, amante degli  squali, fissa nel suo obiettivo. Un alternarsi di immagini e parole dove non tutto quel che c’è può essere detto; sentimenti, emozioni e confronti in un universo costruito attraverso le fotografie e le parole, in una trasposizione soggettiva colma di istanti insostituibili dove pienezza, allegria, delusione, drammaticità e abbandono sono raccontati con semplicità in una fusione mistica con il mare e le sue creature. Tra le immagini e la parola c’è la musica che sembra essere il naturale nesso conciliatore. “La chiave di Ecate” apre le porte e compone la musica per la poesia di Andrea e riesce a toccare, attraverso la composizione e la tensione vocale, alle sonorità profonde ed intense, le corde più intime e nascoste della mente e del cuore andando a lambire i confini dell’anima.

La proiezione del video di Massimiliano Manieri: “Plink (…l’uomo caduto in cattive acque)” contemporaneamente alla performance, è una voluta asimmetria che fa dell’uomo un mistero permanente e impenetrabile. Scrive Luciano Pagano: è un uomo caduto dal cielo che viene trafitto da una lancia conficcata nel terreno e con la punta verso il cielo. (…) Chi è e perché è caduto sulla terra? È venuto per farsi uccidere all’istante? Il pensiero è naturale, venire al mondo per farsi trafiggere all’istante, cadere da una realtà ovattata e celeste quale può essere quella dei nove mesi in cui siamo nel ventre materno, vestiti da sub, coccolati, per poi essere proiettati nel mondo ancora con la muta e trafitti.

30/31 Maggio e 1/2 giugno 2013
OCCHIROSSI, il futuro immaginato.
festival indipendente di fotografia… e non solo.

“Ecco, o futuro, sono salita in sella al tuo cavallo. Quali nuovi stendardi
mi levi incontro dai pennoni delle torri di città non ancora fondate? quali
fiumi di devastazioni dai castelli e dai giardini che amavo? quali
impreviste età dell’oro prepari, tu malpadroneggiato, tu foriero di tesori
pagati a caro prezzo, tu mio regno da conquistare, futuro..”
Italo Calvino – Il cavaliere inesistente

Il futuro, quello immaginato (ma anche sognato, temuto, utopico, fantasioso, reale), sarà quest’anno il “cuore” di OcchiRossi.
Perché in tempi difficili come questi non siamo capaci forse più di immaginare un futuro. Abbiamo provato quindi a raccogliere diverse visioni attraverso gli sguardi di alcuni fotograf* (Claudia Moroni, Viola Pantano, Benoit Cezard, Elena Givone, Filippo Bardazzi, Paola Verde, Francesco Romoli, Franco Brambilla, Stefano Parrini, Andrea Buzzichelli) per cercare nuove strade verso il futuro che vogliamo.
Con queste premesse e con la presenza e il contributo di singol* fotograf* e collettivi fotografici provenienti da varie esperienze, il 30/31 Maggio e 1/2 giugno 2013 si terrà negli splendidi spazi del CSOA Forte Prenestino la quarta edizione del Festival Indipendente di Fotografia OcchiRossi, un progetto collettivo che promuove cultura fotografica indipendente, formato da una rete di camere oscure autogestite, associazioni culturali e singol* fotograf*.

OcchiRossi nasce alla fine del 2008 da una serie di riflessioni sul ruolo degli spazi espositivi e sul loro rapporto con il territorio, sulla necessità di facilitare l’accesso alla formazione fotografica e artistica in generale e sull’importanza di eliminare intermediazioni economiche e culturali tra chi produce fotografia e chi ne fruisce.
http://www.occhirossifestival.org/?p=5948

OcchiRossi ha una “doppia vita”:
la FASE UNO – le immagini e i progetti fotografici invadono la città per renderne possibile la fruizione anche ad un pubblico non specializzato (ora in corso nei quartieri Casalbertone, Quadraro, Quarticciolo, Alessandrino, Magliana (http://occhirossifestival.org/?cat=148);

la FASE DUE – il momento collettivo che si svolge al Forte Prenestino dove i fotograf* si incontrano e condividono idee ed esperienze: quattro giornate (a partire dal primo pomeriggio) di mostre fotografiche (circa 120, raccolte tramite un bando aperto a tutt* che non prevede selezione – http://occhirossifestival.org/?cat=146 ), workshop e seminari che guardano al mondo fotografico da diverse angolature (antiche tecniche di stampa, tecniche di post-produzione digitale dell’immagine, analisi del linguaggio fotografico, tecniche di illuminazione ecc.), set fotografici, incontri (segnaliamo la presentazione del lavoro di Alessandro Imbriaco e Tommaso Bonaventura Corpi di Reato; una tavola rotonda con collettivi nazionali: Collettiva Andaiola, ArkFotoLab, Collettivo Fotosocial, MicroPhotographers,S’Umbra-Fuoritema, Synapsee) spettacoli e performance, concerti (giovedì 30 maggio HOT CLUB DE ZAZZ, jazz manouche da Roma; venerdì 31 maggio: BAMBOO, percussioni con strumenti extra-musicali da Roma; sab01giu: GreenMoonSparks), proiezioni ed altro ancora.
Il programma in continua espansione su: www.occhirossifestival.org
dal 30 maggio al 2 giugno 2013
presso il csoa Forte Prenestino, via Federico Delpino – 100celle – Roma

ingresso 3,00 euro – 5,00 euro il sabato sera.
in funzione Taverna, pub 12deTutto, sala da the inTHErferenze, enoteca terraTERRA

mail to: info@occhirossifestival.org
www.occhirossifestival.org
http://www.forteprenestino.net

“Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica”

  “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica” è il titolo dell’evento organizzato dall’associazione Le Ali di Pandora e la casa editrice Il Raggio Verde srl, domenica 26 maggio, ore 19,30, presso la sede dell’associazione sita in Via Pistoia, 9 (Centro Polifunzionale).

Le immagini saranno quelle della mostra fotografica di Andrea Sharklover autore del libro di foto e versi “In cammino verso la bellezza” , edizioni Il Raggio Verde. Inaugura la mostra Lucy Ghionna (Docente dell’Accademia di Belle Arti di Lecce).

I suoni saranno quelli del  Gruppo “La chiave di Ecate” (a partire dalle ore 20.00) che presenterà la performance poetico-visiva “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono” che si avvarrà, scenograficamente, dello straordinario video di Massimiliano Manieri dal titolo “Plinck”.

Il gruppo “La chiave di Ecate” è composto da quattro elementi, alla tastiera Stefano Caputo, alla voce Grazia Riccardo, al violino Valentina Marra e al flauto traverso Flavio Mele. La musiche composte dal gruppo posseggono sonorità profonde ed intense, che vanno a lambire i confini dell’anima pizzicando le corde più intime e nascoste della mente e del cuore qui a servizio della poesia, difatti la performance trae spunto dal libro di Andrea Sharklover “In Cammino verso la bellezza” Il Raggio Verde ed. Il libro di Sharklover è un errare poetico e contemplativo che parte dal Salento e viaggia tra il Sud Africa e Cuba. Un occasione per avvicinare luoghi lontani che Andrea, amante degli  squali, fissa nel suo obiettivo.

Un’ occasione, dunque, per dare voce alla poesia con il canto, opportunità per portare l’arte in periferia nel solco di questo intento si indirizza la collaborazione tra la casa editrice Il Raggio Verde e l’associazione socio-artistica-culturale Le Ali di Pandora in una sinergia mirata alla tutela e valorizzazione dell’ambiente e della persona attraverso attività culturali.

La manifestazione è patrocinata da Comune e Provincia di Lecce e rientra negli eventi di Lecce Capitale Europea della Cultura 2019. Ingresso libero.

Il libro In cammino verso la bellezza di Andrea Sharklover

Fotogrammi e versi, felicemente accostati in continuo rimando fra parole e immagini, per costituire un corpo unico in un libro che diventa pretesto per parlare di bellezza: la bellezza dei paesaggi meravigliosi, catturati tra gli angoli più disparati del nostro pianeta, e quella dei luoghi dell’anima dove sedimentano i pensieri più autentici, dove la parola diventa paesaggio interiore, riflessione sul senso della vita, quasi racconto di sentimenti e passioni che hanno la potenza delle onde che si infrangono sugli scogli dei mari del mondo.

Il mare, fil rouge dell’intero libro, da “soggetto fotografico diventa “oggetto letterario” per declinare in versi le visioni dell’autore, i suoi sogni, le sue speranze: “Sognando/ mi accorgo del cielo. Nuvole di luce/morbide spumose/ sorreggono le mie speranze./ Sognando/mi accorgo del mare/profondità blu cobalto/. In cammino verso la bellezza è un viaggio fuori e dentro di sè. Un itinerario che parte dal Sud del Bel Paese per giungere all’estremo Sud del mondo, doppiando il Capo di Buona Speranza nel Sud Africa, come gli antichi navigatori, e poi ancora viaggiare, riprendere le rotte del mare….inseguendo le onde dal Porto di Simon’s Town, Sud Africa, a Cape Point, passando per Los Abrigos, Tenerife Sud, nelle splendide isole Canarie, per poi lasciarsi incantare dalle acque cristalline della caleta, costa Adeje, Tenerife Sud, e ritrovare i propri passi sulla sabbia di cayo Santa Maria, Sancti Spíritus, nella mitica Cuba… Nato sotto il segno del leone, Andrea Sharklover ama definirsi uno spirito in continua ricerca, dedica gran parte del suo tempo a studiare materie umanistiche e scientifiche. Il mare e gli squali, sue grandi passioni, gli fanno incontrare, nel 2006, il professore Alessandro De Maddalena, e con lui approfondisce le sue conoscenze in materia di squali, partecipando a svariati corsi sulla biologia degli stessi.

Si ringraziano per la realizzazione dell’evento presso l’associazione Le Ali di Pandora:

Pasta d’elite  Via Bari 2, Lecce

Alessio Gubello Executive Personal Chef e Owner presso Pasta D’elite

Scuola di cucina il gusto del tacco di Anna Maria Chirone Arnò
via Lupiae n.29  73100 Lecce

Cantine Amastuola- Massafra (Taranto)

Bar Kolbe Lecce

Villa Conca Marco Vanze- Lecce

Una location esclusiva per ospitare un’esposizione-percorso che invita il visitatore ad attimi di riflessione, osservazione e sorpresa, in un viaggio nel viaggio tra i quattro piani del nhow hotel Milano.

È Reality Fluids il titolo della mostra che sarà inaugurata il 16 maggio alle 18:30 in via Tortona 35 a Milano,in collaborazione con hiWHIM, Galleria Blanchaert e Spazio Rossana Orlandi, per proporre una varietà inaspettata di opere tra arte e design, installazioni, pittura e scultura.

I Reality Fluids sono le correnti di realtà attraverso e lungo le quali ci muoviamo, sono segni di una condizione attuale definita nel suo movimento costante e allo stesso tempo sono propaggini di una realtà più profonda che si manifestano perché noi possiamo vedere più di quello che percepiamo in superficie.

Ed è proprio attraverso gli occhi e le mani degli artisti che possiamo esplorare diversi livelli di realtà riuscendo a intravedere aspetti nuovi, sfocati e ignorati in precedenza. 14 artisti e 14 designer che abiteranno gli spazi del famoso e iconico hotel trasformandoli in una galleria d’arte per dimostrare come la struttura innovativa del nhow hotel, per soluzioni architettoniche e di arredo, sia in grado di integrarsi con l’arte e il design di ricerca.

La mostra rimarrà negli spazi dell’hotel fino al 13 ottobre 2013, ponendo ancora una volta l’hotel milanese di design come vero epicentro artistico e creativo.

Gli artisti coinvolti nella mostra sono Cracking Art Group, Elena Escard, Mariano Franzetti, Claudio Greco, Mercedes Ley, Giordano Morganti, nerosunero, ProvocActionArt, Sonia Ros, Giulia Ciliberto+Andrea Farinati+Matteo Stocco, Moritz Waldemeyer, Willow.

Tra i designer, invece, partecipano AtelierFORTE, Double-ei, Drydesign, Guglielmo Fabian, Felicerossi, Setsu & Shinobu Ito, Paolo Nicolò Rusolen per Laurameroni, Karim Rashid (Illulian, Base Srl, Martela), Rooms, Sillabe, Nicole Tomazi.

In Reality Fluids, l’artista scardina il linguaggio del reale apparente, lo scompone e ricompone per renderlo diversamente accessibile. Artisti come Claudio Greco, Mariano Franzetti, Sonia Ros e Willow lavorano con l’installazione, scultura e pittura attraverso questo procedimento di smembramento, collezione e ricomposizione. Ciò che abita l’opera finale è familiare, ma estraneo al tempo stesso, il particolare parla di un intero che sfugge e non si fa in tempo a rintracciarlo che già l’insieme delle parti si è ricomposto in un corpo nuovo, affascinante e anche conturbante.

Realtà diverse che si incrociano, si modificano col passare del tempo, inventano il tempo anche, come nell’opera di ProvocActionArt, dove il tempo diventa concretamente un concetto fluido in ogni direzione.

Realtà che si sovrappongono, come nelle fotografie di Moritz Waldemeyer, in cui ambienti reali sono abitati da danze di luci, quasi una volontà dell’artista di fermare quelle presenze sottili che si muovono tra gli strati del reale più concreto e che solo a volte abbiamo la capacità o la fortuna di intravvedere.  Sovrapposizioni anche nelle opere di Elena Escard, dove è lo sguardo di chi osserva ad aprire differenti porte di accesso all’opera. Livelli sovrapposti che non potrebbero vivere uno senza l’altro, perché intimamente fatti della stessa materia.

Dallo studio della materia parte il lavoro di Cracking Art Group, una riflessione sul rapporto anche simbolico tra naturale e artificiale e sulle sue conseguenze nelle nostre vite. Giochi di percezione, apparenze che ingannano. Anche Mercedes Ley parte dalla materia, proprio dall’acqua, che lei rende realisticamente nei suoi infiniti movimenti e sfumature come pretesto per una riflessione sulla continua trasmutazione della realtà, da quella più concreta a quella più impalpabile. Le immagini diventano così anche porte verso rivelazioni possibili, come nelle foto di Giordano Morganti, dove l’essenza della natura nelle sue forme e combinazioni sempre nuove apre la porta a paesaggi anche interiori. Dalla rappresentazione del reale parte anche il lavoro di nerosunero. I suoi lavori sono attimi cristallizzati, ritratti di momenti sospesi in cui il fiato si ferma in attesa di qualcosa che forse accadrà o è già avvenuto.

Nel design, indagare le diverse sfaccettature del reale e i suoi vari livelli, e lo smascherare le apparenze, si uniscono alla sempre più sentita attenzione all’ambiente portando concretamente a trovare una nuova vita per materiali nati con altri scopi. Come il materiale di scarto di stampa, cassetti di legno, provette di vetro che insieme trovano nuovi contesti e funzioni nei pezzi di Double-ei. Allo stesso modo Setsu e Shinobu Ito utilizzano il cartone da imballaggio, materiale già ampiamente sperimentato da diversi designer, giocando con le apparenze. La poltrona Kai (‘conchiglia’ in giapponese) è realizzata in cartone, ma sembra di legno massiccio. Leggero e pesante perdono così i loro connotati abituali, anche nella scultura di AtelierFORTE. Il ferro e la testa di mammut cui dà forma sembrano liberarsi di tutto il loro peso tramite una struttura leggera come il respiro dell’animale, che tuttavia non lo svuota della sensazione di forza e potenza.

Il concetto di fluidità è esplorato anche in termini di funzionalità e di adattabilità degli oggetti di cui cicircondiamo alle esigenze in continuo movimento delle nostre vite. Così per le sedute di Felicerossi, i tavoli e vasi di Sillabe che si congiungono in una varietà di combinazioni, la cassettiera di Paolo Nicolò Rusolen – cassettiera discreta e scultura allo stesso tempo-, e gli elementi di DryDesign che diventano sgabelli, tavolini o vasi a seconda delle esigenze. Guglielmo Fabian interpreta invece la fluidità caratteristica del nostro tempo con degli Internet tables, oggetti nuovi che rispondono a un’esigenza attuale. Il design di Nicole Tomazi è fluido nell’attraversare diversi livelli sociali, quello più povero e quello dell’industria locale della sua terra natia, il Brasile. I pezzi di Rooms giocano con i materiali e le consistenze. Il tavolino Invisible, fatto di specchi, perde la sua identità riflettendo di volta in volta la realtà che lo circonda.

Karim Rashid porta infine al nhow le sue linee morbide e flessuose con una serie di pezzi che includono tappeti, tavoli e sedute. Il suo è un design che riflette sulla percezione personale di dove e come vogliamo costruire l’ambiente in cui viviamo, riportando il design a una dimensione che va oltre il semplice interior design.

In concomitanza con la mostra, parte oggi al nhow milano la nuova installazione ‘live’ artistica e di design australiana “The Abandoned Boudoir” curato da Marisia Lukaszewski di aestheticalliance che, per 5 giorni, resterà all’interno di una stanza d’albergo che diventerà uno spazio intimo espositivo. I normali oggetti presenti in una camera verranno sostituiti con pezzi di design australiano per riflettere sull’identità di quel paese.

Mario Sughi, artista italiano che da molti anni vive a Dublino disegna e dipinge tutto al computer facendo uso di una tavoletta digitale. L’utilizzo di una “macchina” per la realizzazione della sua “pittura” è assolutamente coerente con un raffreddamento del mezzo espressivo in grado di ridefinire un ordine di rapporto tra l’artista e i soggetti che rappresenta. Figure, per lo più femminili, perse nello spazio. Figure concentrate in sé in ogni azione che compiono.
Ama, lo scrive lui stesso, Francis Bacon e David Hockney e dunque da una parte riflette sulla solitudine, l’ossessione, il vuoto, dall’altra muove da una diretta critica alla società, alle sue convenzioni. L’artista però dialoga anche con alcuni altri artisti, e prima di tutto con Peter Blake del quale coglie l’impaginazione sensibile, la capacità di gestire i vuoti insieme con i pieni delle figure.
In Mario Sughi c’è un segno tagliente, nuovo, ricondotto ai contorni, un’invenzione del colore di una tensione costante attraverso il quale l’artista crea gli spazi, i possibili movimenti, le profondità. “Credo, scrive Arturo Carlo Quintavalle, che nella dimensione del nuovo racconto figurativo dell’arte inglese, ma anche dell’arte italiana, la ricerca di Mario Sughi sia importante anche e proprio per la sua capacità di arricchire la vecchia lingua della pittura con le novità di linguaggi diversi, originali, inconfondibili, di grande qualità.” Infatti Mario Sughi apre un dialogo con la Pop Art inglese rifondandone alcuni statuti attraverso il ricorso alle strategie linguistiche del fumetto, dell’affiche e dell’illustrazione. Osserviamo composizioni semplici, pulite, con pochi elementi, spesso con un affascinante orizzonte nel background. In ogni opera si apre uno spazio che continua oltre il limite del quadro, è sempre uno spazio infinito da cui risalta ancora di più l’importanza della figura umana e del suo “smarrimento-ritrovamento”.
Il titolo IL COLORE DEL TEMPO è suggestivo e apre al nostro pensiero innumerevoli possibilità di sviluppo. Il tempo nelle opere di Mario Sughi è anche dato dal colore, da sfumature e velature in eleganti e suggestivi accostamenti. A volte è un colore pastello, a volte è un colore più forte. E’ il colore del nostro tempo.

Mario Sughi, nato a Cesena nel 1961, vive e lavora a Dublino. Presentato in diverse gallerie di tutto il mondo: da Los Angeles a New York, da Roma a Milano, da Bruxelles a Berlino, i suoi lavori hanno disegnato le illustrazioni di innumerevoli riviste e siti web includendo Mario Sughi tra i 200 migliori illustratori mondiali. Nel 2011 è stato protagonista alla 54maBiennale di Venezia nel progetto “The Italian Pavilion in the Word ”presso l’istituto italiano di Cultura a Dublino ed è stato selezionato in prestigiose rassegne internazionali tra cui l’” Annual American Illustrators”, l’ “Aesthetica Magazine - Creative Works” di Londra e “200 Best Illustrators worldwide 2009/2010”

MOSTRA: IL COLORE DEL TEMPO

DESCRIZIONE:  personale di Mario Sughi aka nerosunero

INAUGURAZIONE:  Giovedì 9 maggio, ore 18.30, presso la galleria Yvonneartecontemporanea

PERIODO:  9 – 31 maggio 2013
SEDE:  YvonneArtecontemporanea
Contrada Porti, 21 – 36100 Vicenza
Tel. 393 9060790 email: info@yvonneartecontemporanea.com
www.yvonneartecontemporanea.com
ORARI: Martedì-Sabato 15.30/19.30 o su appuntamento

IL CATALOGO edito da Vanilla Edizioni verrà presentato al FINISSAGE

INGRESSO LIBERO

In coerenza con la tradizione e la denominazione dello spazio espositivo saranno presentati dodici lavori di formato medio-piccolo.

Le raffigurazioni sono il tramite visivo per esprimere stati d’animo e per indagare aspetti psicologici di interiorità ed esteriorità.

Piazza innesca un cortocircuito tra elementi naturali che irrompono negli interni domestici ed oggetti della quotidianità che si trovano inseriti nel paesaggio, si determina così un doppio effetto di straniamento che coinvolgere e trasporta l’osservatore in un mondo immerso nel silenzio e in una dimensione d’incanto fiabesco che offre spunti di riflessione e di raccoglimento, evoca memorie e suscita emozioni.

La mostra si potrà visitare il Martedì, Giovedì, Sabato e Domenica dalle 18,00 alle 20,00, fino al 19 Giugno.

SPAZIO 12

Via Emanuele Calogero, 12 – 97013 Comiso (RG)

Tel. 0932 1912566

spaziododici@virgilio.it

https://sites.google.com/site/wwwspazio12it/home

L’esposizione, in programma fino al 5 giugno prossimo (dal martedì al sabato con orario 10.00-13.00 e 16.00- 20.00 e ingresso libero), rappresenta – attraverso una trentina di opere circa, tutte realizzate con tecniche diverse – un significativo excursus nella produzione di questo straordinario artista dal riconosciuto talento e ne racconta egregiamente la prorompente forza creativa.

Caratterizzato da una travolgente carica interiore e da un linguaggio pittorico forte, Renzo Verdone è dotato di una profonda curiosità intellettuale che trova sfogo nell’apertura verso linguaggi diversi e che gli consente di destreggiarsi abilmente sia con la tela e l’acquaforte che con il disegno, passione quest’ultima che non si interromperà neanche negli ultimi giorni di vita. Verdone matura la propria preparazione artistica a stretto contatto con i gruppi sperimentali delle Gewerbeschule di Berna e di Zurigo, che raggiunge dopo aver lasciato ancora giovanissimo l’Italia e con i quali compie accurati studi di ricerca figurativa, scultura e nudo. Rientrato in patria, consegue il diploma all’Accademia di Belle Arti di Roma e inizia un’intensa attività artistica, frequentando l’ambiente culturale della Capitale. Dal 1971, anno della sua prima personale, sono molteplici le esposizioni alle quali prende parte, così come i riconoscimenti che gli vengono attribuiti (tra cui anche la Medaglia d’oro del Presidente della Camera dei Deputati e il Trofeo C.I.S.A.C.) e che testimoniano la validità e il continuo rinnovarsi dell’uomo e dell’artista. Scompare a Roma nel 2011. Quella di Renzo Verdone è una pittura colta rigorosamente figurativa, seppur con richiami ad altre istanze rappresentative, fra cui quella simbolista, un’arte capace di investigare nell’oscurità del sogno e nei territori dell’inconscio, “una pittura che” - come scrive Barbara Scaramucci – “scava nell’animo, che ci colpisce per la sua intensità (…)”.

In mostra nell’esposizione organizzata da Il Mondo dell’Arte soprattutto oli su tela e tempera, di dimensioni diverse, ma anche disegni e acqueforti, tutti lavori nei quali è evidente la capacità con cui Verdone padroneggia la tecnica e il segno, che si mostrano sempre solide e raffinate, ed è forte la profonda testimonianza della ricerca grafica e pittorica alla quale l’artista si dedica continuamente. La violenza dei chiaroscuri, nitidi e sicuri, la forza penetrante e l’anatomia dei soggetti ritratti ricordano i drammatici nudi rappresentati da grandi Maestri del passato, Masaccio e Mantegna in special modo. Ma nella mostra in programma a Palazzo Margutta così come nell’arte di questo Maestro introverso, pensatore e poeta al tempo stesso, lo spettatore ritroverà anche altri temi pittorici della classicità – l’Eros sensuale, il presentimento del dolore, della morte, di Dio – e ancora forti sentimenti contrastanti che vanno dalla positività, rappresentata dalla bellezza dell’essere umano, alla negatività, raccontata attraverso l’angoscia e la solitudine che spesso dominano questa epoca di freddezza, di indifferenza e quindi di amarezza.

L’appuntamento per ilvernissage è fissato per sabato 25 maggio 2013 dalle 18.30 alle 22.00. La serata si concluderà con la lettura di brani e poesie d’amore, firmate da grandi autori e dal Maestro Verdone, e da una performance musicale di chitarra e violino, omaggio di amici e colleghi all’artista.

Di lui hanno detto: “La pittura di Renzo Verdone si collega alla tradizione del «bello estetico» di ordine classicistico, avendo l’artista espresso la convinzione che il suo “saper fare” non va slegato dal rigore, che si è andato perdendo, delle tecniche del passato e dai linguaggi che si sono succeduti nel tempo. E questo perché il rispetto della tradizione per Verdone passa attraverso la rivitalizzazione non solo delle forme acquisite dalla storia dell’arte, ma anche dell’immaginario collettivo moderno che le ha aperte al movimento, all’infinità spaziale e luminosa, secondo quei linguaggi che hanno accompagnato gli artisti nel cammino verso il continuo presente. AI contrario degli anacronisti bloccati alla ricerca della «cosa in sé» fuori del tempo, Renzo Verdone ha invece affrontato il percorso linguistico dei tempi, portando le sue forme – come è stato detto per quelle dei neo manieristi – ad «essere assolutamente moderne a costo di sacrificare qualunque modernismo». Il sacrificio riguarda le tipologie nominali del futurismo, surrealismo e astrattismo, ma non l’idea del movimento plurispaziale, le campiture bidimensionali e astratte, gli automatismi in grado di liberare le ossessioni inconsce, mitigando il bello platoniano ed estetizzante”. (Luigi Tallarico)

“La vicenda dell’uomo con la sua forza interiore e la sua esistenziale realtà è cosa che subito si avverte nei saldi dipinti dell’artista. Dove l’umana presenza è sentita in aspetti di poderosa strutturazione morfologica, di vitale intensità e di travolgente carica interiore. Il suo perentorio impegno è teso a far si che i sentimenti che animano le sue opere, l’impulso emotivo che per intero le permea e quella viva, ardente volontà non abbiano a spegnersi. Così per la spirituale tensione che alimenta codesto esasperato volere e per la cruda verità che affronta, le figure, i nudi di Verdone paiono intagliati nella scabra durezza della selce sino ad immobilizzarsi nella ferma monumentalità del simbolo. E ad un tempo, il colore carnale di quelle forme pare dare vibrazioni d’esistenza e palpiti di vita. Nei temi trattati è facile cogliere richiami di classica ascendenza da cui derivano lo stile dell’artista ed un gusto che quella nobiltà rinnova ed avvia nei modi della “Nuova Figurazione”. (Vittorio Scorza)

”Dolore, morte, Dio (o verità che è identica cosa), ansia nella conduzione della ricerca: questi i temi, gli stati d’animo di una pittura peraltro molto bella. Immerso nel magma spesso inconoscibile dell’esistenza, vuole indagare le forme, le fasi evolutive, i possibili accadimenti, le eventualità di soluzione. E’ tutto un fluire di pensieri. Un discorso aperto insomma, in cui tutto è dialettica; tutto è ricerca, tutto è sempre, e comunque, da dire. Questa del resto la vera forma di un artista: ricercare. In divenire quest’opera. Il risultato di grande, eccellente maturità della forma, si imbatte nell’indagine di fondo, quella umana in fase evolutiva con tutte le sue anfrattuosità e discrepanze. Un divenire che ha dei punti di forza notevolissimi (le situazioni colte), concentrati appunto in una robusta tecnica pittorica con soluzioni figurali molto ben risolte, tutte d’estrema efficacia rappresentativa, dalla cromia illividita, la figura asciutta. Aspetti di un discorso in ansiosa attesa di una possibile, virtuale soluzione al quesito. La forma ne sorte stravolta. La forma è un modulo, un archetipo; sempre identica a sé, diviene quasi oggetto, anche se carico di dolenza. Varia la composizione e la positura dell’immagine, varia il titolo, il senso, ma la figura permane quale immutabile simbolo. (…). Moduli e segni dunque, unicamente di Verdone, per esemplare una tesi, esporre un dilemma, significare uno status o condizione umana in profondità indagata. Interessante ricerca e sensibilissima. Notevole l’impostazione del quadro nella suddivisione a scomparti, a spazi geometricamente definiti con la figura inserita in una scansione precisa. Rigorosità di impaginazione ed indiscussa qualità pittorica. Un quadro che è sintesi di forma e compendio di pensieri; un’immagine che ferma l’avvenimento, il fatto, offrendone nel contempo la verifica. E’ inquietudine vibratile, ansiosa”. (Clotilde Paternostro)

“La ricerca pittorica e grafica di Renzo Verdone è questa ostinata irriducibile sfida all’impossibilità di dare alle immagini, soprattutto della memoria, una dimensione di assoluta soggettività, quasi che ciò consentisse di superare l’oscura barriera della morte, questa presenza che scava il segno e gli dà una strana, fredda luce.  (…). Così Verdone, in questa sua impeccabile precisione, ornata da visioni e presentimenti, semplifica soprattutto nei disegni ultimi la realtà della sua pittura, si emancipa dal simbolismo che impediva l’affondo nelle dimensioni dell’inconscio e tratteneva una più compiuta coscienza delle motivazioni sotterranee e trova forza in questo silenzioso dialogo con una situazione interiore che il segno e la pittura devono trasformare in immagini. Immagini, cioè immediate, precise, nitide da comunicare il significato di questa lotta al limite col nulla sino a mettere allo scoperto una autentica possibilità. Che non sia soltanto ritornante illusione, nelle oscure tensioni dei nervi, nelle febbri che gonfiano il sangue, nel sogno che annulla i confini di una falsa realtà, nel gesto, in questo abbraccio che il tempo inghiotte ma che il nulla rende assoluto, in quel tratto che scompare, che non è più raggiungibile e rende insormontabile la distanza tra le labbra protese nel bacio, tra i volti e la mano isolati, gli uni e l’altra da questo tratteggio fittissimo che si chiude in ombra divorante di tutto ciò che non è volto o mano. E nel vuoto che non consente di ritrovare il corpo, in questa vastità di assoluta e glaciale solitudine, il mistero di questo desiderio, di questo amore che ha dato inizio al gesto poi interrotto e che oltre il tempo sarà possibile ritrovare realizzato.(…). Basta un punto a fermare l’inesorabile trionfo della morte e segnare l’apparizione dell’essere. E’ un modo questo di tradurre il simbolismo nel problema che cercava di risolvere, di ritrovare la dimensione non decadente del senso della morte, di compiere il passo verso la vita, mediante il quale la pittura trova una sua funzione; una sua attualità, una sua realtà in questa consumazione di noi nei giorni che vengono”. (Elio Mercuri)

Galleria Il Mondo dell’Arte “Palazzo Margutta” (www.ilmondodellarte.com) – Via Margutta, 55 Roma

Mostra personale: “Parole Poesie Musica”. Mostra antologica di Renzo Verdone

Vernissage cocktailsabato 25 maggio 2013, ore 18.30 – 22.00.

La mostra si protrarrà fino al 5 giugno: dal martedì alla domenica dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00 (chiuso lunedì mattina).

Sarete accolti da una cornice verdeggiante in cui i Maestri del Riciclo coloreranno lo sfondo con le loro eco-creazioni, dall’abbigliamento agli accessori, dall’arredo ai prodotti naturali.

Grazie alla collaborazione con l’ass.ne Palomart, promotrice del “PROGETTO RICICLIAMO-CI”, allestiremo un’ ISOLA ECOLOGICA che ci permetterà di gestire la produzione dei rifiuti durante l’evento.

Localizzeremo diversi contenitori destinati alla raccolta di materiali riciclabili e recuperabili (carta, plastica, vetro, ecc), per ognuno dei quali illustreremo il ciclo di vita/smaltimento e le diverse possibilità di riutilizzo.

Speriamo in tal modo di innescare un processo di “scoperta”, primo passo necessario per intraprendere un percorso di radicale cambiamento; un percorso che, se intrapreso con consapevolezza, non può che essere pensato come una vera e propria “rivoluzione ecologica”.

Con il Mercato del Baratto di Yard Market invece potrete liberarvi di tutto ciò che per voi è superfluo scambiandolo con qualcosa di ‘’nuovo’’ favorendo l’incremento di un circuito che preveda il passaggio di quegli oggetti che hanno esaurito il loro livello di utilizzo per una persona ma essendo ancora in buone condizioni possono essere utili per qualcun altro.

Nel frattempo REUSE RECYCLE REINVENT trasformerà un semplice ed ingombrante  bancale in elementi di arredo dal gusto rustico e l’ ERBORISTERIA Eco Natura Bio dispenserà saggi consigli sulla preparazione di composti naturali e sull’utilizzo dei Fiori di Bach.

E con il Laboratorio di Riciclo Creativo del LABORATORIO DI GIÒ i nostri piccoli ospiti potranno realizzare una borsetta o un marsupio.

Portate con voi delle t-shirt che non usate più… e dategli nuova vita.

L’ immancabile Riffa premierà chi acquista dai produttori locali con l’estrazione di tre borse IRNE MUSICBAG.

E l’estate non è tale senza i gelati!!

E la GELATERIA Splash ne proporrà di tutti i gusti!!

- OFFICIAL EVENT: www.facebook.com/events/538964309501114

Info:

www.facebook.com/EcoLogicMarket.info

www.factorybrancaleone.com

ecologicmarket.info@gmail.com

cel. +39 348.171 0935

IN PROGRAMMA

- dalle 17 –  i MAESTRI DEL RICICLO E RIUTILIZZO e le loro proposte tra Accessori,

Abbigliamento, Arredo, Prodotti Naturali creati con materiale recuperato, selezionato e rivalutato!

www.facebook.com/EcoLogicMarket.info

- dalle 17 – MERCATO DEL BARATTO, con YARD MARKET

facebook.com/HYARBOR

- dalle 17 alle 19 – LABORATORIO DI RICICLO per i piccoli ospiti,

con Il LABORATORIO DI GIÒ

(è gradita la prenotazione: Lab.gioeflo@yahoo.it; sottoscrizione libera)

- dalle 17 – ‘’COME TI CAMBIO I PALLET’’, dimostrazione di REUSE RECYCLE REINVENT, con Riccardo Carta

facebook.com/Reuse-Recycle-Reinvent

- dalle 17 – CONSULENZE ERBORISTICHE con ECO NATURA E BIO

facebook.com/Eco-Natura-Bio

- dalle 17 – gelateria SPLASH – scelta fra 5 gusti – coppetta da 2 euro

facebook.com/Gelateria-Splash

- dalle 18,30 – Aperitivo

- fine serata – Riffa: estrazioni di tre (3) borse Irne Music Bag

Mario Converio scopre l’amore per la scultura sin da giovane e frequenta dei corsi per imparare le diverse tecniche artistiche. Si forma grazie all’esperienza, imparando a plasmare l’argilla e la sabbia, a scolpire la pietra e il legno e a lavorare il vetro. Ma, nel tempo, preferisce il ferro e l’acciaio. Espone le sue opere in numerose mostre personali (Italia, Svizzera) e collettive (Austria, Germania e Italia). Fra le più recenti citiamo ViArt (Vicenza) nel 2011, “Biennale der Schmiede” a Kolbermoor (Baviera, Germania) nel 2012. Partecipa inoltre a vari campionati nazionali ed internazionali (Svezia, Repubblica Ceca e Germania) classificandosi fra i primi posti e ricevendo menzioni speciali per la bellezza delle sculture presentate.

In occasione di questa mostra personale presso la galleria Il Melone saranno esposte le opere più recenti realizzate dallo scultore vicentino, alcune delle quali hanno ricevuto riconoscimenti internazionali. Si tratta di lavori di piccole e grandi dimensioni, realizzati usando come materiali, oltre al ferro, il rame e la pietra.

Corpus non Animum Confligetis
Che, per chi non ricorda o non conosce il latino, significa
Colpirete il corpo, non le idee.
…
Costruirsi in testa una fortezza inespugnabile ma con tante finestre: per avere luce dentro e poter guardare fuori.

Un’arte che, come quella di Chagall, è fatta di tratti semplici che ci fanno rivivere lo stupore che da bambini provavamo davanti al Mondo e arricchiscono la Realtà con la poesia del Sogno, distillando la parte migliore di noi.
Un’arte in cui il paradosso non svolge il ruolo di maestro di sospetto, ma di fiaccola di libertà, capace di insegnarci a guardare il quotidiano sotto aspetti differenti, evidenziando gli infiniti, fantastici universi nascosti dietro il Banale che, per pigrizia o abitudine, preferiamo ignorare.

Biografia
Stella “littlepoints…” Venturo è nata a Roma nel 1981. Dopo essersi diplomata alla Scuola Internazionale di Comics come illustratrice, si appassiona alla pittura acrilica su legno, senza però escludere lavori in digitale, tele, incisioni su linoleum, inchiostri e acquarelli, carte di ogni genere… mescola insomma molte tecniche perché ci si diverte e proprio non le viene di escludere niente.
Tutte queste cose le fa nella sua casa a Genova dove vive da quasi un anno.
Littlepoints… (si scrive tutto attaccato e con i puntini) ha tre piccoli punti sotto l’occhio che si disegna tutti i giorni. Non li tatua, le piacciono così.
Esposizioni: Burp (Itri), EcletticaFestival2009 (Roma), Artmonaco2010, Hula-Hoop Club (Roma), GalleriaStudio44 (Genova).
24/05/2013 ore 19.30
ad aprire la serata: DDR dj davide roma live set
mostra a cura di Togaci & Alessio Brugnoli

L’odore pungente della segatura sul pavimento o dello zucchero tostato. Le scimmiette ammaestrate vestite a festa. Le roulotte, le funi, le gabbie, la polvere.
Tra i ricordi d’infanzia dai caratteri distorti e frammentari, il circo è l’ambiguo archetipo della messa in scena, un’eterna sfida alla forza di gravità e ad ogni legge della natura in cui l’illusione e l’abilità giocano da comprimari.
Una sfida in cui l’uomo è un dio a metà, capace di volare su una corda o ammansire una belva feroce. Sino alla caduta, sino a testare l’imprevisto. Sia chiaro, non è poi così importante che ciò accada davvero, ma è importante che questa tensione sia rappresentata, trasmessa in modo da apparire possibile.
Le pratiche circensi, in questa continua tensione oltre i limiti fisici, sono un dispositivo capace di stupire secondo una prassi ben precisa, si tratta di uno stupore che in termini medici coincide con un indebolimento dell’attività psichica, una sorta di scintilla da cui parte ogni cosa, innescando riflessioni complesse da un arresto momentaneo.
Una prassi portata alle estreme conseguenze in America intorno al 1880, dall’imprenditore Phineas Taylor Barnum – probabilmente l’inventore del cosiddetto ‘show business’ – e dal suo ‘Ringling Bros. e Barnum & Bailey Circus’, ovvero il più grande circo del mondo nato dalla società col rivale James Anthony Bailey. Un’enorme struttura in cui trovarono lavoro oltre 1000 professionisti tra cui ‘freaks’ di ogni genere esibiti per solleticare la morbosità del pubblico.
La notorietà dell’imprenditore è legata indissolubilmente ad un fenomeno che prese il nome di “effetto Barnum” ovvero il principio – testato nel 1948 dallo psicologo Bertram R. Forer – secondo cui le persone tendono ad accettare un’idea, una proposta, un’illusione con l’unico scopo di soddisfare le aspettative.
Nel 1835, per esempio, Barnum riuscì a spacciare un’anonima ottantenne afro-americana come la vera nutrice di George Washington dell’età dichiarata di 161 anni. Così il ‘Gigante Cardiff’ – un uomo pietrificato altro 3 metri rinvenuto a New York – altro non era che una bufala capace di attirare un gran numero di spettatori, a tal punto che lo stesso Barnum, non riuscendo ad acquistarne i diritti, decise di realizzarne una copia in gesso da spacciare come ‘il vero Gigante Cardiff’, riscuotendo ovviamente un enorme successo.
Lungo il corso dell’800, sulla base di tali inverosimili successi, diversi pensatori statunitensi si interrogarono sugli incidenti psicologici capaci di giustificare un tale livello di credulità, il logico Charles S. Peirce sostennne che, per sottrarsi all’’irritazione del dubbio’, l’obiettivo dell’essere umano fosse il raggiungimento di uno stato soddisfacente di credenza, o lo psicologo William James parlò analogamente di ‘volontà di credere’, anche eventualmente contro certe evidenze.

‘Qualcuno non sia solo’ è un’attenta disamina in forma di gruppo scultoreo di un complicato congegno in cui le finzioni, anche le più grottesche, rivelano una sorprendente capacità di accreditarsi come vere presso la nostra coscienza. Un sistema di relazioni in cui ogni elemento è funzionale alla verosimiglianza della farsa, dando vita così ad una vera e propria mitologia popolata da mostri, eroi, animali leggendari, uomini in grado di volare o esseri dalla forza sovrumana.

Personale di Franca Cannizzaro

Dal 21 al 31 Maggio 2013

Vernissage Venerdì 24 Maggio alle ore 17

Nella ricerca artistica di Franca Cannizzaro emerge un grande amore per l’universo, sorretto da una profonda esigenza di raccontare e raccontarsi. La comunicazione visiva è alla base della dimensione artistica dell’autrice, di origini calabresi ma svizzera di adozione.

Sentimenti di meraviglia e stupore affiorano dalla visione delle sue opere, che esprimono l’emozione pura della pittura. Mediante un grafismo dinamico e la rappresentazione figurativa, Franca Cannizzaro (in foto) riesce ad interpretare la musica poetica dell’infinito con straordinaria introspezione. Il viaggio interiore comincia nell’ascolto di se stessa e nella reiterazione di relazioni con tutto ciò che la circonda fino alla massima gloria della luce.

E’ proprio l’apoteosi della luce a conferire significazioni spirituali ed esistenziali, che rivendicano la libertà d’espressione e una poliedrica inclinazione alle arti: dalla scrittura alla musica fino alla pittura e alla creazione artistica. Sembra come se l’artista avesse maturato un linguaggio contrassegnato da un particolare eclettismo per trasmettere il suo complesso mondo interiore.

(A cura di Sabrina Falzone)

Info:

e-mail: franca.cannizzaro@bluewin.ch

Galleria Spazio Museale: Via Giorgio Pallavicino 29

20145 Milano – Italy

Orari di apertura: mart-ven h.16-19; sabato h.10-12

Chiuso lunedì e festivi

Ingresso gratuito

www.galleriasabrinafalzone.com

Il capitano del Palermo e la galleria d’arte contemporanea di Lecce insieme sotto un’unica bandiera, quella dell’eccezionalità e della solidarietà.

Palermo, 23 maggio 2013 – Tutto pronto per una nuova e importante iniziativa nel percorso di E-lite studiogallery, la galleria d’arte contemporanea di Lecce che ha da poco compiuto il suo primo anno d’attività. Giovedì 23 maggio, alle ore 19.30, la sede dell’Hotel Excelsior Hilton Palermo, nel cuore del centro cittadino, aprirà le sue porte a una serata di beneficenza organizzata dalla galleria leccese con un ‘padrino’ d’eccezione, il capitano del Palermo, Fabrizio Miccoli, promotore dell’iniziativa.

Dopo l’asta benefica dello scorso aprile a Lecce, l’arte contemporanea scende nuovamente in campo per i City Angels Italia Onlus www.cityangels.it, i volontari di strada d’emergenza, fondati a Milano nel ’94 da Mario Furlan, che tra le loro diverse attività offrono assistenza alle famiglie disagiate e servono quotidianamente pasti ad anziani e persone senza fissa dimora ed emarginate, e questa volta lo fa grazie alla solidarietà di otto tra i più promettenti artisti della scena contemporanea, gli otto protagonisti di “Coexist. Eight different kind of fantastic art”, il progetto curatoriale di Ivan Quaroni presentato dalla galleria lo scorso dicembre a Lecce.

In mostra, per l’occasione, le opere di Nicola Caredda, Anna Caruso, El Gato Chimney, Carlo Cofano, Jara Marzulli, Massimo Quarta, Tiziano Soro e Vania Elettra Tam avranno dei preziosi compagni, gli orologi Franck Muller di Limited Edition, concept store palermitano dedicato a oggetti rari e preziosi, che fa da prestigioso sponsor dell’evento insieme al marchio di abbigliamento Minimarket, innovativo concept che presenta collezioni esclusive e limitate prodotte dalla rivisitazione di capi vintage.

La mostra di beneficenza, il cui ricavato sarà devoluto in parte ai City Angels Italia Onlus e in parte a un progetto di residenza per giovani artisti, è un’ulteriore conferma della mission intorno a cui la gallerista Claudia Pellegrino ha costruito il progetto di E-lite studiogallery: puntare a fare della creatività artistica un “luogo” di condivisione, un’esperienza unica e straordinaria e, al tempo stesso, uno strumento di sensibilizzazione delle coscienze e promozione di sinergie finalizzate alla valorizzazione dell’arte, della cultura e della crescita sociale.

SCHEDA TECNICA

Mostra benefica d’arte contemporanea: Coexist. Eight different kind of fantastic art

Artisti: Nicola Caredda, Anna Caruso, El Gato Chimney, Carlo Cofano, Jara Marzulli, Massimo Quarta, Tiziano Soro e Vania Elettra Tam

A cura di: Ivan Quaroni

Data: giovedì 23 maggio 2013 ore 19.30

Luogo: Hotel Excelsior Hilton Palermo

Via Marchese Ugo, 3 | 90141 Palermo

Contatti: tel. +39 91 7909001 | mail: res.excelsiorpalermo@hilton.com

www.excelsior-palermo.com

Organizzazione: E-lite studiogallery | Corte San Blasio 1c | 73100 Lecce

Contatti: Claudia Pellegrino | mobile: +39 338_1674879

Mail. info@elitestudiogallery.com | www.elitestudiogallery.com

Promotore e padrino dell’iniziativa: Fabrizio Miccoli

Relazioni esterne: Manrico Miglietta e Federico Miccoli

Marketing e comunicazione: Flavia Lanza e Federico Sciurti

Progetto grafico: iNOVA media – agenzia di comunicazione multimediale www.inovamedia.it

Sponsor:

Limited Edition

Via della Libertà, 18 | 90141 Palermo

Contatti: tel. +39 091_323024 | mail: info@limitedition01.com

www.limitedition01.com

Minimarket

Sede Operativa: Via dell’economia, 5 | 47848 Riccione (RN)

Contatti: mobile +39 345_6727090 | mail: minimarketcrew@gmail.com

Ufficio stampa: FLPress

Contatti: Flavia Lanza | mail: flpressartnews@gmail.com | mobile: +39 340_9245760

“Si tratta di un momento molto importante” ha dichiarato Ruggero Ferreri, Presidente di P.M.1 Cooperativa Sociale Onlus. “Riuscire a mettere in rete tre assessorati apparentemente diversi, come sociale, scuola e ambiente è già di per sé un evento. Farli comunicare con la parte sociale del Territorio è ancora più importante. Martedì verrà messa nero su bianco questa intesa che si sta già concretizzando nelle azioni dei percorsi di educazione ambientale presso la scuola Pirotta, e nei laboratori di web radio e progettazione partecipata presso l’Istituto di via dei Sesami”. La firma del protocollo è anche una garanzia che i “Percorsi di… animazione sociale, culturale ed educazione ambientale” continueranno anche nei prossimi anni. “Questa meta è già una soddisfazione” commenta Ferreri. “Ma è qualcosa che sarebbe un peccato disperdere. Visto che i tre assessorati mettono la firma su questo documento significa che hanno intenzione di far proseguire queste esperienza. La giornata di martedì deve essere il punto di partenza”.

Martedì 21 maggio ci sarà il momento finale, per quanto riguarda quest’anno, del lavoro della rete che si è costituita intorno al Parco di Via delle Palme. Cittadinanza Solidale ha costruito e consolidato una rete tra le varie realtà che ha portato alla nascita di questo progetto. L’orto al Parco di Via delle Palme è stato realizzato da tre classi della scuola elementare  Pirotta e si sta lavorando alla costituzione di un gruppo di genitori attivi che prendano in considerazione l’idea di mantenere questo spazio anche per il periodo estivo. Accanto al lavoro sull’orto, grazie a Groucho Teatro è stato realizzato un lavoro di drammatizzazione sul ciclo della natura e delle stagioni, che si concretizzerà in un piccolo spettacolo dei bambini il pomeriggio del 21 maggio. “Si è scelto di fare questo lavoro per permettere alla scuola di avere un’attività teatrale e legata all’agricoltura, sia per favorire dei momenti che potessero stimolare dei processi creativi nei bambini” spiega Silvia Natali, del Progetto Cittadinanza Solidale. L’ultima fase del progetto prevede anche la costruzione di una compostiera vicino all’orto. “La continuità tra gli aspetti di drammatizzazione e i laboratori sull’ambiente è stata quella di favorire dei processi di partecipazione e di relazione tra l’ambiente, la scuola e il territorio” aggiunge Silvia Natali.

La rete che si è costituita attorno al Parco di via delle Palme è uno dei risultati più interessanti del progetto. “È un’esperienza rara: è il Territorio che non aspetta indicazioni dell’ente pubblico, ma si muove insieme al Municipio, crea e fa la differenza” spiega Ruggero Ferreri. “Stiamo lavorando sulla costruzione delle competenze” commenta Silvia Natali. “Questa prima sperimentazione di ha permesso di capire come ognuno possa sviluppare la propria parte progettuale all’interno dell’iniziativa. Questa prima parte ha interessato anche l’organizzazione di un lavoro con le famiglie che dovrà avere maggiore forza e maggiore contenuto a partire da settembre”.

Cittadinanza Solidale è un progetto di P.M. 1 Cooperativa Sociale Onlus con il patrocinio del Municipio Roma V (ex VI-VII), che ha l’obiettivo di migliorare la qualità della vita, favorire la coesione sociale e lo scambio culturale nel territorio del municipio. È un progetto che vuole dare forza alle idee  e alle abilità di tutti i cittadini, italiani e stranieri, e metterle a disposizione della collettività per migliorare la qualità dello spazio pubblico, restituendo ai luoghi la loro funzione di incontro e scambio.

www.cittadinanzasolidale.it

Lo spettacolo che ha previsto il govero Letta con 10 mesi d’anticipo.

Cronaca di una crisi annunciata è un concerto, un live-set per voce, piano, chitarra, batteria e vibrafono. È una cronistoria appassionata dello sviluppo del pensiero economico liberista e delle sue principali manifestazioni dagli anni Sessanta fino all’Europa di domani.

Nel constatare attraverso gli ultimi accadimenti politici, dalla caduta del governo Berlusconi ad oggi, che ogni cosa fatta è stata presentata come necessaria ed inevitabile abbiamo fatto alcune ricerche che permettessero di verificare se non ci fosse realmente un’altra via percorribile. Questo spettacolo è frutto di quelle ricerche.

Riteniamo che le variabili in campo siano notevolmente superiori rispetto a quelle descritte quotidianamente dai mezzi d’informazione, ma soprattutto che le ipotesi di futuro siano infinitamente divergenti. Ciò di cui parliamo non è certo qualcosa di segreto o frutto di rivelazioni sconvolgenti ma semplicemente di fatti che sono ampiamente trascurati da gran parte dell’informazione.

Sul tavolo c’è il futuro dell’Italia e dell’Europa tutta, un’Europa che era un modello di welfare e di cultura, un’esempio di integrazione e tolleranza, un sogno di democrazia e non certo una moneta!

CRONACA DI UNA CRISI ANNUNCIATA

Testo e regia Tiziano Turci

Aiuto regia Rossella Teramano

Con:

Rossella Teramano – voce

Stefano Maura – chitarre

Elia Moretti – vibrafono e batteria

Tiziano Turci – piano e voce

Scene: Matteo Di Genova

Luci: Domenico Capanna

Grafica e video: Tonino Augugliaro

Teatro Piccolo Eliseo Patroni Griffi

Via Nazionale, 183

Mercoledì 22 maggio 2013

ore 20.45

Biglietto intero 18.00 euro

Biglietto ridotto under 30: 13.00 euro

Biglietto a 10.00 stampando il coupon http://www.teatroeliseo.it/pdf/promo_cronaca_crisi_annunciata_w.pdf

www.teatroeliseo.it/

Spazio Ducrot
Via d’Ascanio, 8/9 Roma

mercoledì 12 giugno, ore 19:00
Inaugurazione della mostra e presentazione del libro “Breviario siciliano” (ed. Postcart)
Intervengono: Andrea Attardi, fotografo; Claudio Corrivetti, editore; Diego Mormorio, storico della fotografia

Spazio Ducrot prosegue la propria attività espositiva ispirata al mondo dei viaggi, con una personale del fotografo Andrea Attardi intitolata Breviario Siciliano, in programma dal 12 giugno al 7 settembre 2013.
La mostra, realizzata in collaborazione con s.t. foto libreria galleria, propone una selezione di immagini in bianco nero prodotte fra il 1984 e il 2009 e confluite poi nel volume omonimo, edito da Postcart nel 2012.
In mostra viene presentato un terzo delle più di sessanta foto che compongono il libro (insieme ai testi dello storico della fotografia Diego Mormorio e del critico d’arte Sergio Troisi): venti stampe, eseguite dal fotografo stesso.
Il termine breviario suggerisce l’idea del compendio, del sommario, ma anche del manuale, della guida, capace di indirizzarci e istruirci. Ed è proprio attraverso la combinazione di questi due registri – la condensazione delle forme e l’ammaestramento dello sguardo, che si sviluppa il lavoro di Attardi.
Nell’arco di venticinque anni, il fotografo romano ha attraversato l’isola con uno spirito che non è quello del reporter, pronto a registrare gli urti della vita sociale, né quello del vedutista – desideroso di congelare lo spettacolo della natura e della storia; ma non è neppure quello dell’artista contemporaneo, interessato in primo luogo a mettere a fuoco il proprio linguaggio e la propria tecnica.
Attardi segue piuttosto le orme di quei maestri della fotografia del Novecento per i quali l’immagine è l’esito di un reciproco riconoscimento, metodico quanto fatale, fra la forma del reale e quello dello sguardo. Il viaggio è dunque scoperta, incontro, rivelazione di una trama inedita di corpi luci spazi; ma è anche occasione di verifica e affinamento delle risorse percettive e creative del viaggiatore-fotografo.
L’itinerario di Attardi tocca molte delle province e delle località più rinomate e battute dell’isola (Palermo, Agrigento, Catania, Ragusa Ibla, Enna, Caltanissetta, Siracusa, Messina, Trapani, Marsala, Noto, Piazza Armerina), ma anche piccoli centri meno noti. Nella maggior parte dei casi, ai nomi dei diversi luoghi citati nel Breviario, corrispondono delle immagini scarsamente identificative dell’individualità di quei luoghi stessi.
La mappa che ci propone il fotografo è piuttosto contrassegnata da una serie di visioni ricorrenti, di suggestioni reiterate: mezzi di locomozione desueti o marginali (cavalli, calessi, biciclette, vecchie automobili, slittini su ruote), piazze e strade semi-deserte, vetrine di negozi, oggetti fluttuanti o dimenticati. Altrettanto sospese appaiono le figure umane, mai in primo piano e colte per lo più di spalle, di profilo.
Nel presentare una precedente mostra di Attardi dedicata alla Sicilia, ha scritto Diego Mormorio: “Come s’addice ai veri fotografi, Andrea Attardi si muove come un raccoglitore di ombre – di voci originate nel farsi e disfarsi della luce: dell’impalpabile e della meraviglia originata dall’incontro della grandezza ribollente del Sole con l’impercettibile piccolezza di particelle di silicio e carbone che formano lo strato atmosferico che avvolge il nostro pianeta.
La bellezza della fotografia – e di tutta la nostra esperienza di umani – risiede infatti esattamente qui: nell’intreccio inestricabile di immensità e piccolezza, tanto che possiamo dire che non ci sono cose irrisorie, ma soltanto realtà sostanziali. Che niente di ciò che ci circonda ha poco valore. Ci sono semmai cose che ci toccano di più – che sentiamo più intime. Fra esse i paesaggi in cui siamo cresciuti.” [..] “Per molte di queste immagini, il fotografo ha lungamente atteso. Ha aspettato che la luce avesse una sua sostanza particolare, che, incontrando certi oggetti, diventasse forma. Segno inequivocabile della percezione dell’autore. La quale nel caso specifico di Attardi tende alla geometria e ai toni di contrasto alti – ai neri e ai bianchi intensi. Tanto che, ritornando a certe figure dell’immenso Platone, possiamo dire che, guardando certi mucchi di sale di queste fotografie, può sembrare che Attardi sia alla ricerca della bianchità.
Queste sue fotografie risultano di un’essenzialità straordinaria e di una capacità evocativa davvero rara. Di una leggerezza che – come nel caso dei raccoglitori di olive – diventa balletto, riportando alla mente una famosa frase di Paul Valery: L’instant engendre la forme, et la forme fait voir l’instant.”

In occasione dell’inaugurazione della mostra, mercoledì 12 giugno alle ore 19:00, Andrea Attardi, insieme a Diego Mormorio e all’editore Claudio Corrivetti, presenteranno il libro Breviario siciliano. Libreria del Viaggiatore – che gestisce un proprio corner all’interno dello Spazio Ducrot – e s.t. foto libreria galleria proporranno inoltre per questa serata una più ampia selezione di volumi nuovi e da collezione dedicati alla Sicilia. Sarà anche possibile scoprire il catalogo e le ultime novità di Postcart, la casa editrice romana specializzata in fotografia.

della Nascita di Francesco Pasinetti presentano:

Il Fondo Francesco Pasinetti dell’archivio Carlo Montanaro ovvero di alcuni archivi del Veneto.

Mediateca regionale di Villa Settembrini

Via Carducci, 32

Mercoledì 22 maggio alle ore 16.00 presso la Mediateca regionale di Villa Settembini verrà inaugurata una mostra dedicata a Francesco Pasinetti curata da Margherita Naim e Sara Zucchi e presentato un programma di incontri con alcuni tra i protagonisti del collezionismo veneto. Gian Piero Brunetta, docente e conservatore; Mario Trevisan, collezionista di fotografia d’artista; Gabriele Coassin, produttore, regista e divulgatore; Silvana Tamiozzo Goldmann, conservatore per il CisVe degli Archivi di pittori e scrittori.

Mercoledì 22 maggio alle ore 16.00 presso la Mediateca regionale di Villa Settembrini verrà inaugurata una mostra che rimarrà aperta fino al 20 giugno 2013 e sarà visitabile dal lunedì al venerdì dalle ore 9.00 alle ore 12.30 dedicata all’attività di Francesco Pasinetti curata da Margherita Naim e Sara Zucchi e sarà presentato un programma di incontri dedicati al collezionismo nel Veneto.

Con questa iniziativa si conclude il percorso di studio che la Regione del Veneto e il Comitato per le celebrazioni del centenario hanno voluto dedicare alla figura e all’opera di Francesco Pasinetti, uno dei personaggi più interessanti ed emblematiche della cultura veneziana ed italiana della prima metà del novecento.

Prendendo spunto dalle attività promosse dall’Archivio Carlo Montanaro, a cui la Regione del Veneto ha assegnato le Celebrazioni del centenario, quattro protagonisti del collezionismo veneto spiegheranno la loro esperienza e soprattutto le potenzialità future che la passione per la conservazione può riservare per i musei del domani.

Il programma degli incontri che ha ottenuto il patrocinio della Soprintendenza ai Beni Archivisti del Veneto è così articolato:

mercoledì 29 maggio, ore 16.00, Insegnare e collezionare cinema – Gian Piero Brunetta

mercoledì 5 maggio, ore 16.00, Collezionare fotografia – Mario Trevisan

mercoledì 12 giugno, ore 16.00, Realizzare, insegnare, collezionare televisione – Gabriele Coassin

mercoledì 19 giugno, ore 16.00 Ricercare e gestire le “carte del contemporaneo” – Silvana Tamiozzo Goldmann.

L’esposizione, dedicata a Loredana Balboni vedova Pasinetti recentemente scomparsa, è visitabile dal 22 maggio al 20 giugno 2013 dal lunedì al venerdì dalle ore 9.00 alle ore 12.30

il progetto di diffusione dell’iniziativa è curato da AD3 Comunicazione

WALK AROUND … AND LOOK ART!!!

a cura di Martina Corbetta.

In mostra le opere pittoriche di

LUCA CURIONI, MARCO MINOTTI e GIULIO ZANET

La mostra prosegue domenica 19 maggio 2013 nei seguenti orari:

10.00-13.00 e 15.00-19.00

Ingresso su invito

Nota di presentazione:

Walk around … and look art!!! è una mostra d’arte contemporanea che vede come protagonisti tre figure al maschile: Luca Curioni, Marco Minotti e Giulio Zanet. Sfondando lo spazio pittorico e affrontando diverse tematiche, gli artisti raggiungono uno stile capace di comunicare con l’occhio e con la mente dello spettatore.

Luca Curioni si affaccia al sistema dell’arte contemporanea scontrandosi in prima linea con se stesso. Curioni analizza intimamente il proprio io, quell’io capace, forse, di uscire solo perforando i suoi dipinti. Gioie e dolori sono trepidazioni forti, esasperate da un’emotività al limite del sensibile. Analisi attenta, all’incirca insostenibile, è il fulcro dell’arte di Curioni. Sono proprio le emozioni a dar vita ai quadri. Senza l’aggressione di queste forti suggestioni non ci sarebbe opera capace di vivere. Curioni considera fondamentale e sostanziale lo stimolo del pensiero, non dobbiamo star fermi ad aspettare, bensì dobbiamo provocarci riflessioni e considerazioni al fine di un approfondimento individuale pronto a scontrarsi con la massa. L’amore è un impulso di rilevante importanza per la sua pittura. L’artista definisce l’amore: due persone che nel buio si trovano e si fanno luce. Gioco di parole che sintetizza la paura di smarrimento in contrasto con la volontà di credere nella prossima speranza. Le opere di Curioni ci schiacciano, ci fermano, ci lasciano un punto interrogativo. Sarà nostra premura ascoltare le sue oppressioni e ossessioni, e riflettere sul vero senso di ogni cosa.

Marco Minotti orienta il suo interesse verso tematiche sociali. Il fatto del giorno, di oggi o di ieri, è la chiave di lettura per immagini superficialmente piacevoli. Ogni quadro cela un significato profondo di riflessione comune che, al pari di un’opera direttamente drammatica, ci lascia un palpito di dispiacere misto disillusione, ma il colore vivace ci permette di scegliere se fermare il nostro sguardo al piacere dell’opera o aprire i nostri sentimenti al senso più profondo del dipinto. Dualismo perfetto! Poetica pittorica in contrasto con la tecnica esecutiva. Esemplare rapporto che ci permette di sentirci liberi da ogni forzatura artistica. Si alternano figure umane, animali, fiori, tutti inseriti in uno spazio indefinito. Si susseguono immagini che dialogano tra di loro e con noi. È la nostra realtà!

Giulio Zanet si presenta con un lavoro dal tratto ben definito e sicuro. Linee rigide si accostano e s’intersecano, giocano in uno spazio irreale che ci propone coinvolgimento in una dimensione sconosciuta. Guardiamo solidi che fluttuano nell’aria, solidi sospesi e leggeri che si muovono e si fermano nel centro del quadro, dando rigore prospettico degno di un virtuosismo tecnico quattrocentesco. Piani verticali e piani orizzontali si affrontano e creando spazi illusori all’interno dei quali ci piacerebbe correre, camminare … e  fermarci a guardare da vicino queste forme tridimensionali in sospeso. Non vogliamo limitarci alla mera osservazione dei quadri, vogliamo entrare nel più profondo dell’opera per toccare con le nostre mani tutto ciò che nella nostra comune vita non possiamo fare.

… Walk around … and look art!

Martina Corbetta

Max Manfredi presenta le sue canzoni, racconti di mare, di viaggi, città e metropoli, storie d’amore e di disincanto, schiaffi e carezze, evocazioni di scene meridiane o crepuscolari con una formazione elettrica e classica, innamorata dei suoni degli anni Settanta e di strumenti tradizionali particolari come il gu-qin cinese, l’autoharp, il glockenspiel e la favolosa “scientifica” chitarra di cartone. Una ricchezza e originalità di timbri inusuale in un concerto di canzoni in trio. Canzoni intense, artigianali ed emozionanti. Max Manfredi, artista obliquo, giocoliere ed alchimista del dire cantando presenta le sue canzoni calibrate e vertiginose come una giostra di fine ottocento.

Ufficio Stampa Max Manfredi

Top1 Communication

segreteria@top1communication.eu

COMUNICATO STAMPA

Come le rotaie di un treno, i due artisti Sergio Angeli e Luca Loseto, pur nella loro diversità, seguono un percorso creativo parallelo.
I monocromi ed eleganti lavori di Angeli, eseguiti con smalti a spruzzo, sembrano non avere nulla in comune, se escludiamo l’uso delle vernici spray, con la coloratissima produzione di Loseto, ed invece sono la diversa interpretazione di una comune ricerca che prosegue in parallelo fino a quando, come lo scambio meccanico per i binari devia e fa intraprendere una nuova direzione al treno, così l’attimo dell’incontro e della contaminazione tra i due artisti diventa la fonte di una nuova produzione artistica.
Angeli usa non colori come il grigio – il bianco – il nero. Sul supporto di legno o similare, le tracce lasciate dalle varie componenti meccaniche che l’artista seleziona ed usa per creare suggestive composizioni, ad una prima lettura ricordano radiografie o topografie, per poi svelarsi: rondelle, ruote meccaniche, guarnizioni, strutture metalliche che persa la loro funzione originaria (morte della civiltà industriale) si prestano all’artista e danno vita alla sua ricerca, espressione in bianco e nero del mistero della vita e della morte.,
La produzione di Loseto è vibrante di colori squillanti. Le figure, quasi dei ritratti, ricordano i fumetti e prendono forma dall’uso sapiente delle bombolette spray, con sovrapposizione di colori che filtrati da garze di varia consistenza creano superfici articolate con screziature a volte occasionali, ma successivamente controllate e domate dall’artista.
L’ occhio dell’osservatore davanti alle sue opere viene catturato dal colore e la percezione del “noir”, in esse presente e mai secondario, è quasi sempre tardiva.
L’ultima produzione dei due artisti registra e testimonia la contaminazione: il colore entra nei lavori di Angeli con l’integrazione dei rossi e la trama delle garze sulle superfici colorate nei lavori di Loseto.
Vedremo come il percorso, tornato parallelo, continuerà.

Sabato 18 Maggio è la NOTTE DEI MUSEI .. ۩ ♫♪♪ ♪ ♫♪ ♪ ۩ ۩ .. durante la quale visite ai musei, alle mostre, l’invito a concerti ed eventi sono aperti al pubblico.

La notte dei musei, che si svolge in contemporanea su tutto il territorio europeo, si allunga nella serata primaverile dalle 20:00 fino alle 2:00 del mattino tra arte e musica, danza e teatro, proiezioni, letture e visite guidate in siti artistici e archeologici eccezionalmente aperti per celebrare una serata tutta dedicata alla cultura.

Fondamentalmente rimarranno aperti in forma gratuita i musei civici e statali, spazi privati, biblioteche comunali, accademie e istituzioni culturali straniere, istituti e case di cultura oltre a numerosi siti archeologici della città.

Sarà possibile visitare gratuitamente oltre 30 mostre ospitate dai musei interessati, ed assistere a concerti e iniziative in programma, per un totale di circa 200 eventi.

Questi alcuni dei musei protagonisti dell’iniziativa:

MUSEI CAPITOLINI, CENTRALE MONTEMARTINI, CHIOSTRO DEL BRAMANTE, COMPLESSO DEL VITTORIANO, GALLERIA BORGHESE, GALLERIA NAZIONALE D’ARTE MODERNA, MACRO, MAXXI, MERCATI DI TRAIANO, MUSEO DELL’ARA PACIS, MUSEO DI CASTEL SANT’ANGELO, MUSEO DI ROMA IN TRASTEVERE, MUSEO DI ROMA PALAZZO BRASCHI, MUSEO NAZIONALE ETRUSCO DI VILLA GIULIA, MUSEO NAZIONALE ROMANO IN PALAZZO ALTEMPS, MUSEI DI VILLA TORLONIA, PALAZZO BARBERINI, PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI, LA PELANDA, SCUDERIE DEL QUIRINALE, MUSEO CIVICO DI ZOOLOGIA, PLANETARIO E MUSEO ASTRONOMICO.

L’elenco completo degli eventi, le specifiche di orari (come l’ultimo orario d’ingresso stabilito differentemente da luogo a luogo), e degli interventi di artisti, attori e musicisti che animeranno la serata è consultabile sul sito www.museiincomuneroma.it .

La selezione da operare non è semplice. Vi è davvero l’imbarazzo della scelta.

Qui un piccolo anticipo (per l’elenco completo consultare sempre il sito, specialmente per i luoghi dove per le visite è richiesta la prenotazione affinché sia regolato l’afflusso):

L’Esedra del Marco Aurelio nei Musei Capitolini ospiterà l’originale omaggio ai Beatles del jazzista Antonello Salis con il concerto pianoforte e fisarmonica SULLA ROTTA LIVERPOOL-LONDRA-ROMA (21.30, 23.00, 24.00).

I Mercati di Traiano ospiteranno ACOUSTIC GENESIS by Francesco Gazzara (20.30, 22.00, 23.30), un piano recital che oltre a reinterpretare le leggendarie composizioni dei Genesis, propone anche i temi più ispirati dei progetti pianistici di Gazzarra, in un viaggio acustico tra atmosfere oniriche e cinematografiche.

Al Museo dell’Ara Pacis la serata sarà dedicata all’universo dei Pink Floyd con l’esibizione del supergruppo FLOYDIANA (Davide Pistoni – tastiere, voce; Luca Velletri – voce; Phill Salera – chitarre; Fabio Servilio – chitarre, voce; Eric Daniel – sax & flauto; Nicola Casali – basso; Francesco Isola – batteria; Katia Caposotto – voce) che eseguirà brani tratti da i più importanti album dei Pink Floyd (Auditorium 21.40, 23.20, 00.30), e con lo spettacolo di teatro-danza DARK SIDE BALLETT, della Compagnia Echoes, in occasione del 40° anniversario dall’uscita dell’album The dark side of the moon (retro Ara – 21.15, 22.45, 23.45). Con Elettra Carangio, Stefania Di Donato, Matteo D’Alessio, Erika Iannello, Giuliana Maglia, Anna Sciavilla, Francesca Scoccia.

Alla PELANDA si svolge il concerto del Coro Mavra, diretto dal M° Piero Gallo, e del Quintetto Ottonidautore: TRA STRAWINSKY E RAVEL, LE ORIGINI DEL ’900 MUSICALE (21.00, 23.00, 00.30).

Nello spazio esterno al Museo Carlo Bilotti si svolgerà alle 23.00 il concerto dei MARTA SUI TUBI.

Sarà di scena alla Casa dell’Architettura la cantante SYRIA (20.30, 22.00, 23.30) mentre alla Galleria Alberto Sordi avrà luogo il concerto in quartetto acustico di TERESA DE SIO (ore 23.00), per un viaggio tra i sentieri folk degli inizi e il crescente impegno autoriale. Con Teresa De Sio – voce, chitarra, lettura; HER – violino; Pasquale Angelini – cajon, percussioni; Sasà – flauto, chitarra acustica.

Al Centro Culturale Aldo Fabrizi si esibirà in set acustico TIROMANCINO alle ore 21.00. Federico Zampaglione, voce e chitarra classica, si presenta con una formazione speciale, ideata ad hoc per l’evento, con cui rivisiterà in chiave acustica il suo repertorio, proponendo a sorpresa anche alcune cover di successo. Sarà accompagnato da Stefano Cenci alle tastiere.

In collaborazione con l’Accademia Filarmonica Romana e con la Provincia di Roma avrà luogo a Palazzo Incontro (ore 20.30, 21.30, 22.30) lo spettacolo INCURSIONI MUSICALI, gruppo vincitore della Open Session 2012 dell’Accademia Filarmonica Romana. Musiche, canti e balli del meridione, con Mauro Bassano (organetto, chitarra battente, flauto di canna, zampogna, lira calabrese), Silvano Boschin (voce, chitarra, mandola, violino, lira calabrese), Gianni Berardi (tamburi a cornice).

Il MACRO in via Nizza accoglierà l’evento SYNESTHESIA, in cui ensemble musicale Entropia, composto da Dr. Lops e Amptek Alex Marenga, dal batterista statunitense John Arnold e dal sassofonista jazz Maurizio Giammarco, intreccia le proprie sonorità con i movimenti dei danzatori Valentina Buffone, Antonio Marino e Laura Fantuzzo, per un’esperienza sensoriale tra danza, musica elettronica, jazz e immagini digitali (ore 21.30).

Il Casino Nobile – Musei di Villa Torlonia ospiterà OGNI PAROLA È MUSICA tra poesia, favola, cinema e popolare (20.30, 21.30, 22.30), il progetto musicale di Pino Ingrosso, poliedrico artista salentino noto al grande pubblico anche per la sua ventennale collaborazione con Nicola Piovani.
Nel cortile interno del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia si svolgerà L’IMMAGINARIO SONORO DEGLI ETRUSCHI – CONCERTO TRA SPERIMENTAZIONE E ARCHEOLOGIA di Francesco Landucci, Marina Mulopulos e Matteo Scarpettini, con l’ausilio di strumenti musicali ricostruiti e autoprodotti e con l’interpretazione di musiche ispirate a quelle etrusche (ore 21.00).

Durante la Notte dei Musei spazio anche per la cultura contro l’usura in collaborazione con l’A.I.R.P. (Associazione Italiana Riabilitazione Protestati – Prevenzione Fallimenti ed Usura). Alla Casa del Cinema ore 10.00 verrà proiettato un cortometraggio dal titolo “Italo”, ispirato alla storia personale del presidente dell’AIRP Italo Santarelli.
Presso il Centro Culturale Elsa Morante ore 16.00 si terrà lo spettacolo teatrale dal titolo “Storie di usura, storie di vita” di Alessio di Cosimo.
Nel Cortile dell’Apollo Sosiano, in piazza Campitelli, alle ore 19.00 Wilma Goich terrà un concerto dal titolo “Donne contro l’usura”, ispirato alla sua esperienza di vittima dell’usura.

Alla Centrale Montemartini sarà di scena lo spettacolo teatrale CANTAMI O MUSA DI SATIRI E NINFE (21.00, 22.00, 23.00) con Edoardo Siravo, Stefania Barca, Gabriella Casali, mentre al Chiostro del Bramante prenderà il via il concerto-spettacolo CINEMAGIA dedicato al cinema degli ultimi trent’anni, con il pianista Riccardo Biseo e l’attrice Simona Patitucci (ore 20.30 e 22.00).
La Galleria d’Arte Moderna di Roma Capitale propone la piece teatrale BUSTI, MEZZI BUSTI E BELL’IMBUSTE, di e con Barbara Abbondanza e Lucia Ciardo, liberamente tratto da “Letture da treno” di Barbara Alberti (21.00, 22.30, 23.15).
L’epica classica dell’Eneide sarà protagonista al Teatro di Palazzo Altemps con lo spettacolo MEDITERRANEIDE, tra miti, storie, arte e musica. Con gli attori Elsa Agalbato e Marco Marelli e le musiche di Marco Melia (ore 21.00, 22.00, 23.00)

In piazza del Campidoglio sarà proiettato il film IL MARCHESE DEL GRILLO (ore 21.00). La Casa del Cinema partecipa all’evento con la proiezione del film THE DREAMERS di Bernardo Bertolucci (ore 21.30) e di DOPO MEZZANOTTE di Davide Ferrario (ore 24.00).
Il MAXXI – aperto gratuitamente dalle 20 alle 02.00 (ultimo ingresso ore 01.00) – propone al pubblico la possibilità di assistere alle ore 20.00 nell’Auditorium alla prima visione italiana del film MUSTER (RUSHES) dell’artista Clemens Von Wedemeyer. Seguirà conversazione dell’artista con Avery Gordon.
L’evento L’ANTICA ROMA AL CINEMA, presso il Museo Pietro Canonica (ore 21.00), offre un particolare omaggio ai film storico mitologici degli anni sessanta, con ricostruzioni storiche tutte realizzate a Roma, negli stabilimenti di Cinecittà, De Paolis e Elios. Sarà proiettato un estratto del documentario Gli uomini forti, prodotto dall’Istituto Luce, e ci sarà un talk show che vedrà coinvolto Mimmo Palmara (attore molto presente in quei film) e Steve Della Casa (conduttore del programma radiofonico Hollywood Party su Rai-Radiotre)
Al Fimstudio a Trastevere sarà possibile vedere gratuitamente: alle ore 20.00 POETI, film di Toni D’Angelo sui poeti a Roma, alle ore 21.20 VICINO AL COLOSSEO… C’E’ MONTI, il documentario di Mario Monicelli dedicato al rione Monti, alle ore 21.50 ROMA di Federico Fellini, alle ore 24.00 VACANZE ROMANE (Roman Holyday) di William Wyler.

In occasione della Notte dei Musei, la SAPIENZA UNIVERSITÀ DI ROMA aprirà al pubblico il suo Polo Museale. Sarà possibile visitare il Museo di Chimica, i Musei di Geologia, Mineralogia e Paleontologia, il Museo di Storia della Medicina, il Museo di Anatomia Comparata, il Museo delle Origini, il Museo delle antichità etrusche e italiche, il Museo laboratorio arte contemporanea, il Museo di Antropologia, e assistere agli eventi all’interno delle sale espositive.
Alle 21.00, in Aula Magna del Rettorato, si svolgerà il Concerto MuSa Classica con l’Opera da tre soldi di Bertolt Brecht e musiche di Kurt Weill. In scena i cori e l’Orchestra MuSaClassica, sotto l’esperta guida di Francesco Vizioli. Maestri del coro Paolo Camiz e Giorgio Monari.
Alle ore 20.30 e 21.45 avrà luogo invece alla Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini il Concerto MuSa Jazz dedicato al grande Alberto Sordi nel decennale della sua scomparsa. La big band “MuSa Jazz” diretta da Silverio Cortesi proporrà le colonne sonore dei suoi film più popolari.

Ancora una volta ATAC, in occasione de La Notte dei Musei, apre al pubblico il proprio Polo Museale, in zona Piramide, dalle ore 20 alle 2 (ultimo ingresso ore 01.00). I cittadini potranno, gratuitamente, visitare la rara collezione di locomotori e tram e assistere ai concerti “Viva Verdi” dell’Apeiron Sax Quartet, in ricordo del bicentenario della nascita di Giuseppe Verdi. Inoltre, il Tram jazz, lo storico tram Ottofinestrini (907), si fermerà a Porta San Paolo alle ore 23.45 proponendo un programma musicale ispirato al jazz anni ’20 e ’30. Il tram rimarrà quindi a disposizione per le visite dei cittadini. In collaborazione con Atac, l’Associazione Brecce per l’Arte Contemporanea e il GRAF – Gruppo Amici della Ferrovia.

Le BIBLIOTECHE DI ROMA prenderanno parte alla Notte dei Musei con letture, spettacoli teatrali ed eventi musicali presso le biblioteche Enzo Tortora, Goffredo Mameli, Rispoli, e Villa Leopardi, Romana Sarti.

Sarà eccezionalmente aperto al pubblico, dalle 20.00 alle 02.00 (ultimo ingresso ore 01.00), Palazzo Farnese, sede dell’Ambasciata di Francia in Italia. Si tratta di un’occasione da non perdere poiché il sito è raramente visitabile. Si potrà vedere tra l’altro la Galleria dei Carracci, la stanza dell’Ambasciatore (sala dei Fasti farnesiani) e il Salone d’Ercole.

Saranno aperti al pubblico dalle 20 alle 24 anche l’Istituto Cervantes di Roma, e l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici, dove è in corso la mostra Soulages XXI Secolo.
Dalle 20.00 alle 02.00 sarà aperta la Casa di Goethe, con la proiezione di video e film.

In collaborazione con l’Ambasciata Argentina si svolgerà il concerto ADRIÁN IAIES & HORACIO FUMERO presso il Salone d’Onore del Museo di Roma Palazzo Braschi. I due noti musicisti ripropongono in chiave jazz un repertorio di tanghi classici, di brani di Astor Piazzolla e di folklore rurale argentino (ore 21.30 e 23.00).

Nello spazio esterno al Museo Carlo Bilotti – Aranciera di Villa Borghese si svolgerà alle 21.00 il concerto del cantante pakistano SHEZAD ROY, a cura dell’Ambasciata del Pakistan.

Presso l’Istituto Giapponese di Cultura sarà proiettato alle 20.30 il film in costume (jidaigeki) “Quando cessa la pioggia” di Takashi Koizumi.
Il Reale Istituto Neerlandese ospiterà il concerto in due atti DIE WINTERREISE di Franz Schubert, eseguito dal tenore Heine Prins e dal pianista Marjo van den Doel (ore 20.00).

Il Gioco del Lotto offrirà al pubblico dei Musei Capitolini, del Museo dell’Ara Pacis, e del Museo dei Fori Imperiali nei Mercati di Traiano, mediatori storici dell’arte per rispondere alle domande sulle opere esposte.

Il Palazzo Senatorio sarà aperto, per inconsuete visite serali, dalle ore 20 alle ore 2 (ultimo ingresso ore 01.45). I visitatori potranno entrare in gruppi di 30 persone alla volta con un intervallo di 10-15 minuti con ultimo ingresso alle ore 1.45.

L’Associazione Culturale Eos propone visite didattiche aventi ad oggetto la lettura di cinque capolavori contenuti nella Pinacoteca dei Musei Capitolini, con prenotazione obbligatoria.

Nell’ambito del progetto DREAMLAND, in collaborazione con Coopculture, nelle sale di Palazzo Nuovo ai Musei Capitolini e nel Chiostro di Michelangelo alle Terme di Diocleziano, alcuni storici dell’arte guideranno percorsi tematici mentre giovani disegnatori creativi dello IED realizzeranno, in estemporanea, disegni “creativi” interpretando in chiave del tutto personale le opere incontrate lungo il percorso. Inoltre, nella sede del Museo Nazionale Romano in Palazzo Massimo le opere d’arte di epoca romana verranno reinterpretate tramite una performance che utilizza dieci dadi alti oltre un metro, realizzati in cartotecnica fiorentina e decorati su ogni faccia con gli elementi caratterizzanti le opere esposte. Gli attori, studenti dello IED, elaboreranno in estemporanea un’opera d’arte attraverso la casualità del gioco dei dadi. Al MAXXI, infine, cinque mediatori culturali orienteranno i visitatori all’interno delle sale e saranno a disposizione del pubblico per spiegare ed interpretare i contenuti delle esposizioni in corso.

In collaborazione con la Provincia di Roma, sarà possibile visitare su prenotazione le Domus Romane di Palazzo Valentini, un percorso nel sottosuolo del Palazzo tra i resti di domus patrizie di età imperiale.

Saranno straordinariamente aperti al pubblico, con visite didattiche, alcuni suggestivi siti archeologici di pertinenza della Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, come l’Insula Romana Sotto Palazzo Specchi, l’Insula dell’Ara Coeli, il Ludus Magnus, l’Ipogeo di via Livenza, e il Sepolcro degli Scipioni (in collaborazione con il Touring Club Italiano).

Nell’ambito dell’iniziativa APPIA SOTTO LE STELLE, in collaborazione con Coopculture, giovani archeologi offriranno al pubblico percorsi didattici notturni presso i monumentali resti del Mausoleo di Cecilia Metella e la chiesa di San Nicola.

Buon sabato e buonanotte.. dei MUSEI .. a tutti !

<<Ci tengo, ci tengo>>.

Recitava Flavio Bucci/Don Bastiano nel Marchese del Grillo di Mario Monicelli, offrendo del cibo al suo nobile ospite capitato in compagnia di un “franzoso” alla sua corte dei miracoli, nei pressi delle rovine della Chiesa diroccata (S. Bonaventura a Canale Monterano).

Ecco, io ci tengo, con la stessa spontaneità e semplicità – perché ad un viaggiatore si deve sempre offrire ospitalità – a scrivere di Franz Borghese, che spero apprezzerà questo mio divertente punto di partenza, romano ed allo stesso tempo napoleonico come piaceva a lui.

Giullare o impegnato?

Artefice di una incessante, ironica e continua risata graffiante, o visionario ed attento fotografo di vizi e grottesche abitudini del genere umano?

Nel rivedere oggi certi suoi quadri, il dubbio rimane, o meglio, il duale “scambio” d’identità del suo autore, giano bifronte. Borghese pittore, inventore, creatore d’immagini, trova dei complici, dei compagni di strada, anche nella musica di quegli anni, a cavallo tra gli anni ’70 ed ’80, quando tutto ebbe inizio, come Rino Gaetano e Franco Califano.

Rino Gaetano, quel cantautore che, allo stesso modo, muovendosi sul confine d’identità tra giullare ed impegnato, denudava con le sue parole ed i suoi suoni, ritmi, un’ Italia bigotta, ipocrita e corrotta.

Franco Califano, quelle architetture di Roma che fece sue, la “maestà di Roma” che seppe narrare, raccontare, cantare, in tutta la sua tragica bellezza decadente, di magnifica incompiuta – fermata, arrestata prima di raggiungere l’ “ideale.

Naturale così accompagnare alle immagini dei quadri di Franz Borghese – i suoi coniugi a passeggio, generali e signore, fumatori ed oracoli, girotondi e folle, lottatori e duelli – le parole di Rino Gaetano:

<<Abbasso e alè, abbasso e alè, abbasso e alè con le canzoni, senza fatti e soluzioni, la castità, la verginità, la sposa in bianco il maschio forte, i ministri puliti i buffoni di corte, ladri di polli, super pensioni, ladri di stato e stupratori, il grasso ventre dei commendatori, diete politicizzate, evasori legalizzati, auto blu, sangue blu, cieli blu, amore blu, rock and blues, NUNTEREGGAEPIU’

………… onorevole eccellenza cavaliere senatore, nobildonna eminenza monsignore, vossia cherie mon amour, NUNTEREGGAEPIU’…>>

Così come ritrovare la grottesca rappresentazione della società di Franz Borghese nelle amatissime poesie umoristiche e lievemente licenziose di Franco Califano.

Certo erano indipendenti. Franz Borghese era indipendente: questo era il suo grande potere e fascino.

Benpensanti, critica, nomenclatura, salotto buono?

Ma lui aveva la gente, parlava direttamente con semplicità e, diremmo oggi, il pubblico lo seguiva.

Aveva conquistato il suo spazio celebre, con qualcosa di sano, che nessuno gli poteva togliere: il lavoro. Come lavoro dipingeva, e con la pittura parlava con semplicità.La gente, il pubblico, lo capiva, comprava i suoi quadri, le sue opere, e così l’artista riuscì a svincolarsi dalle maglie dell’omologazione, del salotto e della terrazza, della corte e della casta, e si costruì il proprio spazio di libertà, la propria “isola delle rose”: piccola – racchiusa nello spazio di una tela che per confini ha solo un telaio – ma dove con le immagini poteva dire quel che voleva in una magia che poteva continuare; e continuò.

Non doveva un equilibrio precario, come lo avevano altri artisti, al favore di qualche potente, politico o ricco, che lo sosteneva, o finanziava. Lui veniva dal basso, e come tutte le cose che vengono dal basso, poggiava su solide basi. Non sarebbe mai volavo via, caduto come un castello di carte, per un mancato favore di un potente. L’ apprezzamento per la sua opera – dal linguaggio semplice, diretto e pungente – gli garantì libertà ed indipendenza.

E per questo alcuni gangli dell’arte – quella parte del sistema rimasto feudale, che si muove ancora per nepotismo e fare clientelare, corporazioni e famiglie – lo hanno in qualche modo ostacolato, attaccato, aggredito, inviso, odiato, e soprattutto invidiato.

Artista dalle curiosità e dagli interessi diversi, alternava le sue passioni a vivere questa città nell’unico modo possibile: con delle passeggiate. Da sempre la “passeggiata” è il miglior percorso per trovare il ritmo di Roma e superarne, assimilandole, le difficoltà; un rimedio “omeopatico” che ogni vero romano fa suo per meglio sopravvivere.

Così l’artista passava dallo studio su Napoleone – aveva scritto anche un romanzo, Waterloo, battaglia immaginaria, in cui capovolgeva le sorti, ipotizzando la vittoria dell’imperatore – al gioco degli scacchi – dove raggiunse il massimo livello delle categorie nazionali – che spesso praticava al Caffè Fassi lungo la via Nomentana dopo Villa Torlonia, verso Porta Pia (ora purtroppo chiuso) ad amicizie vere che lo portavano a cenare una volta a settimana con l’amico/artista Edolo Masci al ristorante La Campana: l’ultimo che arrivava pagava il conto, questa era la loro regola.

<<Cari amici, io mi sentirò vecchio solo 5 minuti prima di morire ma penso di essere in grado di raccontarvi alcuni trucchi del mestiere.>> (da Il cuore nel sesso) e <<Giovani lo si è sempre, se lo si vuole>> scriveva Franco Califano.

Per i trucchi del mestiere e la gioventù, bisogna entrare nelle canzoni, nei quadri. Franz Borghese, per chi scrive, era tutto questo.”

Dalla presentazione di Fausto Fiume

Esposizione Collettiva di Arte Contemporanea: Decimo Ciclo Espositivo del Premio Art Caffè Letterario.

A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.

Coordinator: Valentina Marin.

Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Simona Bosco, Silvia Cicio, Alice Rigatti.

Artisti: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A. Peverieri, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Circuito Off: Esposizione Personale “Animaux Sauvages” di Schili.

Interventi: ore 19.30 Stefano Dominella Presidente della Maison Gattinoni Couture; ore 20,30 Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action.

Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide).

Quando: Dal venerdì 17 al giovedì 29 maggio 2013.

Orari: Dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 24.00 – Martedì dalle 14.00 alle 24.00 – Sabato dalle 18.00 all 24.00 – domenica 18.00 alle 24.00.

Inaugurazione: Venerdì 17 maggio, dalle ore 19.00 alle 22.00.

Info: 3492847925 – www.centoproduzioni.com – www.artcaffeletterario.com – www.caffeletterarioroma.it

Ufficio Stampa web: Federica Cammilloni.

Produzione: Caffè Letterario – Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.

Al Caffè Letterario, interessante spazio di incontri artistico-culturali, prosegue il Premio Art Caffè Letterario, arrivato al Decimo Step Espositivo. Il concorso artistico che in meno di otto mesi ha coinvolto quasi duecento artisti provenienti da tutta Italia, e la cui votazione online sta per raggiungere la soglia delle cinquemila votazioni, prevede dal 17 al 25 maggio l’esposizione delle opere d’arte di: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A.  Peverieri, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Per il Circuito Off del Premio Art Caffè Letterario, l’Esposizione Personale “Animaux Sauvages” dell’artista Schili: una esposizione centrata sull’ecologia e la dimensione dell’ambiente animale. Il grande interesse per la natura, l’ecologia, i problemi ambientali, l’affascinante influenza ricevuta da frequenti viaggi naturalistici in Africa equatoriale (Uganda, Congo, Camerun, Zambia, Tanzania etc, ) hanno portato Schili ad elaborare variegati microcosmi iconografici. Da un orizzonte costituito da idoli fantastici, totem primitivi, maschere tribali, influenzato dall’arte del Congo e del Mali, Schili è giunto a rappresentare con sempre maggiore assiduità e passione un mondo abitato da animali selvaggi, in parte con occhio naturalistico, in parte con uno sguardo simbolico-idealizzante. La riflessione sulla condizione di oggettiva fragilità alla quale molte specie animali sono esposte, conduce Schili a darne una rappresentazione solenne, ieratica e sacrale (le figure animali emergono da uno sfondo policromo quasi pseudo-bizantino) per ricordare all’ umanita’ la responsabilità della conservazione di tale straordinario patrimonio faunistico.

Nelle opere di Schili gli animali ci guardano con uno sguardo triste, spaurito e rassegnato e ci trasmettono la nostalgia per una condizione passata di totale libertà e un subconscio presente di paura, retaggio di secoli di caccia e bracconaggio.

Il Caffè Letterario, fin dalla sua nascita, ha sempre promosso incontri con personaggi di spicco della cultura italiana, per parlare e affrontare  importanti tematiche sociali, culturali e artistiche. Una promozione politica, trasversalmente partitica, per avvicinare progetti alle persone.

Il 17 maggio i visitatori del Caffè Letterario potranno ascoltare i brevi interventi,  riguardanti la Cultura, l’ Arte e la Creatività, di Stefano Dominella (alle ore 19.30 circa) e di Andrea Alzetta (alle 20,30 circa).

Stefano Dominella tra i numerosi incarichi che ricopre, o ha ricoperto, è stato per diversi anni Presidente di Alta Roma ScpA, società consortile per azioni nata nel 2002 con lo scopo di promuovere la città di Roma come palcoscenico privilegiato della Moda Italiana, per la promozione e lo scouting di giovani talenti, ed  attualmente è Presidente della Maison Gattinoni Couture. Durante il suo intervento al Caffè Letterario ci illustrerà il Progetto “Roma Officina della Creatività per nuove opportunità di lavoro” avente come principale obiettivo quello di Roma capitale europea della giovane creatività, del design e della cultura attraverso la rivalutazione dell’artigianato. Idea principale del Progetto è istituire “l’Officina della creatività”. Uno spazio multimediale dove la moda si incontra con la tecnologia e l’artigianato. Quindi cultura, nuove opportunità,  formazione, nuovi input. Per una Capitale al passo con i tempi e con le nuove esigenze. Uno spazio al servizio dei cittadini e non solo pensato anche per un pubblico fruitore internazionale con conseguente incremento del turismo. Dare avvio, inoltre, a corsi di formazione, al recupero delle botteghe artigiane nelle periferie di Roma, alla valorizzazione della creatività nelle periferie urbane in particolar modo per alcuni mestieri artigianali abbandonati e dimenticati che invece rappresentano il punto di forza anche per la possibile creazione di nuovi posti di lavoro.

Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action, porterà un intervento in merito alla questione cultura sociale e cultura artistica centrando il discorso sull’importanza della destinazione di edifici e strutture dismessi o convertiti nell’ utilizzo. Uno dei tanti impegni di Andrea Calzetta nel Consiglio Comunale è stato infatti di condurre una lotta in merito alle caserme dismesse e in dismissione e sul futuro utilizzo di queste ultime: “Non si può pensare”, afferma, “che le caserme dismesse vengano destinate solo per una riconversione prettamente commerciale e finanziaria, attraverso la realizzazione di abitazioni residenziali di lusso, centri commerciali o alberghi. Sarebbe opportuno che le caserme dismesse venissero destinate da una parte ad alloggi di edilizia sociale, o canone sociale, dall’altra, destinate a spazi culturali, centri aggregativi e formativi. E’ necessario, anche per rimettere in moto l’economia, promuovere la cultura, il contemporaneo, e tutti i linguaggi e generi artistici. Altro aspetto che si deve iniziare a studiare e a valutare è la questione del gioco d’azzardo. In questo tempo assistiamo con una progressione costante, al cambio di destinazione d’uso di ex cinema o spazi di architettura industriale in sale bingo e casino’. Interi quartieri ormai, come la Tiburtina, si stanno trasformando, somigliando sempre più  alla Las Vegas dei poveri. Iniziare a ragionare su questo, promuovere una delibera che imponga un limite, anche uno stop al dilagare del gioco, è necessario per rimettere al centro del dibattito politico la cultura, l’arte e tutte le forme di espressione degli uomini e delle donne.”

UFFICIO STAMPA

Federica Cammilloni – 3278118016 – cammilloni.f@gmail.com

CLAUDIO MARTINEZ
NEGLECTED SOUL
OPENING 21 MAGGIO 2013 H 21.00
Dal 22.05 al 10.06.2013

art_core_gallery via dei Marrucini 1/1A ROMA

Gli spazi di art_core_gallery accolgono la seconda edizione della manifestazione CROSSWISE! ideata ed organizzata dalla Fondazione VOLUME! nata con la volontà di coniugare una molteplicità di linguaggi, creando un luogo di incontro e comunicazione fra differenti ambiti artistici.
Questa edizione vede protagonista la fotografia, in un ciclo di appuntamenti che indaga le differenti declinazioni della ricerca contemporanea, dalla fotografia di reportage e documentaria, fino ai più sperimentali progetti di artisti emergenti.
Ad ampliare gli intenti del ciclo di mostre, un autore sarà invitato a riflettere sul lavoro del fotografo in mostra, attraverso una composizione letteraria che accompagnerà le immagini, raccontandole, allargandone lo spazio visivo e creando uno stimolo verso differenti punti di vista.

Claudio Martinez
NEGLECTED SOUL

Il progetto fotografico che Claudio Martinez presenta negli spazi di art_core_gallery, secondo momento di una ricerca iniziata più di cinque anni fa (BLACK AND LIGHT), nasce dalla volontà di raccontare un percorso che parla dell’intimo vissuto del fotografo.
NEGLECTED SOUL è esperienza personale, in cui ognuno può riconoscersi, ritrovarsi, che conduce ad una riflessione più generale sui meccanismi dell’agire creativo.
“Io che racconto me”, per citare le parole dell’artista, in una serie di scatti, stavolta non solo autoritratti, dove il gioco tra maschile e femminile, tra luce e figura, rappresenta il coraggio della conoscenza, la possibilità di rispondere e di intervenire sulla realtà.
L’intero progetto nasce con l’intento di creare una sorta di spazio prossemico in cui la distanza tra l’osservatore e l’opera si annulla dando la possibilità a chi è davanti alle immagini, di interagire con esse, come se anche queste fossero in qualche modo soggetti agenti e reagenti.
Grazie agli effetti di luminescenza della superficie sulla quale le immagini sono stampate e ad una luce ultravioletta, l’osservatore è chiamato a sollecitare, compiendo un gesto pittorico, la percezione di un’esistenza altra, di una differente possibilità vitale e visiva, facendo vacillare la certezza di “ciò che è dato”.

Ciò che l’osservatore è invitato ad eseguire è metafora dell’atto creativo, inteso come reazione ai parametri che la realtà offre.
Fotografia è scrivere con la luce. In questo caso la luce che l’ immagine offre è rimessa in circolo dal fruitore che ne traccia e rintraccia nuove coordinate, invertendo il consueto atto di codifica del processo creativo.

La mostra sarà accompagnata da un testo di Claudio Morici.

Bio

Claudio Martinez scopre la sua passione per la fotografia all’età di quattordici anni. Tra il 1988 e il 1993 lavora come fotografo di scena sui set illuminati dal direttore della fotografia Vittorio Storaro.
Successivamente collabora come free lance con diverse agenzie di pubblicità (Mc Cann Erickson, Saatchi & Saatchi, Ogilvy), diversi giornali quotidiani (The New York Times, Globe and Mail Toronto, Toronto National Post, Herald Tribune).
Da sempre attratto dalla musica ha realizzato numerose copertine di dischi (tra i quali Ko De Mondo del gruppo C.S.I.) e ha diretto e realizzato numerosi videoclip.
Dal 1999 affianca alla fotografia professionale l’esposizione dei propri lavori di ricerca.

Claudio Morici ha esordito con Matti Slegati, per Stampa Alternativa, ispirandosi alla sua breve esperienza da psicologo. Nel 2007 ha pubblicato Actarus. La vera storia di un pilota di robot (Meridiano Zero) in cui racconta il precariato in Italia, anche se dal titolo non sembra; nel 2009 La terra vista dalla Luna (Bompiani). L’ultimo romanzo, L’uomo d’argento (2012, E/O), l’ha scritto in almeno trenta città diverse e tutte le stanze in cui ha dormito sono state meticolosamente pubblicate su Facebook. Repubblica.it gli dedicò anche una gallery. In occasione dell’uscita del romanzo, ha girato in rete il famigerato “fake” in cui spara al libro.
Lo scorso Gennaio, con Claudio Martinez, ha lanciato i “Racconti da Camera”: pillole di reading in video, pubblicate sul blog Minima&Moralia.

Inaugurazione: 21.05.2013 ore 21:00
Date: dal 22.05.2013 al 10.06.2013
Ingresso: gratuito
Orari: Lunedì: 12,30 – 17,00 Martedì – Venerdì: 12,30 – 02,00 Sabato e Domenica: 17,00 – 02,00

CROSSWISE!
Direzione artistica: Silvia Marsano silviamarsano@fondazionevolume.com
Assistenti: Alessandra Arancio, Egle Miccoli, Serena Scarfi, Benedetta Scannapieco.

Ufficio stampa: Roberta Pucci press@fondazionevolume.com

Coordinamento architettonico e Allestimento: ANOMIA + APART.

per info:
tel. 06 6892431 – press@fondazionevolue.com
sito: www.fondazionevolume.com // fb: www.facebook.com/fondazionevolume
sito: www.artcoregallery.it // fb: www.facebook.com/artcoregallery.sanlorenzo

QUARTA EDIZIONE COLLETTIVA “ARTE SACRA”
Dall’11 al 26 Maggio 2013

Quarta edizione della collettiva d’arte “ARTE SACRA”

Si rinnova per il quarto anno consecutivo l’esposizione rivolta all’Arte Sacra .Nel mese di Maggio lo spazio della galleria viene dedicato alla mostra in oggetto.
Sacro, non si intende solo quello che riguarda la nostra religione, ma tutto ciò che è sacro nelle altre forme,
e nelle altre forme di credo Sacro è un termine storico religioso fenomenologico religioso e antropologico che indica una categoria di attributi e realtà che si aggiungono o significano ulteriormente il reale ordinariamente percepito e indicato come profano
Il termine “sacro” deriva dal termine latino arcaico sakros rinvenuto sul Lapis Niger, sito archeologico romano risalente al VI secolo a.C.[2] e, in un significato successivo, indica anche ciò che è dedicato alla divinità e al suo culto.
A ragione di questo, abbiamo raccolto in questa mostra, sia la parte religiosa cattolica, con la rappresentanza del Gesù di Naxareth , di Gabrielli Giorgio e Shtanko Vitaly ,in due importanti momenti della sua vita, ai santi, “Padre Pio” alle varie elaborazione di Madonne, alla forma ironica della croce di Armellin, ad un Gesù Bambino cosmico di Foster Grazy, alle quattro formelle in legno di Racchi Mauro dove si evidenzia il cammino di Siddharta, per finire la città Sacra di Mando Papaioannou un piccolo lavoro di grande levatura.
Il vernissage sabato 11 maggio ore 17,30
La collettiva si apre il giorno 11 e si chiude il 26 maggio 2013 con orario :
dal lunedì al venerdì – 15,00/19,00 – sabato 9,30-12,00/15,00-19,00 chiuso domenica
Il Presidente maria Grazia Frassetto
ACAF-Artemisia Gallery
Via Moroni 124 – 24122 Bergamo
035241481- 3895563828
m.frassetto@libero.it – www.galleryartemisia.com

Interverranno alla conferenza

Emanuele Piccardo, critico di architettura e coordinatore del workshop

Anna Rita Emili, architetto, coordinatore del workshop

Emiliano Ilardi, massmediologo, Università di Cagliari
Matteo Agnoletto, architetto, Università di Bologna, Facoltà di Architettura di Cesena

Davide Marazzi, architetto, progettista della nuova Chiesa di Medolla (Mo)

Don Davide Sighinolfi, sacerdote e committente della nuova Chiesa di Medolla (Mo)

Al termine Ferdinando Gandelli e i componenti di altro_studio condurranno una visita al prototipo.

Il progetto è nato a partire dalle riflessioni teoriche del numero tematico “Disaster” della rivista di architettura archphoto2.0 con l’obiettivo di adottare strategie progettuali per risolvere il problema dell’alloggio provvisorio post-catastrofe, nella fase intermedia tra le tende e la ricostruzione. Così il workshop ha definito una modalità di azione: progettuale, urbanistica e politica prendendo spunto anche dalle regole dettate dalla protezione civile americana (FEMA) adattandole al contesto italiano. Regole che guidano il cittadino prima, durante e dopo l’evento catastrofico, diversamente da quanto indica la Protezione Civile italiana.

La catastrofe, nel momento in cui si decide di affrontarla, è un fatto politico che determina scelte chiare e precise, come le aree dove alloggiare i cittadini, i comportamenti da avere e le tipologie delle abitazioni provvisorie evitando così situazioni disastrose, sia culturalmente che economicamente, come il progetto C.A.S.E. all’Aquila. All’interno del workshop, a partire da un sistema di alloggi modulari basati sul modulo quadrato 4×4 (questo genera un modulo base alloggio+patio di 8×4) si sono generate unità abitative di diverso taglio in relazione ai nuclei famigliari. Si sono studiate, all’interno del parco torinese Colonnetti, quale possibile area di sfollamento della popolazione in caso di catastrofe ambientale, le configurazioni urbanistiche per l’insediamento di 1000, 5000 e 8000 abitanti con standard urbanistici, in regime di emergenza, pari a 20mq/abitante (contro i 25mq/abitante in situazioni normali). È stato verificato che la configurazione ottimale per mantenere una elevata qualità abitativa sia quella da 5000 abitanti, mantenendo servizi come verde pubblico, parcheggi, e strade per l’accesso dei mezzi di soccorso. L’alloggio, concepito con la struttura portante in legno, assolve alle funzioni di facilità di montaggio (il 50% degli alloggi è pensato per essere realizzato in autocostruzione da squadre di operai non specializzati che si formano nei campi di accoglienza degli sfollati), modularità, sostenibilità (attraverso l’inserimento del patio-serra) e adattabilità alle esigenze dei fruitori. In contemporanea si è studiato il modo per comunicare ai cittadini e agli amministratori una procedura di azione, attraverso due guide distinte, la prima per il cittadino, pensata in forma di pieghevole, la seconda come un quaderno di istruzioni all’amministratore pubblico o al tecnico. Per la prima volta il sistema di alloggi è stato progettato non come un fatto casuale che impone una disposizione disordinata sul territorio, come è accaduto in Italia, dall’Irpinia all’Emilia, bensì studiando una progettazione urbana in modo che gli alloggi formino un piccolo quartiere orizzontale, con l’inserimento di funzioni pubbliche. In questo modo si cerca di ricreare quegli spazi pubblici urbani riconoscibili dai cittadini come piazze, spazi per l’educazione e la preghiera, ecc…

plug_in

L’associazione culturale plug_in (Emanuele Piccardo, Luisa Siotto, Alessandro Lanzetta), è un laboratorio sperimentale che, dal 2003, si prefigge la divulgazione dell’architettura e delle arti visive contemporanee attraverso il coinvolgimento attivo dei cittadini a eventi, mostre e workshop sul territorio. plug_in è motore di iniziative editoriali che hanno nella rivista digitale Archphoto.it (www.archphoto.it) il loro epicentro, volte a promuovere e diffondere la cultura architettonica attraverso uno sguardo multiplo e trasversale.

Website www.plugin-lab.it

altro_studio
È stato fondato nel 1998 a Roma dall’architetto Anna Rita Emili e dall’ingegnere Barbara Pellegrino.

La ricerca architettonica si concentra sul tema dell’abitare sperimentando gli effetti che un particolare tipo di spazio provoca all’individuo, legati soprattutto all’aspetto percettivo e fenomenologico, come lo intendeva Merleau Ponty. Questo atteggiamento si pone come risposta ad una serie di eventi o come previsione di un futuro immediato come le catastrofi naturali: desertificazioni, alluvioni e terremoti. In parallelo all’attività progettuale Anna Rita Emili svolge un’intensa attività teorica, che viene introiettata nelle sue architetture. Tra i libri pubblicati “Buckminster Fuller e le Neoavanguardie”; “Puro e semplice, l’architettura del Neobrutalismo”; “Architettura estrema. Il brutalismo alla prova della contemporaneità”. La sua opera è stata esposta alla Triennale di Milano, Cité de l’Architecture (Paris), Nai (Rotterdam), World Architecture Festival (Barcelona), Virserum Art Museum (Stoccolma).

Website www.altro-studio.it  www.altro-studio.com

Ufficio Stampa Ordine Architetti Torino e Fondazione OAT

Liana Pastorin – media-arch: l.pastorin@awn.it; 011 5360513, 348 2685295
Raffaella Bucci: raffaella.bucci@awn.it; 011 5360514, 347 0442782

press.fondazione.oato@awn.it |  architetturaincitta.oato.it

martedì mercoledì venerdì sabato h21

giovedì e domenica  h18

TEATRO DEI CONCIATORI

Via dei Conciatori, 5 00154 Roma

info@teatrodeiconciatori.it

Tel. +39 06 45448982 - +39 06 45470031

Mixò / Compagnia Urbano Barberini / Spoleto55 Festival dei 2Mondi

in collaborazione con

La MaMa Theatre New York / Fringe Madrid / I.E.T Independent English Theatre / MTM

con il sostegno di HYDROWATT S.P.A.

INCANTEVOLE

Lovely Head

di Neil LaBute

traduzione di Luca Calvani

con Urbano Barberini e Elisa Alessandro

regia di Marco Calvani

scenotecnica Paul Bouchard   costumi Lucy Hellier   luci Flavio Mainella

aiuto regia Lydia Biondi   assistente alla regia Tullia Raspini

organizzazione generale Viviana Broglio   ufficio stampa Benedetta Boggio

Il testo di Neil LaBute messo in scena da Marco Calvani debutta la scorsa estate a Spoleto55 – Festival dei Due Mondi nell’ambito del progetto AdA (Author directing Author); gli autori e registi, anche ideatori del progetto, hanno scelto un tema comune, la Famiglia, e hanno scritto rispettivamente due brevi atti unici per poi scambiarsi la regia delle pièces. Incantevole (Lovely Head) di Neil LaBute è stato diretto da Calvani, che a sua volta ha scritto Roba di questo mondo diretto da LaBute. Il Teatro dei Conciatori ospita per la prima volta a Roma Incantevole.

In scena la storia di un incontro ambiguo tra una Lolita appena sbocciata, giovane maliziosa e spregiudicata e un uomo più maturo, la cui identità rimane fino all’ultimo un mistero. La pièce sfida senza timori quello che definiremmo un cliché e approda in un’isola dove il linguaggio è dietro le parole, dove ciò che è, non è ciò che sembra. Un confronto tra amore e sesso, tra soldi e scelte di vita che nasconde una verità. Una commedia amara che intreccia legami familiari tra individui fragili, pieni di fisime e di insicurezze.

PROGETTO AdA (Author directing Author)

L’attenzione ai più scottanti temi contemporanei – nel vissuto di personaggi soli, cinici e completamente assorbiti dalle loro piccole grandi tragedie – può configurarsi come il comune denominatore di LaBute e Calvani, due autori affermatisi in questi anni come implacabili giudici del lato oscuro della natura umana nella società americana ed in quella europea. Con il progetto AdA, LaBute e Calvani esaltano diversi approcci alla scrittura e alla regia teatrale celebrando – attraverso una diffusione internazionale delle opere – il carattere peculiare e la diversa cifra stilistica della drammaturgia contemporanea italiana ed americana. AdA ha debuttato in italiano nell’ambito del Festival di Spoleto 2012, per poi approdare in Spagna al Fringe Festival di Madrid dove è stato presentato in spagnolo ed infine al La MaMa Theatre di New York in inglese nell’ottobre dello stesso anno. Calvani e LaBute stanno attualmente lavorando alla seconda edizione del progetto stavolta assieme alla drammaturga e regista francese Nathalie Fillion.

TEATRO DEI CONCIATORI Via dei Conciatori, 5 00154 Roma

info@teatrodeiconciatori.it Tel. +39 06 45448982 - +39 06 45470031

Biglietti 18 intero euro 13 euro ridotto  10 euro (cral) 8 euro (gruppi di 8 persone)

tessera associativa 2 euro

Ufficio stampa 369gradi centro diffusione cultura contemporanea

Benedetta Boggio 3332062996 benedetta.bo@gmail.com

Le strade del Paesaggio: dai primi passi alle nuove visioni

TORINO, SALONE DEL LIBRO

Sabato 18 maggio 2013 ore 19,00

Padiglione Ospite

Sarà presentato sabato 18 maggio in occasione del Salone del Libro di Torino il libro Le strade del Paesaggio: dai primi passi alle nuove visioni.

Il testo, raccoglie, attraverso molteplici testimonianze le 6 Edizioni del Festival, che hanno visto la Provincia di Cosenza, promotore dell’evento, impegnata nel settore della cultura e dello sviluppo del territorio, e orientata verso un processo di rinnovamento che ha prodotto in questi anni cultura, istruzione e divertimento.

Una raccolta di fotogrammi, esperienze e voci di un’avventura iniziata nel 2007 e che, in prossimità della nuova edizione, vedrà protagonista uno straordinario ed inedito Dylan Dog raccontato, come per i personaggi che lo hanno preceduto (da Tex ad Andrea Pazienza), con entusiasmo e analisi critica.

L’incontro presso gli spazi del Salone del Libro sarà, inoltre, un’occasione per illustrare il Progetto Art In Progress, altra importante iniziativa della Provincia di Cosenza, giunta alla sua seconda edizione con un articolato e intenso programma, frutto di una felice coesistenza fra cultura locale, arte, musica e performance. La Rassegna vede, per questa nuova edizione, ancora protagonista dopo il successo riscosso, il Festival Urban Superstar curato da David Vecchiato e l’inaugurazione della mostra Arte&vita a cura di Dores Sacquegna che porta, per la prima volta a Cosenza, nomi d’eccellenza come Vito Acconci, Matteo Basilè e molti altri ancora.

PROGRAMMA

Conduce e modera:

Mariuccia De Vincenti – Ufficio Stampa Provincia di Cosenza

Interventi

Giovanni Soda – Dirigente della Provincia di Cosenza e Direttore Tecnico di Art in Progress. Cantieri del

Contemporaneo;

Fabio De Chirico – Soprintendente Bsae Calabria

Maria Francesca Corigliano – Assessore alla Cultura della Provincia di Cosenza

Pasquale Ruju – fumettista e doppiatore italiano

Per informazioni e materiale

ALESSANDRA FINA

sandrafina@gmail.com

t.             +39 06 88543958

+39 331 8380604

Questa nuova realtà nel panorama espositivo triestino si pone l’intento di avvicinare il pubblico ad artisti emergenti e non dell’arte contemporanea passando dalla pittura alla scultura e dalla fotografia al design.

Gli obiettivi principali sono di dare l’opportunità di creare nuove sinergie tra artisti, collezionisti e fruitori d’arte e far apprezzare e godere dell’arte anche coloro che hanno poca esperienza o poca conoscenza sviluppata in questo settore, ma che per curiosità e sensibilità personale sono attratti dal mondo dell’arte e della creatività.

In questa mostra antologica David Pompili, in arte Davil, evidenzia quello che è stato il suo percorso e soprattutto la sua evoluzione artistica. Le sue opere in tecnica mista e collage, con un richiamo sia alla pop art che alla tecnica dei writers e della street art, nascono però dallo studio di quella corrente dei cartellonisti di un tempo che davano una direzione dell’estetica mutuando uno spirito innovativo e un vocabolario sintetico. “La sua costante è la denuncia sociale che riprende anche nella veste grafica e richiama una produzione minore e povera, ma di grande diffusione negli anni della contestazione, di cui qualche eco sembra vedersi anche nelle colature cromatiche. Vi si rappresenta un mondo imperfetto, i cui piani comunicativi si confondono e si frammentano nella sovrapposizione fra messaggi pubblicitari, immagini e graffiti. Fusione di culture e controculture, la comunicazione moderna accetta la contraddizione e mistifica il dramma dell’ingiustizia e della violenza che invade anche il mondo della provincia e non risparmia i più deboli. Ricordarselo e ricordarlo è un bene”.

A rafforzare la sia la tematica della mostra che dello spazio espositivo ci sarà la partecipazione straordinaria di ArsMusiva/ by Elena Gentili. La peculiarità della designer umbra è la rivalutazione dell’antica tecnica decorativa del mosaico e la riproduzione in chiave moderna di monili unici nel loro genere che prendono ad ispirazione i più grandi ed importanti pittori che hanno lasciato un’indelebile impronta nell’arte figurativa ed astratta ….e per l’occasione interpre David Pompili. Ogni creazione è un pezzo unico e viene montata a mano su piccole basi di alabastro o di argento e rifinita sempre a mano con materiali pregiati, ma facili da indossare.

La mostra sarà visitabile sino al 29 giugno 2013 dal giovedì al sabato dalle ore 17 alle ore 20 e gli altri giorni su appuntamento.

Esposizione Personale: “Animaux Sauvage”.

Artista: Schili.

A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.

Coordinator: Valentina Marin.

Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Simona Bosco, Silvia Cicio, Alice Rigatti..

Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide).

Quando: Da venerdì 17 maggio a giovedì 29 maggio 2013.

Inaugurazione: venerdì 17 maggio, dalle ore 19.00 alle 22.00.

Orari: Dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 24.00 – Martedì dalle 14.00 alle 24.00 – Sabato dalle 18.00 all 24.00 – domenica 18.00 alle 24.00.

Info: 3492847925 – www.schili.it – www.artcaffeletterario.com – www.caffeletterarioroma.it

All’interno del Circuito Off del Premio Art Caffè Letterario, l’Esposizione Personale “Animaux Sauvages” dell’artista Schili: una esposizione centrata sull’ecologia e la dimensione dell’ambiente animale.

Il grande interesse per la natura, l’ecologia, i problemi ambientali, l’affascinante influenza ricevuta da frequenti viaggi naturalistici in Africa equatoriale (Uganda, Congo, Camerun, Zambia, Tanzania etc, ) hanno portato Schili ad elaborare variegati microcosmi iconografici. Da un orizzonte costituito da idoli fantastici, totem primitivi, maschere tribali, influenzato dall’arte del Congo e del Mali, Schili è giunto a rappresentare con sempre maggiore assiduità e passione un mondo abitato da animali selvaggi, in parte con occhio naturalistico, in parte con uno sguardo simbolico- idealizzante. Infatti, la riflessione sulla condizione di oggettiva fragilità alla quale molte specie animali sono esposte conduce Schili a darne una rappresentazione solenne, ieratica e sacrale (le figure animali emergono da uno sfondo policromo quasi pseudo-bizantino) per rammentare all’umanita’ la responsabilità della conservazione di tale straordinario patrimonio faunistico.

Nelle opere di Schili gli animali ci guardano con uno sguardo triste, spaurito e rassegnato e ci trasmettono la nostalgia per una condizione passata di totale libertà e un subconscio presente di paura, retaggio di secoli di caccia e bracconaggio. Dietro quello sguardo c’e’ tutta una storia di emigrazione forzata e costrizione nelle riserve naturalistiche africane.

L’Africa, con le sue realtà urbanistiche degradate e le sue risorse naturali depredate da secolare sfruttamento,  conserva ancora, ma chissà per quanto,  un immenso ed unico patrimonio naturale e  faunistico.

“La pittura di Schili è”, afferma Pierluigi Graziani, “ una pittura “metropolitana” intesa come priva degli orpelli stilistici e celebrativi presenti in tanta parte della pittura comtemporanea “colta” e/o di “maniera”. Una pittura forte per intuizione, segno e rigore, che si manifesta per immagini di piccoli “microcosmi”. Microcosmi sono infatti sia quelli presenti nelle opere del periodo iniziale (1997 – 1998), legati ad un immaginifico mondo di “Kats”, così simili eppure così alternativi nella sostanza al “radiant boy” di Keith Haring, (autore che insieme a tutti gli artisti del graffitismo e della cosiddetta “arte di frontiera”, ha affascinato e influenzato l’arte di Schili), che quelli del periodo successivo aventi come riferimento l’arte povera del Sud America, con il suo universo di maschere, uccelli fantastici, animali multicolori…….Dal 2008 nuovi iconografie suscitano la curiosità di Schili; l’interesse e l’attenzione che rivolge alla natura, all’ecologia e a problemi ambientali, lo portano a catturare e a trasferire sulla tela, sotto forma di visionari ed immaginari graffiti, immagini di idoli fastastici, di totem primitivi, di maschere tribali. Scriveva Francesca Alinovi che “i graffiti” o certo genere di graffiti, provengono dalla elaborazione di  una forma di cultura superiore, o patafisica, o fantascientifica, o surreale. Così Schili, dopo aver navigato attraverso i miti e le icone della contemporaneità, abbandona questi miti e queste icone, alla ricerca di una nuova stesura artistico culturale, di una dimensione onirica della tribalità della pittura come scoperta-rivalutazione degli stilemi primitivi ed incontaminati dell’arte, quasi una sorta di “revenge” di un’arte che sembra non contare e che si potrebbe definire “no logo and no profit”. Stilisticamente, la pittura di Schili si muove attraverso immagini di calligrafia scorrevole, che parte dall’idolo o dal totem o dalla maschera tribale, per arrivare ad una gestualità fluida e veloce, riportata sulla tela attraverso composizioni e scomposizioni che tra loro si incrociano, si intersecano, si confondono. In definitiva una mostra interessante e stimolante, al tempo stesso didascalica e comunicativa, dove tra i continui rimandi estetici, dal graffitismo all’art brut, e ancora molti altri, il “nomadismo” pittorico ed intellettuale di Schili trova completa interpretazione” (Pierluigi Graziani, 2010).

UFFICIO STAMPA

Info: 3278118016 – cammilloni.f@gmail.com

Esposizione Collettiva di Arte Contemporanea: Decimo Ciclo Espositivo del Premio Art Caffè Letterario.

A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.

Coordinator: Valentina Marin.

Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Simona Bosco, Silvia Cicio, Alice Rigatti.

Artisti: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A. Peverieri, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Circuito Off: Esposizione Personale “Animaux Sauvages” di Schili.

Interventi: ore 19.30 Stefano Dominella Presidente della Maison Gattinoni Couture; ore 20,30 Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action.

Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide).

Quando: Dal venerdì 17 al giovedì 29 maggio 2013.

Orari: Dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 24.00 – Martedì dalle 14.00 alle 24.00 – Sabato dalle 18.00 all 24.00 – domenica 18.00 alle 24.00.

Inaugurazione: Venerdì 17 maggio, dalle ore 19.00 alle 22.00.

Info: 3492847925 – www.centoproduzioni.com – www.artcaffeletterario.com – www.caffeletterarioroma.it

Ufficio Stampa web: Federica Cammilloni.

Produzione: Caffè Letterario – Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.

Al Caffè Letterario, interessante spazio di incontri artistico-culturali, prosegue il Premio Art Caffè Letterario, arrivato al Decimo Step Espositivo. Il concorso artistico che in meno di otto mesi ha coinvolto quasi duecento artisti provenienti da tutta Italia, e la cui votazione online sta per raggiungere la soglia delle cinquemila votazioni, prevede dal 17 al 25 maggio l’esposizione delle opere d’arte di: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A. M. Peverini, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Per il Circuito Off del Premio Art Caffè Letterario, l’Esposizione Personale “Animaux Sauvages” dell’artista Schili: una esposizione centrata sull’ecologia e la dimensione dell’ambiente animale. Il grande interesse per la natura, l’ecologia, i problemi ambientali, l’affascinante influenza ricevuta da frequenti viaggi naturalistici in Africa equatoriale (Uganda, Congo, Camerun, Zambia, Tanzania etc, ) hanno portato Schili ad elaborare variegati microcosmi iconografici. Da un orizzonte costituito da idoli fantastici, totem primitivi, maschere tribali, influenzato dall’arte del Congo e del Mali, Schili è giunto a rappresentare con sempre maggiore assiduità e passione un mondo abitato da animali selvaggi, in parte con occhio naturalistico, in parte con uno sguardo simbolico-idealizzante. La riflessione sulla condizione di oggettiva fragilità alla quale molte specie animali sono esposte, conduce Schili a darne una rappresentazione solenne, ieratica e sacrale (le figure animali emergono da uno sfondo policromo quasi pseudo-bizantino) per ricordare all’ umanita’ la responsabilità della conservazione di tale straordinario patrimonio faunistico.

Nelle opere di Schili gli animali ci guardano con uno sguardo triste, spaurito e rassegnato e ci trasmettono la nostalgia per una condizione passata di totale libertà e un subconscio presente di paura, retaggio di secoli di caccia e bracconaggio.

Il Caffè Letterario, fin dalla sua nascita, ha sempre promosso incontri con personaggi di spicco della cultura italiana, per parlare e affrontare  importanti tematiche sociali, culturali e artistiche. Una promozione politica, trasversalmente partitica, per avvicinare progetti alle persone.

Il 17 maggio i visitatori del Caffè Letterario potranno ascoltare i brevi interventi,  riguardanti la Cultura, l’ Arte e la Creatività, di Stefano Dominella (alle ore 19.30 circa) e di Andrea Alzetta (alle 20,30 circa).

Stefano Dominella tra i numerosi incarichi che ricopre, o ha ricoperto, è stato per diversi anni Presidente di Alta Roma ScpA, società consortile per azioni nata nel 2002 con lo scopo di promuovere la città di Roma come palcoscenico privilegiato della Moda Italiana, per la promozione e lo scouting di giovani talenti, ed  attualmente è Presidente della Maison Gattinoni Couture. Durante il suo intervento al Caffè Letterario ci illustrerà il Progetto “Roma Officina della Creatività per nuove opportunità di lavoro” avente come principale obiettivo quello di Roma capitale europea della giovane creatività, del design e della cultura attraverso la rivalutazione dell’artigianato. Idea principale del Progetto è istituire “l’Officina della creatività”. Uno spazio multimediale dove la moda si incontra con la tecnologia e l’artigianato. Quindi cultura, nuove opportunità,  formazione, nuovi input. Per una Capitale al passo con i tempi e con le nuove esigenze. Uno spazio al servizio dei cittadini e non solo pensato anche per un pubblico fruitore internazionale con conseguente incremento del turismo. Dare avvio, inoltre, a corsi di formazione, al recupero delle botteghe artigiane nelle periferie di Roma, alla valorizzazione della creatività nelle periferie urbane in particolar modo per alcuni mestieri artigianali abbandonati e dimenticati che invece rappresentano il punto di forza anche per la possibile creazione di nuovi posti di lavoro.

Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action, porterà un intervento in merito alla questione cultura sociale e cultura artistica centrando il discorso sull’importanza della destinazione di edifici e strutture dismessi o convertiti nell’ utilizzo. Uno dei tanti impegni di Andrea Calzetta nel Consiglio Comunale è stato infatti di condurre una lotta in merito alle caserme dismesse e in dismissione e sul futuro utilizzo di queste ultime: “Non si può pensare”, afferma, “che le caserme dismesse vengano destinate solo per una riconversione prettamente commerciale e finanziaria, attraverso la realizzazione di abitazioni residenziali di lusso, centri commerciali o alberghi. Sarebbe opportuno che le caserme dismesse venissero destinate da una parte ad alloggi di edilizia sociale, o canone sociale, dall’altra, destinate a spazi culturali, centri aggregativi e formativi. E’ necessario, anche per rimettere in moto l’economia, promuovere la cultura, il contemporaneo, e tutti i linguaggi e generi artistici. Altro aspetto che si deve iniziare a studiare e a valutare è la questione del gioco d’azzardo. In questo tempo assistiamo con una progressione costante, al cambio di destinazione d’uso di ex cinema o spazi di architettura industriale in sale bingo e casino’. Interi quartieri ormai, come la Tiburtina, si stanno trasformando, somigliando sempre più  alla Las Vegas dei poveri. Iniziare a ragionare su questo, promuovere una delibera che imponga un limite, anche uno stop al dilagare del gioco, è necessario per rimettere al centro del dibattito politico la cultura, l’arte e tutte le forme di espressione degli uomini e delle donne.”

UFFICIO STAMPA

Federica Cammilloni – 3278118016 – cammilloni.f@gmail.com

Anna Di Matteo anna.dimatteo88@gmail.com

Workshop di Fotografia Urbana

a cura di Roberto Gabriele (fotografo professionista), Antonio D’Onofrio e Simona Ottolenghi (architetti)

Viaggi e Fotografia sono sempre stati un binomio inscindibile perché la fotografia aiuta a ricordare genti, luoghi, situazioni permettendo poi anche una sorta di  viaggio a ritroso nel tempo.

E permette di poter raccontare agli amici, una volta rientrati, le emozioni provate

Viaggiare nel tempo, alla ricerca delle cose autentiche e preziose. Un viaggio per riflettere, amarsi, liberare la mente e viaggiare…. e per acquisire, attraverso gli stimoli che solo un luogo ricco di emozioni può offrire, quelle conoscenze di base che si rendono necessarie a chiunque voglie “scrivere” fotograficamente la storia dei suoi viaggi.

Questo è anche uno stimolo a far meglio confrontandosi con gli altri partecipanti e non è necessaria attrezzatura professionale. Chi non ha una preparazione approfondita potrà contare sull’aiuto e sui consigli di un architetto-fotografo e viaggiatore incallito che ha prodotto decine di reportage di viaggio in diversi luoghi del mondo. I fotografi più smaliziati, invece, troveranno nuovi stimoli e sfrutteranno le situazioni che si presenteranno durante il viaggio.

Il corso è diviso in due parti: la prima in studio con la visione e la discussione di reportage di viaggio e la seconda in un tour a Roma “città eterna”, un luogo pieno di significato e in cui non sarà difficile “riportare” a casa il materiale per organizzare un reportage.

L’itinerario è stato studiato per poter realizzare un reportage e quindi sono stati considerati tempi che consentono di approfondire le tematiche e gli obiettivi da realizzare ed è stata data la necessaria importanza alla visita di luoghi.

• Finalità e obiettivi

L’obiettivo di “Roma Urban Vision” è quello di guidare i partecipanti al workshop nello sviluppo di un progetto personale di esplorazione e narrazione del tessuto urbano a partire dalla propria esperienza.

Gli allievi saranno sollecitati attraverso l’analisi delle architetture di autori come Bramante, Borromini, Brunelleschi, Michelangelo e ad esercitare così la propria percezione visiva per cercare di capire cosa si nasconde dietro l’architettura della città e determinare così una scelta stilistico-fotografica. Particolare attenzione sarà data allo sviluppo dell’idea e a quali possono essere le risorse offerte dal linguaggio fotografico. Il Workshop sarà finalizzato alla selezione di un portfolio fotografico e alla sua pubblicazione sul sito Viaggiofotografico.it.

• Programma

1° giorno

ore 16,00 – 16,30

Registrazione partecipanti e presentazione della giornata

Ore 16.30 – 17,30

La fotografia di architettura: tecnica di ripresa

2° giorno

ore 9,30 – 13,30

Tecnica di ripresa ed elementi di storia attraverso l’itinerario guidato:

Porta del Popolo – Piazza del Popolo – Santa Maria del Popolo – Santa Maria di Montesano -Santa Maria dei Miracoli – Piazza San Lorenzo in Lucina – Palazzo Montecitorio – Pantheon

ore 13,30 – 14,30

Pausa

ore 14.30 – 18,30

San Luigi dei Francesi – Palazzo Madama - S. Ivo del Borromini – Piazza Navona – S. Agnese in Agone – via del Governo Vecchio – Palazzo Farnese – Campo de’ Fiori

3° giorno

Ore10,00 – 13,00

Analisi critica e scelta delle foto dei partecipanti

ore 13,00 – 14,00

Pausa

ore 14,00 – 17,00

Composizione dei portfoli

ore 17,30

Consegna attestato

• · Strumenti didattici:

Proiezioni, Bibliografia, Dispensa.

• · Docenti:

• Pubblico: fotografi, artisti, studenti e appassionati di fotografia.

• Requisiti: conoscenza base di cultura e tecnica fotografica.

• Quota iscrizione: 100 Euro.

• Informazioni e Preiscrizioni:

tel 0773-668147 – Roberto 347-711641 – Antonio 3478144544 – Simona 3393493106

www.viaggiofotografico.it

“Milano anni ’70 una retrospettiva” è il titolo che accompagna l’esposizione che si inaugurerà DOMANI 11 maggio dalle ore 18 alla galleria Marcantoni di Pedaso (FM) via Manzoni 21. La mostra sara’ visitabile fino al 16 giugno tutti i giorni dalle 17alle 20. Un appuntamento molto importante dal punto di vista storico-artistico. Incontro pensato e preparato in maniera scientifica , ricco di documentazione storica vuole presentare al pubblico una collettiva di nomi che hanno vissuto e creato arte in un decennio ,quello che va dal 1965 al 1975, vivace dal punto di vista sociale, tumultuoso e ricco di cambiamenti e nuove ricerche artistiche. L’esposizione ospitata in galleria vede protagonisti cinque artisti che a Milano si sono formati,hanno artisticamente lottato e si sono storicamente affermati. Paolo Baratella, Umberto Mariani, Giangiacomo Spadari, Fernando de Filippi, Sergio Sarri ,il cosiddetto “Gruppo dei Milanesi”, sono stati compagni di lotte artistiche ,ognuno a suo modo. Protagonisti di un’arte che ha raccontato la societa’ anni settanta in maniera sociologica, vera , a tratti cruda. Il gruppo rappresenta, senza intenti di convergenze formali, una delle piu’ interessanti esperienze artistiche culturali di quegli anni. Le tele presentante raccontano un arco di tempo ben determinato e circoscritto. Il periodo piu’ importante, piu’ museale, la testimonianza storica del Gruppo. Come di consuetudine la Galleria ospitera’ nel periodo della mostra tre appuntamenti musicali. Il vernissage vedra’ la presenza di docenti del Conservatorio “Pergolesi” di Fermo.

Vi aspettiamo! Inoltre sarà presente la fotografa Paola Panicola per realizzare scatti ai tattoo realizzati da Loris, a quanti fossero mancati all’appuntamento precedente!

“GUSTO degli altri” inteso come “quello che piace”. Arte In Voce, associazione culturale, promotrice della prima edizione della rassegna d’arte contemporanea tirAR•Tardi 2013, invita gli artisti, protagonisti del terzo appuntamento, a esprimere il proprio talento nel suscitare il senso del gusto nelle vesti del “piacere” per il cibo, la moda, gli stati d’animo, i desideri e molto altro ancora. Il 22 Maggio 2013, nella suggestiva e raffinata atmosfera del TClub Lounge Bar, nel quadrilatero romano di Torino in Via Sant’Agostino 23/Q, l’avventura del tirAR•Tardi approderà alla luce delle opere di quattro prestigiosi artisti locali:

Francesco Marinaro, giovane scultore le cui opere nascono “passo passo” attraverso un lavoro di ideazione e preparazione tecnica. Con “Cioccolata non toccare”, Marinaro, inviterà, con dolcezza, lo spettatore, nel mondo dell’artificioso visivo, stimolando la contaminazione dei sensi nella percezione. Sinestesia pura!

Rossana Bossù, illustratrice, professionista dell’incanto nelle immagini, ispirandosi liberamente alla favola per adulti “Io sono febbraio” di Shane Jones, presenterà il proprio lavoro che racconta ed esplora il cammino verso il gusto per la libertà d’espressione.

Marco Giammarinaro, in un gioco, quasi una magia tra fotografia e arte, rivelerà scatti innovativi e sperimentali con l’obiettivo di far assaporare l’opera e il gusto dell’illusione. Oltre la realtà, alla scoperta di qualcosa di più, chiamato  Esperimentazione.

Ornella Silvestri e Clara Placido, in un lavoro a quattro mani, interpreteranno l’universo femminile e maschile nell’opera “Eva e Adamo” . Un’occasione di moda e stile che farà incontrare somiglianze e diversità in un’unica, esclusiva e inedita mise.

Arte In Voce alla guida del “GUSTO degli altri” tutto in una notte. Il viaggio continua sulle strade dei Cinque Sensi + 1.

Opening h. 19-24

Ingresso Libero

Per partecipare come artista: www.arteinvoce.it  info@arteinvoce.it

Comunicazione, ufficio stampa AndEventi Comunicare è arte alessandra@andeventi.it

ACTA International e LuminUp presentano Dialoghi: Emile Hyperion Dubuisson, Allen Frame, Mauro Restiffe. Dubuisson è francese, Frame è americano e Restiffe brasiliano: luogo d’incontro l’International Center of Photography di New York dove Dubuisson e Restiffe studiavano e Frame insegnava.
La mostra contrappone il lavoro di tre fotografi che agiscono in contesti personali. Le figure o i ritratti nelle loro immagini sono di persone a loro molto familiari, la sorpresa si svela quando vediamo trasformare proprio quella familiarità in qualcosa di misterioso e ambiguo definendo un lavoro che coinvolge le delicate relazioni sottintese a scapito delle informazioni ovvie e palesi. La luce è uno strumento fondamentale per creare quest’aura di mistero, e nello specifico l’uso della luce soffusa degli interni, combinata con la vellutata oscurità della notte e le sue ombre, svela quell’ambiguità di pensieri sconosciuti e primordiali. Le loro immagini diventano così esplorazioni sensuali della tensione tra custodire e rivelare.
Le fotografie di Emile Dubuission ritraggono figure nella notte prese principalmente su di una spiaggia di Brooklyn. Una figura nuda è in piedi nell’oscuro oceano; lo sguardo fisso di una giovane donna viene colto da una luce sperduta nella notte buia.
Le figure di Allen Frame sono tutte fotografate in spazi chiusi, cariche di un connotato psicologico che risuona immediato; sono scattate negli anni ’90 in giro per il mondo, da Berlino a Mexico City, New York e Atlanta e costituiscono un estratto dalla sua monografia Detour, pubblicata nel 2001.
I lavori di Mauro Restiffe, scattati a partire dal 1955, esprimono un’apertura romantica ed innocente verso una cultura sconosciuta; ha fotografato sia interni domestici che spazi pubblici durante il viaggio di ritorno di una bellissima fidanzata Russa nella sua città natale, San Pietroburgo. Immagini sensuali di lei a casa sono affiancate a confortanti ritratti della sua famiglia, dell’Hermitage e dell’Opera. Questa selezione costituisce parte dei primi lavori di Restiffe, che verranno esposti per la prima volta nella Frieze Art Fair di New York a maggio, e a seguire nello spazio romano.
I tre fotografi saranno contestualmente coinvolti in una mostra presso il Centro Luigi Di Sarro, intitolata The Artists Who Came In From The Cold, curata dallo svizzero Martin Kunz. Il lavoro sulla Russia di Dubuisson sarà pubblicato come Far, il primo libro fotografico lanciato da ADAD Books, Londra, e includerà una prefazione del famoso fotografo russo Boris Mikhailov. Il volume verrà presentato a luglio al Festival di Fotografia Les Rencontres d’Arles con una conversazione tra l’artista e il curatore della Tate Modern, Simon Baker.

Emile Hyperion Dubuisson è nato a Parigi e vive a New York. Il suo primo libro, Far, verrà pubblicato dall’editore londinese ADAD a luglio, con una prefazione di Boris Mikhailov. Prima di immergersi negli studi di fotografia presso l’ International Center of Photography nel 2007, ha studiato cinema alla Universite Paris 8 in Francia ed è stato assistente del direttore della fotografia in molti set di film francesi. Il suo lavoro composto da una commistione di cinema e fotografia, è stato esposto in numerose mostre collettive a New York tra cui una da Jenkins Johnson ed una da De Castellane Galleries. Foam Magazine lo ha nominato artista dell’anno nel contest Talent 2010, ha ricevuto il premio della giuria nella Project Competition 2011 del Center Santa Fe ed è stato invitato a partecipare alla giuria di Photo Espana 2008. E’ stato uno dei finalisti dell’Heyers Festival nel 2011 e del The Royal Monceau Raffles 2011 a Parigi.

Allen Frame vive a New York dove insegna fotografia alla School of Visual Arts, al Pratt Institute, e all’ International Center of Photography. Ha inoltre tenuto workshops di fotografia in Messico e Russia. Il suo libro, Detour, una raccolta delle sue fotografie di oltre un decennio, è stato pubblicato da Kehrer Verlag Heidelberg nel 2001. E’ rappresentato dalla Gitterman Gallery di New York dove ha tenuto una mostra personale nel 2009. Il suo lavoro è stato incluso nelle esposizioni del Baltimore Museum of Art e del Fotomuseum a Winterthur, Svizzera. E’ stato curatore di numerose mostre presso spazi espositivi non‐profit di New York, compresa la mostra Anatomy, Persona, and the Moment: 70’s Experimental Photographs di Luigi Di Sarro al Camera Club di New York nel 2010. Attualmente è Presidente della Commissione del Camera Club di New York, oltre che produttore esecutivo del nuovo film Four, diretto da Joshua Sanchez, vincitore di numerosi premi.

Mauro Restiffe vive a San Paolo, Brasile, dove è rappresentato dalla Galeria Fortes Vilaca. Ha studiato presso la FAAP University di San Paolo prima di giungere all’ International Center of Photography di New York ed è stato un borsista presso la New York University dal 2001 al 2003. Tra le sue esposizioni spiccano ‘Recorrencias’ alla Galeria Fortes Vilaça di São Paulo, Brasile, ‘Mirante’ a PhotoEspania nel 2009, Madrid, Spagna, e ‘In Process’ presso la Urbach Architecture Gallery di New York. Attualmente il suo lavoro è esposto in una mostra personale presso il Museu de Arte Contemporanea di San Paolo. Ha partecipato a numerose esposizioni collettive tra cui il BESPhoto Awards di Lisbona nel 2011, la 27. Biennale di San Paolo e la Biennale di Taipei del 2006. Ha ricevuto la Fellowship ApArtes dal Ministero della Cultura di Brasilia, il The Louis Comfort Tiffany Biennial Award, NY e The Rema Hort Mann Art grant sempre a New York. Il suo lavoro è parte della collezione permanente di grandi istituzioni come la Tate Modern, Londra, l’ SFMOMA, San Francisco, il CGAC, Santiago de Compostela, la Fondazione Fotografia Cassa di Risparmio di Modena, Modena, la Thyssen Bornemisza Art Contemporary, Vienna, il Museu de Arte Moderna, San Paulo e l’ Inhotim Instituto de Arte Contemporânea, Minas Gerais.

Acta International & LuminUp
Via Panisperna 82/83 Roma +39 06 4742005

24 maggio – 28 giugno 2013

dal lunedì al venerdì ore 16.00 ‐ 20.00 sabato su appuntamento

If You do Not Live, Can Not Die

Mostra di Luca Turchi

SPAZIO ZERO, via Ronchetti n. 6 Gallarate VA

tel./fax 0331.777472

Dal 25 maggio al 9 giugno 2013

Inaugurazione sabato 25 maggio alle ore 18.00

Orario: da martedì al sabato  17.00-19.00
domenica 10.00-12.30/17.00-19.00; lunedì chiuso

“If You do Not Live, Can Not Die” è il titolo della mostra personale di Luca Turchi organizzata da Metamusa Arte ed Eventi allo Spazio Zero di Gallarate dal 25 maggio al 9 giugno 2013.

Artista poliedrico, autoironico, estroverso, distratto, fuori dagli schemi, Luca Turchi fin dagli anni novanta libera la sua indole artistica in opere controtendenza nell’interpretare tutto ciò che lo circonda. Per molti anni ha scelto di non esporre al pubblico vivendo la sua idea artistica come intima ricerca personale.

Allo Spazio Zero presenta la sua prima mostra personale con una selezione di opere che spaziano dalla tela, alla scultura, all’installazione.

Egli crea in totale indipendenza da scuole o correnti di pensiero, ama sperimentare la contaminazione di stili e materiali prediligendo per lo più il processo di recupero di ciò che è necessario all’opera. Dalla tela, al colore, al legno. Il lavoro di ricerca dei materiali utili diventa dunque interessante e parte fondamentale dell’oggetto creato. Aziende tipografiche per il colore, ditte più diverse per  i differenti materiali quali colle, piastrelle, acciaio, tessuto ecc.

Il risultato finale è un amalgama di materiali riciclati che concilia arte e design, secondo una definizione che lo stesso artista sceglie per raccontare le sue opere “Contemporary art recycled and design”.

La mostra sarà visitabile fino al 9 giugno.

Luca Turchi nasce nel 1964 a Senigallia, è un artista nato per caso  che  ha scelto di non esporre  al pubblico le sue opere fino a questo momento.

Per ogni informazione
METAMUSA
via C. Battisti, 9 – 21013 Gallarate VA

T/F  0331 777472
info@metamusa.it

www.metamusa.it

www.facebook.com/metamusa.eventi

Giovedì 16 maggio alle ore 18 il Museo Nazionale Archeologico aprirà le porte alla cretività under 35 anni. Per l’occasione tre artisti invitati al progetto, Pablo Chiereghin, Emmanuele Panzarini, Giorgia Severi, racconteranno la loro avventura a DeltArte.
In particolare, Pablo Chiereghin realizzerà la performance All the times that I told the story of my place. In questo caso l’io narrante coincide con lo stesso autore che descrive, all´interno della narrazione, le intercapedini e i fraintendimenti trascorsi nel raccontare la storia della sua città d’origine. L’opera presentata in una personale alla Das Weisse Haus a Vienna e ad una mostra alla Kunstverein di Schattendorf (AT), ritorna alle sue origini portando con sé tutte le volte che è stata raccontata.
Museo Archeologico Nazionale di Adria
Via Giacomo Badini 59 – 45011 Adria (RO) Tel. Fax 0426 21612
Orari 8.30-19.30.

Segreteria Organizzativa
Centro Studi Agnese Baggio
Via de’ Ronconi 11 – 45011 Adria (RO)
MR Comunicazione
Dott.ssa Melania Ruggini

Mobile 349 2595271
eMail melaniaruggini@gmail.com
MR Comunicazione
Dott.ssa Melania Ruggini

La mostra presente è un ideale prosecuzione e sintesi di due mostre precedenti: “Di luce e di ombra (Le ragioni del sentimento)”, doppia personale di Boldrini e Facchinetti a Venezia, Palazzo Zenobio, nell’ottobre 2012 e “Orizzonti”, doppia personale di Boldrini e Patarini alla Galleria Vista di Roma nel marzo 2013.

“Spazi carichi di attese, di energia rappresa, trattenuta, in cui si gioca l’eterna partita tra l’istinto e la riflessione, tra la ragione e il sentimento. C’è la forza del gesto che si esprime attraverso pennellate decise, evidenti, ma poi c’è un’incessante ricerca di equilibri, in un gioco di pesi e contrappesi.”

Virgilio Patarini

Per ulteriori informazioni galleria.zamenhof@gmail.com

Zamenhof Art via Breno, 1 – Milano tel 02.83660823

Inaugurazione Sabato 18 Maggio 2013 ore 18,00

dal  18 al 29  Maggio  2013

Cura ed allestimento di Massimiliano Sbrana

Artisti presenti :  MAURIZIO CARGIOLLI, SILVANA FRANCO, VEZIO MORICONI, PIER LUIGI PUCCINI

Promosso da: GAMeC CENTROARTEMODERNA di PISA

Sede : GAMeC CentroArteModerna – Lungarno Mediceo, 26 Pisa – www.centroartemoderna.com – tel. 050542630

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Versiliesi sulle rive dell’Arno

Si inaugura Sabato 18 maggio  alle ore 18,00 presso il GAMeC CentroArteModerna di Pisa  (sul Lungarno Mediceo al numero 26) la mostra “Versiliesi sulle rive dell’Arno”, curata  e ordinata da Massimiliano Sbrana, che ospiterà per la prima volta a Pisa, nel secondo appuntamento con il progetto “Itinerari Artistici d’Italia”,  le opere di 4 noti ed apprezzati artisti versiliesi ossia MAURIZIO CARGIOLLI, SILVANA FRANCO, VEZIO MORICONI, PIER LUIGI PUCCINI.

Maurizio Cargiolli nasce a Carrara nel 1963 e si avvicina alla pittura nel 1978 frequentando la studio di un noto pittore prima e poi il circolo culturale di Sarzana con le prime collettive. Dopo gli studi all’Accademia di belle arti di Carrara si trasferisce a Milano collaborando con una nota galleria.  Nelle sue ultime opere il paesaggio della memoria anche se presente regredisce per l’imperiosa ricerca di uno spazio interiore libero da canoni estetici. Il suo risulta quindi non essere un mero esperimento ma una scelta ed un modo di veder secondo la forma essenziale del disegno misurato, intento a cogliere il particolare delle proprie emozioni.

Silvana Franco è nata a Troia (FG) nel 1950.  Da qualche anno, sono cominciate “le stagioni versiliane” della pittrice e nei suoi dipinti si sono perfezionate le pennellate rapide in successione, i colpi di spatola senza ripensamenti, e le scelte cromatiche riflettenti il momento e il periodo dell’emozione sempre controllata. La spiaggia e gli spazi boschivi, i fossi, le Alpi Apuane in lontananza con le ferite marmoree delle cave, il lago di Massacciuccoli, di pucciniana memoria, i chiari delle paludi massarossesi e l’argento olivato delle colline, fanno parte di un inesauribile serbatoio cui l’artista attinge.

Vezio Moriconi (Camaiore 1971) si laurea all’Accademia di Belle Arti di Carrara. Si forma poi con approfonditi studi sull’arte della scultura, muovendo i primi passi proprio in questa disciplina. La sua ricerca si muove fin dall’inizio quindi su binari paralleli della linguistica scultoria e pittorica che è dettata dal fatto che non tutto è scontato, ne tanto meno è suggerita da episodi occasionali, ma piuttosto dalla originalità della propria escursione interiore.  Nel suo lavoro più attuale l’ironia si propaga repentina e colpisce inesorabilmente i “buffi personaggi” che abitano le sue opere che altro non sono che una trasposizione di noi stessi, nelle nostre piccole nascoste mostruosità, dei nostri ingenui travestimenti e delle nostre fragilità.

Pier Luigi Puccini (Lucca 1948)  noto ed apprezzato illustratore di libri e manifesti ha da sempre  trovato il suo campo di attività preferito nella la pittura, cui ha affiancato  dal 1980 la scenografia e la grafica. Nell’arte di Puccini la narrazione resta elemento primario e fondamentale. Il suo linguaggio infatti, attingendo ad un espressionismo personalizzato, in cui la presenza di situazioni iperbolicamente esaltate, anche come tristi memorie generazionali, diventa emblema di una realtà di cui l’artista è, di volta in volta, ora osservatore dissacrante e aggressivo, ora protagonista discreto e ironico, ora artefice di armonie ritrovate.

Altre informazioni disponibili al più presto sul sito: www.Centroartemoderna.com . Per appuntamenti tel 050542630 o email: mostre@centroartemoderna.com

La mostra proseguirà fino al 29 Maggio 2013 con (ingresso libero).

Orari: 10-12,30/16,30-19,00 (feriali); Domenica 19 maggio 2013 17,00-19,30 (festivi telefonare) ;  chiuso lunedì mattina.

Ufficio stampa:
Massimiliano Sbrana
mobile +39 3393961536
e-mail mostre@centroartemoderna.com

Si autorizza la pubblicare testi e immagini relativi alla mostra IN OGGETTO. Si dichiara che per le immagini e per i testi contenuti nel predetto comunicato non esistono  VINCOLI SIAE NE’ VINCOLI DI ALCUN TIPO.

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Laboratorio di fotografia per bambini dai 7 agli 11 anni

a cura di FOTOgrafica in collaborazione con s.t. foto libreria galleria

Domenica 19 Maggio ore 16,00 – 18,00

s.t. foto libreria galleria ospita all’interno del proprio spazio il laboratorio di fotografia per bambini “C’era una volta…la mia storia”… L’album fotografico: una storia da vedere e da raccontare” a cura di FOTOgrafica, organizzazione culturale specializzata nella didattica fotografica e con maturata esperienza sia nell’attività fotografica che in quella espositiva.

Cit. “Apparteniamo a un mondo di memorie, di ricordi, di racconti, di storie che vengono condivisi con noi fin dai primi attimi di vita, tracciando insieme a noi il nostro itinerario nel mondo.

La fotografia risponde a molteplici funzioni: fa risalire alle origini della famiglia (i ritratti dei

nonni, dei genitori da piccoli), sottolinea i riti di passaggio (la prima comunione, il servizio

militare, la laurea,il matrimonio), documenta un evento o ravviva un ricordo, un’emozione. Solo quando è accompagnata da un esercizio riflessivo (…), il senso della fotografia emerge però in tutta la “verità” (…). L’album di famiglia è un oggetto dai molteplici significati, che si presta a tutte le proiezioni, e anche a qualche scoperta. (Formenti Laura, Pedagogia della famiglia, Guerini Studio, Milano, 2000)”.

“C’era una volta …la mia storia…” è un laboratorio 90 minuti rivolto ai bambini dai 7 agli 11 anni.

Il laboratorio prevede un breve approccio empirico e conoscitivo relativo a concetti quali il trascorrere del tempo, il riconoscimento dell’immagine fotografica in quanto ricordo di ciò che era ed è stato, la costruzione di un personale percorso fotografico che racconti una storia “da vedere e da raccontare”, nonchè lo sperimentare l’uso della macchina fotografica.

Durante lo svolgimento degli incontri si parlerà dall’album fotografico si forniranno brevi accenni relativi alla sua nascita e si inviteranno i bambini a scattare fotografie secondo le regole della composizione fotografica al fine di comporre una storia personale creando un vero e proprio album personale.

All’interno del laboratorio verranno svolte attività manuali e sperimentazioni didattiche.

I bambini verranno sollecitati a creare una storia fotografica da assemblare creativamente e portare con se’ al termine dell’incontro laboratoriale.”

All’interno dello spazio didattico è previsto un break merenda.

In aula Cristina Gradellini e Francesca Natale

In collaborazione con Paola Paleari

Prenotazione obbligatoria

Costo del laboratorio €15

Per info e prenotazioni

s.t. foto libreria galleria

via degli ombrellari, 25 Roma (Borgo Pio)

tel +39 0664760105

info@stsenzatitolo.it

www.stsenzatitolo.it

musiche di:
Johannes Brahms – Paul Hindemith

Ingresso € 10,00

Ottava Nota – Auditorium
via Marco Bruto 24
0289658114 3388576271
info@ottavanota.org
www.ottavanota.org

The setting is a sparkling Venice city, which is already vibrating for the 55th edition of the Biennale d’Arte, curated by Massimiliano Gioni. The title chosen by Massimiliano Gioni for the 55th International Art Exhibition is: Il Palazzo Enciclopedico / The Encyclopedic Palace. Massimiliano Gioni introduced the choice of theme evoking the self-taught Italian-American artist Marino Auriti who, on November 16, 1955, filed a design with the US Patent Office depicting his Palazzo Enciclopedico (The Encyclopedic Palace): an imaginary museum that was meant to house all worldly knowledge, bringing together the greatest discoveries of the human race, from the wheel to the satellite. Auriti’s plan was never carried out, of course, but the dream of universal, all-embracing knowledge crops up throughout history, as one that eccentrics like Auriti share with many other artists, writers, scientists, and prophets who have tried – often in vain – to fashion an image of the world that will capture its infinite variety and richness.

These personal cosmologies, with their impossibility to catalog the omniscience, shed light on the constant challenge of reconciling the self with the universe, the subjective with the collective, the specific with the general, the individual with the culture of its time. A fully imaginative scenery of human acknowledgments will back Cueva’s quest about “Sapere Aude”, becoming the spark for the Illuminist manifesto: an excitement about feeding oneself without shame; the need of knowledge, the bravery of using our own intelligence.

To transpose this concept in the Venetian environment, this becomes an invitation to expose and confront with the world without having to bend oneself to the system’s rules and regulations. To express one’s creativity and imagination free from universal contamination and traditional academic schemes. The connection then stems from “pure liberty”. “Liberty to dare” allows a brave artist to express thoughts, styles and art capturing each and every one’s time; reinterpreting through forms and colors dedicated to the language of our souls.

SAPERE AUDE

A fare da cornice una Venezia in fermento per il tradizionale appuntamento con la Biennale d’Arte. La 55ma edizione è curata da Massimiliano Gioni che porterà in laguna il sogno dell’artista italo americano Marino Auriti: “Il Palazzo enciclopedico”. «La sfida – spiega il curatore – è di conciliare il sé con l’universo, il soggettivo con il collettivo, il particolare con il generale, l’individuo con la cultura del suo tempo. Oggi, alle prese con il diluvio dell’informazione, questi tentativi di strutturare la conoscenza in sistemi omnicomprensivi ci appaiono ancora più necessari. La biennale indagherà proprio queste fughe dell’immaginazione in una mostra che, come il Palazzo Enciclopedico di Auriti, combinerà opere d’arte contemporanea e reperti storici, oggetti trovati e artefatti.»

Un museo immaginario del sapere umano universale. Questo lo scenario che farà da sfondo all’indagine che Cuevas propone partendo, invece, dal motto kantiano “Sapere Aude”, divenuto incipit del manifesto illuminista: un’esortazione a “dissetare senza remore” il desiderio di conoscenza, ad avere il coraggio di servirsi della propria intelligenza.

Calato nel contesto veneziano diviene un invito a confrontarsi con il mondo senza attenersi alle regole dettate dal sistema, a esprimere la propria creatività ed immaginazione, liberate da contaminazioni universali e da tradizionali schemi accademici.

Il fil rouge diviene quindi la “pura”  libertà che si ritrova nel coraggio dell’artista nell’ “osare”, esprimere pensieri, stile e arte, catturando l’essenza del proprio tempo, reinterpretandola attraverso forme, colori, linguaggi consoni all’anima.

Curated/Curatela by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

Artists/Artisti: Massimo Casagrande, Salvatore Scafiti, Luis Cuevas, Claudio Grandinetti, Marco Bottin, Luis Cuevas, Francesco Mangiaracina, Monica Michelotti, Susan Dorothea White, Andrea Angeli, Manuel Casellas, Alba Francesca Battista, Adolfina De Stefani, Antonello Mantovani, Daniele Sartori, Antonio D’Amato, Vania Broccoli, Federico Meneghello, LoV, The Cool Couple, Valentina Furian, Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic.

SAPERE AUDE SPECIAL EVENTS

Vernissage Venerdi 31 maggio ore 18.30

Preview “Sapere Aude” by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

LUNAPARK FOR GHOSTS (1). Performance and video installation  by LoV

Domenica 2 Giugno ore 18.30

GUARDARE LE COSE PRESENTI IN VISTA DI COSE ASSENTI. Video installation by Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic

Venerdi 7 Giugno ore 18.30

IL TERZO SCIMPANZÉ. Video installation by The Cool Couple

Sabato 15 Giugno ore 18.30

UNTITLED. Interactive video and sound wall installation by Valentina Furian

Sabato 22 Giugno ore 20.00

VENTAGLIO E SOGGETTO SOTTOVENTO.Performance by Chiara Vighetto &Flavio Moro

WHAT ABOUT ALICE? Video art by Daniele Sartori

VERNICE CONTEMPORANEA  Art Night Party

Finissage Sabato 29 Giugno ore 18.30

LUNAPARK FOR GHOSTS (2) EVOLUTION including HEART the EARTH). Performance and  video installation by LoV

Open:Saturday, 01 June 2013

Close:Sunday, 30 June 2013

Opening hour: Tue – Sun | 11am – 6pm

Address: Palazzo Storico Ca’ Zanardi-Calle Zanardi,4132-Canareggio

Phone: +39 041 241 3305 / ++39 348 29 18 251

Mail: vernicecontemporanea@gmail.com

Web: www.vernicecontemporanea.it   http://www.facebook.com/vernicecontemporanea

How to get

From Piazzale Roma or the Railway Station take the vaporetto (water bus) n°1 and get off at the Ca doro stop. Exit the small street until you reach the main walkway Strada Nuova. Turn right and proceed for 20 meters, before reaching Campo Santa Sofia, turn left into Calle dei Priuli. Cross the bridge and turn right. Proceed alond Ruga Due Pozzi, cross the S.Andrea bridge and turn left. You’ll immediately see the main gate of Ca Zanardi Palace on the left ( Street Number 4132).

Come arrivare

Da Piazzale Roma o dalla Stazione Ferroviaria prendete il vaporetto n°1 e scendete alla fermata di Ca’ d’Oro, percorrete tutta la calle situata davanti all’imbarcadero fino a trovarvi in Strada Nuova. Girate a destra e avanzate per circa 20 metri: prima di Campo Santa Sofia, girate a sinistra per Calle Priuli, quindi attraversate il ponte e girate a destra percorrete tutta la Ruga 2 pozzi attraversate il ponte S. Andrea 10m e al civico 4132 troverete Ca’ Zanardi.

Download the map:

http://www.cazanardi.eu/images/stories/mappacazanardi.pdf

SAPERE AUDE

A fare da cornice una Venezia in fermento per il tradizionale appuntamento con la Biennale d’Arte. La 55ma edizione è curata da Massimiliano Gioni che porterà in laguna il sogno dell’artista italo americano Marino Auriti: “Il Palazzo enciclopedico”. «La sfida – spiega il curatore – è di conciliare il sé con l’universo, il soggettivo con il collettivo, il particolare con il generale, l’individuo con la cultura del suo tempo. Oggi, alle prese con il diluvio dell’informazione, questi tentativi di strutturare la conoscenza in sistemi omnicomprensivi ci appaiono ancora più necessari. La biennale indagherà proprio queste fughe dell’immaginazione in una mostra che, come il Palazzo Enciclopedico di Auriti, combinerà opere d’arte contemporanea e reperti storici, oggetti trovati e artefatti.»

Un museo immaginario del sapere umano universale. Questo lo scenario che farà da sfondo all’indagine che Cuevas propone partendo, invece, dal motto kantiano “Sapere Aude”, divenuto incipit del manifesto illuminista: un’esortazione a “dissetare senza remore” il desiderio di conoscenza, ad avere il coraggio di servirsi della propria intelligenza.

Calato nel contesto veneziano diviene un invito a confrontarsi con il mondo senza attenersi alle regole dettate dal sistema, a esprimere la propria creatività ed immaginazione, liberate da contaminazioni universali e da tradizionali schemi accademici.

Il fil rouge diviene quindi la “pura”  libertà che si ritrova nel coraggio dell’artista nell’ “osare”, esprimere pensieri, stile e arte, catturando l’essenza del proprio tempo, reinterpretandola attraverso forme, colori, linguaggi consoni all’anima.

Curated/Curatela by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

Artists/Artisti: Massimo Casagrande, Salvatore Scafiti, Luis Cuevas, Claudio Grandinetti, Marco Bottin, Luis Cuevas, Francesco Mangiaracina, Monica Michelotti, Susan Dorothea White, Andrea Angeli, Manuel Casellas, Alba Francesca Battista, Adolfina De Stefani, Antonello Mantovani, Daniele Sartori, Antonio D’Amato, Vania Broccoli, Federico Meneghello, LoV, The Cool Couple, Valentina Furian, Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic.

SAPERE AUDE SPECIAL EVENTS

Vernissage Venerdi 31 maggio ore 18.30

Preview “Sapere Aude” by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

LUNAPARK FOR GHOSTS (1). Performance and video installation  by LoV

Domenica 2 Giugno ore 18.30

GUARDARE LE COSE PRESENTI IN VISTA DI COSE ASSENTI. Video installation by Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic

Venerdi 7 Giugno ore 18.30

IL TERZO SCIMPANZÉ. Video installation by The Cool Couple

Sabato 15 Giugno ore 18.30

UNTITLED. Interactive video and sound wall installation by Valentina Furian

Sabato 22 Giugno ore 20.00

VENTAGLIO E SOGGETTO SOTTOVENTO.Performance by Chiara Vighetto &Flavio Moro

WHAT ABOUT ALICE? Video art by Daniele Sartori

VERNICE CONTEMPORANEA  Art Night Party

Finissage Sabato 29 Giugno ore 18.30

LUNAPARK FOR GHOSTS (2) EVOLUTION including HEART the EARTH). Performance and  video installation by LoV

Open:Saturday, 01 June 2013

Close:Sunday, 30 June 2013

Opening hour: Tue – Sun | 11am – 6pm

Address: Palazzo Storico Ca’ Zanardi-Calle Zanardi,4132-Canareggio

Phone: +39 041 241 3305 / ++39 348 29 18 251

Mail: vernicecontemporanea@gmail.com

Web: www.vernicecontemporanea.it   http://www.facebook.com/vernicecontemporanea

How to get

From Piazzale Roma or the Railway Station take the vaporetto (water bus) n°1 and get off at the Ca doro stop. Exit the small street until you reach the main walkway Strada Nuova. Turn right and proceed for 20 meters, before reaching Campo Santa Sofia, turn left into Calle dei Priuli. Cross the bridge and turn right. Proceed alond Ruga Due Pozzi, cross the S.Andrea bridge and turn left. You’ll immediately see the main gate of Ca Zanardi Palace on the left ( Street Number 4132).

Come arrivare

Da Piazzale Roma o dalla Stazione Ferroviaria prendete il vaporetto n°1 e scendete alla fermata di Ca’ d’Oro, percorrete tutta la calle situata davanti all’imbarcadero fino a trovarvi in Strada Nuova. Girate a destra e avanzate per circa 20 metri: prima di Campo Santa Sofia, girate a sinistra per Calle Priuli, quindi attraversate il ponte e girate a destra percorrete tutta la Ruga 2 pozzi attraversate il ponte S. Andrea 10m e al civico 4132 troverete Ca’ Zanardi.

L’architettura, letta nella sua storia e nel suo evolversi, degradarsi ed essere restaurata, costituisce per Cina Conforto testimonianza dei più generali temi della metamorfosi e della dialettica fra infinito, indefinito e finito: “il disegno e lo stesso manufatto si trasformano nel tempo e nell’uso, per il decadere dei sistemi componenti, per il confronto col contesto, per le variazioni della natura in un continuo processo di metamorfosi di luci, ombre, riflessi, per il moto degli elementi, per la presenza dell’uomo”. E ancora: “in termini matematici anche l’immensamente grande corrisponde a un sistema finito, ma spesso si attribuisce il concetto di infinito all’indefinito in quanto senza limiti. Ma se solo il nulla può definirsi realmente infinito in quanto senza limiti, nello spazio il limite che definisce l’infinito può essere superato dall’ immaginazione che diviene così un possibile strumento non solo di progetto, ma anche di indagine e di conoscenza: attribuisce il concetto di infinito all’indefinito”.

L’operazione di progetto interposta fra materia e forma, nel restauro e negli allestimenti permanenti, come nella copertura dell’Arco di Costantino o alla Crypta Balbi, attinge alla stessa cosmogonia; i suoi interventi, dal dettaglio all’insieme, sono caso per caso nuovi, supportati dalla fantasia e non riconoscibili come citazioni di esempi. Dettagli costruttivi nei quali sempre la qualità architettonica gareggia con l’elevatissimo interesse del bene culturale. Una personalità ironicamente attonita, come appunto in un teatro dell’assurdo, di fronte alla scarsità dei risultati che la mancanza, e il cattivo uso di risorse e cultura consentono di ottenere per il miglioramento della qualità della vita, rispetto alle energie profuse nella ricerca e nel progetto.

G.L.D.L.

Nella contemporanea società liquida l’arte è diventata sfuggente, leggera, modulare, estremamente movibile. Il gioco, l’applicazione, l’associazione, l’interconnessione sono i paradigmi dello stile di vita della modernità liquida dove è più importante la velocità di movimento che la capacità di sostare a lungo in un determinato luogo. La capacità di modulare il proprio lavoro e distribuirlo in un ampio spazio e in breve tempo ricomporlo in un unico luogo assurge a nuovo valore, così come rappresentare la realtà con il gioco e con gli elementi costitutivi le nuove realtà virtuali. Il gioco e il bitmap che disegna il “virtual game”, sono connettibili e trovano il proprio naturale spazio nelle applicazioni che aiutano a sopravvivere in un mondo ormai liquidamente individualista. Alla decontestualizzazione di tali elementi, di cui l’attuale modernità è intrisa/assuefatta, ci pensa l’artista/designer di oggetti senza funzione, o con una funzione puramente rappresentativa, che punta alla presa di coscienza di un mondo ormai proiettato verso un nuovo stile di vita, dove conta più la capacità di interazione che quella di costruzione.

Liquid connections

In the contemporary liquid society the art is changed and now is light, receding, modular, extreme moved. The game, the application, the association, the interconnection are the paradigms of the style of life of the liquid modernity where is more important the speed of move who the capacity of stay much in a determinate place. The capacity of modular the own work and distribute it in a great space and in little time recompose it in a only place is a new valor, that as represent the realty with the games and with the constitutive elements the new virtual reality. The game and the bitmap who draws the “virtual game”, are connecting between their to find the own natural space in the applications who help the survival in a world now liquidly individualist. At the decontextualization of this elements, of which the actual modernity is addicted, there think the artist/designer of objects without function, or with a function pure representative, who mire at the catch of consciousness of a world now projected to a new style of life, where is more important the capacity of interaction who that of costruction.

The artists in exhibition
Marta ALESSIO
Stefano BOLCATO
Luciano FABALE
Francesca FINI
Micaela LATTANZIO
Dunia MAURO
Veronica MONTANINO
Chris NIX
Luciano PERROTTA
Cristiano PETRUCCI
Fabio PISTILLO
Maria Manuela POCHETTI
Valerio RICCI
Gloria SECHI

pagina evento facebook

Sabato 25 dalle ore 15.00 alle 19.00 e Domenica 26 Maggio dalle 10.00 alle 19.00, Vi aspettiamo per la tradizionale manifestazione annuale di cantine aperte, nella Azienda vitivinicola “il Colle”  a San Pietro di Feletto, situata nel cuore della celebre strada del Prosecco e vini dei Colli Conegliano Valdobbiadene.

La giornata si prospetta piacevole sia per la degustazione degli ottimi vini prodotti, sia per l’interessante visione delle opere del maestro Roberto Piaia, che presenta dipinti olii su tela e in anteprima alcune opere di bronzo e il ‘busto di Fabio’ in marmo di Carrara.

Roberto Piaia, pittore e scultore, partecipa esponendo alcune sue opere nella caratteristica ‘barricaia’, evento  divenuto oramai un consueto appuntamento alla quale aderisce con piacere sia per l’amicizia con i titolari, sia per il legame con la sua amata terra d’origine dalla quale trae ispirazione osservando il riverbero di luci e colori che solo la natura offre, trasferendoli poi, con la sua magistrale abilità sulla tela avvolgendo i soggetti e gli oggetti della sua narrazione artistica.

L’artista vive e lavora a Pieve di Soligo (TV) e a Pietrasanta (LU), rinomata cittadina toscana sede prediletta da Michelangelo, ricca di fonderie artistiche a due passi da Carrara, dove Piaia crea le opere scultoree che si distinguono, come la sua modalità di dipingere, attraverso creazioni che mantengono la base classica, espressione di maestria nell’esecuzione, ma nel contempo esprimono idee nuove di contemporaneità.

Si prospetta quindi una giornata piacevole ed interessante la visita alla cantina, oltre che degustare ottimi vini si offre la possibilità di contemplare le opere del maestro ed entrare attraverso  le sue delucidazioni nell’affascinante mondo artistico.

In anteprima l’artista presenta il ‘busto di Fabio’, ritratto del titolare della Cantina eseguito in marmo di Carrara.

L’Azienda vitivinicola “Il Colle” è nata nel 1978 ed è sorta nell’incantevole scenario  delle verdi colline della Marca Trevigiana, dove la bellezza, il rispetto per i valori antichi ed il progresso si congiungono senza attriti, dove la tipica accoglienza veneta si riscontra nei signori Gianna e Fabio Ceschin titolari dell’azienda trasmettendola ai loro figli e al personale specializzato, con cordialità, vi accompagneranno nella visita della cantina; l’itinerario parte  dalla  suggestiva ‘bottaia’ dove è spiegato il processo di vinificazione delle uve provenienti dai vigneti di proprietà e da storici fornitori, si prosegue in sala degustazione, dove si possono assaporare le qualità dei  vini prodotti, dal rosso, al passito, al celebre Prosecco Dogc e all’innovativo Prosecco Biologico ‘Colle Baio’, frutto della continua evoluzione dell’azienda, consapevole che il vero ‘progresso’ si basa soprattutto nel pieno rispetto della salute e dell’ambiente. Il tutto è offerto accompagnato da  stuzzichini e prodotti tipici della Marca Trevigiana.

Patrocini: Provincia Treviso, Comune San Pietro di Feletto

Incontro tra Arte&Prosecco

Roberto Piaia espone a Cantine Aperte

Sabato 25 Maggio ore 15,00-19.00         

Domenica 26 Maggio 2013  ore 10,00 19,00

Azienda vitivinicola “Il Colle”

Via Colle 15

San Pietro di Feletto (TV)

www.proseccoilcolle.it

Info:

Tel:  (+39) 0438 48 69 26

Fax: (+39) 0438 78 79 58

info@proseccoilcolle.it

Roberto Piaia

www.robertopiaia.com

carmen@robertopiaia.com

Mob:   (+39) 339 20 64 275

Tel/Fax: (+39) 0584 710 20

MAURIZIO TAIOLI

Via crucis

TURI RAPISARDA

Nigredo

MARIA TERESA ROSA

La donna che diventerò

La nuova stagione espositiva del Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea prende avvio con tre mostre personali nella parte occidentale del complesso. Verrà infatti eccezionalmente aperto lo storico ingresso pedonale al parco, situato su Piazza Sillano e progettato negli anni Settanta dell’Ottocento da Alfredo d’Andrade, giunto al castello con Carlo Pittara, capofila dei paesaggisti della Scuola di Rivara.

A testimonianza del grandioso e tormentato progetto redatto dall’architetto portoghese per realizzare nel parco una seconda via d’accesso ad ovest – rimasta incompiuta a causa dell’ingente impegno economico che il nuovo assetto monumentale avrebbe comportato – rimane una serie di strutture lucidamente distribuite e visibili in quest’occasione: il portale d’ingresso, la salita adiacente all’antica torre civica e gli ampi terrazzamenti.

Accoglie il visitatore e lo accompagna nell’ascesa alla Villa Neobarocca, la Via crucis di  Maurizio Taioli. L’artista veronese ha raccolto suggestioni dai diversi media per ampliare il suo campionario di silhouette in lamiera che parlano di aggressività e di labilità nel confine tra realtà e finzione, tra immaginario e vita quotidiana. Novelle stazioni del dolore, esse conducono al culmine della (sacra) rappresentazione: sette tele col martirio di San Sebastiano, tra i santi cristiani più rappresentati nell’arte e immagine per eccellenza – dopo Cristo – della Passione.

In questi acrilici su lino – d’après Botticelli, Antonello da Messina, Mantenga, Perugino, Rubens, Guido Reni, Mattia Preti – Taioli ancora rielabora informazioni visive, ma non più in meri contorni come per le sagome metalliche. Nelle dimensioni di tradizionali pale d’altare, nell’assenza di dettagli anatomici, nelle campiture piatte di colori chiassosi, si moltiplica e perpetua una brutalità lontana ma attualissima: Sebastiano è icona senza tempo e senza spazio.

I soggetti dei ritratti fotografici di Turi Rapisarda emergono dalla tenebra, colpiti da un fascio luminoso duro e accecante, che disegna chiaroscuri impietosi, dal quale si difendono come da una forza metafisica e dis-velatrice di storie e di sensi. Un’installazione in divenire, che si storicizza nella parallela trasposizione su carta da parati in convivenza con la boiserie storica della Villa Neobarocca.

Il vaso-bottiglia in terracotta è una delle cifre figurative di Maria Teresa Rosa e, per il Castello di Rivara, marca il legame secolare con la tradizione ceramica di Castellamonte. Questa serie di donne-bottiglia si colloca al crocevia tra arte decorativa, scultura e fiction narrativa e segna uno scarto nella produzione dell’artista. L’aspirazione ad offrire un destino alternativo a consolidati stereotipi femminili -letterari, artistici, cinematografici, mitologici e religiosi – ha infatti indotto il ribaltamento del processo creativo: dodici donne d’oggi hanno partecipato all’affrancamento dalla prigionia inventando altrettante vite ‘altre’, suggestioni e guide per la successiva plasmazione. Emancipate dal peso del proprio nome, queste figure sperimentano oggi un’ulteriore liberazione: allestite nella Sala Egizia, conversano in ieraticità con i geroglifici di fantasia della Scuola di Rivara, tanto cari al gusto decorativo ottocentesco squisitamente torinese, a partire dalla confluenza in città, dall’inizio del secolo, di reperti egizi.

quando: 12 maggio – 6 ottobre 2013

dove: Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea

Piazza Sillano 2 – 10080 Rivara (TO)

info: www.castellodirivara.it – info@castellodirivara.it – +39 0124 31122

domenica 26 maggio

dalle ore 11

Due installazioni di Davide Dormino si inseriscono nelle Scuderie del Castello di Rivara con la medesima carica di invasione energetica ribelle e virale.

Al piano terra L’origine della Trama, presentata durante l’edizione 2012 di Altaroma e nel luglio successivo a Dresda per Ostrale, e al piano terra Magnetism, realizzata per questa personale.

Entrambi i lavori sono in ferro, di grandi dimensioni e, secondo lo stile artistico di Dormino, sfuggono su linee e segni grafici da superfici rigide e precise come la piastra di ferro o lo scheletro dell’ago magnetico. Occupano lo spazio, lo invadono nel momento in cui si ribellano ad una funzione o ad un ordine precostituito, seguono il disegno voluto dall’artista solo perchè lui celebra, assecondandola, la loro anarchia.

Davide Dormino lavora a Roma ad opere pubbliche e private, concentrando la sua ricerca formale sul rapporto con la materia, piegandola alle proprie necessità espressive fino a stravolgerne la natura. E’ scultore prima di ogni altra cosa, impiega la forza fisica come gli scultori della nostra immaginazione, lavora il marmo ma soprattutto il ferro, che sceglie per disegnare nello spazio. Il suo disegno racconta sempre l’energia spontanea, l’andamento magnetico naturale del coraggio di trasgredire e cambiare strada.

A rafforzare il progetto, l’importante trascrizione visiva di Mustafa Sabbagh, considerato tra i più grandi fotografi contemporanei che, per la prima volta si concentra sulla rappresentazione dell’opera di un altro artista.

26 maggio – 5 ottobre 2013

Ven 14.30-18.00 – sab e dom 10.30-12.30 / 14.30-18.00

Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea

Piazza Sillano 2 – Rivara (Torino)

Tel. +39 0124 31122 – info@castellodirivara.it – www.castellodirivara.it

Uff. stampa:

Alessio de Navasques

+39 3774206239 – adenavasques@gmail.com

www.davidedormino.com

Con il passare degli anni (Con)Fusioni ha assunto un’ulteriore dimensione, questo perché abbiamo deciso di allargare la sfida a più discipline: se il mosso e sfocato rappresentavano, nella mente comune, lo “scarto” o l’indefinito nella fotografia, allora si è pensato bene di partire da questo concetto e ridefinirlo per altre materie (arti figurative, scultura, design, musica, teatro, narrativa e altro ancora) concependolo come “incompiuto”, “non completo”, “indefinito” o semplicemente “non concluso” come nuovo tema proposto.

(Con)Fusioni diventa una sfida per ogni artista disposto a esporsi in maniera non compiuta, esponendo così opere in corso d’opera e, in alcuni casi, anche a spiegare la stessa opera al pubblico, cercando di accorciare così la distanza tra chi crea l’opera e chi ne vuole usufruire.

Invitare le persone a immedesimarsi o a capire il procedimento creativo in corso d’opera o in prototipo è quantomeno affascinante, soprattutto se si parla di “arte contemporanea”.

(Con)Fusioni vuole essere anche un evento-test per quei creativi che hanno voglia di dare un assaggio iniziale delle proprie opere al pubblico.

(Con)Fusioni si terrà i giorni del 17, 18, 19 maggio 2013 presso i locali del Diocleziano, il foyer del Teatro Fenaroli e Piazza Plebiscito a Lanciano.

In mostra: 7C, Erica Abelardo, Luciana Aiudi, Maurizio Alonzo, Ettore Altieri, Simone Angelini, Nicola Antonelli, Marco Appicciafuoco, Arago Design, ArkilabO, Associazione Culturale Social Photography Street 6212, Francesco Astolfi, Stefano Barbati, Lorenza Bendotti, Alessandra Bequadro, Andrea Berardinucci, Marco Biondi, Blow Up Studio di Alessandra Galloppa, Domenico Bomba, Giancarlo Bomba, Icks Borea, Stonino Bosco, Marco Buccione, Gae Campana, Manuela Campitelli, Emanuela Campolese, Sabrina Caramanico, Simona Caramanico, Saverio Carinci, Igor Cascella, Agnese Casolani, Marco Casucci, Anna Maria Cavaliere, Pedro H. Cavuti, Lara Celenza, Daniel Ceroli, Federico Cervigni, Luca Cicchitti, Davide Cocozza, Francesca Colacioppo, Roberto Colacioppo, Giovanni Colaizzi, Giuseppe Colangelo, Collettivo Botticelli, Compagnia Imago, Silvia Compagnoni, Colleen Corradi Brannigan, Fabiola Corvaia, Marco Costantini, Cromaticoro, Davide Cruciata, Andrea Cutelli, Alessandra D’Alessandro, Vittoria D’Incecco, Pietro D’Isanto, Ernesto Cecco D’Ortona, Anton Dada, Marco De Archangelis, Alessandra De Laurentiis, DeZign Studio, Federica Di Berardino, Francesco Di Bernardo, Cristian Di Clemente, Beatrice Di Croce, Paola Di Diego, Matteo Di Dionisio, Luciano Di Gregorio, Giovanni Di Iacovo, Davide Di Ilio, Maurizio Di Marco, Alessia Di Martino, Gaetano Di Nella, Mirko Di Nella, Danilo Di Nicola, Giuseppe Di Piero, Antonella Di Stefano, Mariano Di Tommaso, Alessandra Diodoro, Paolo Dongu, Marco Doria, Dry Design di Paolo Gentili con Silvia Isidori, Duo Maclé, Giovanna Eliantonio, Sandra Faggiano, Andrea Falasca, Valeria Falcone, Carlo Federico, Pierfrancesco Fimiani, Christian Fossati, Brunella Fratini, Silvia Gonzales, Antonella Grue, Jörg Grünert, Hur Guy Group, Massimo Iannetti, Igers Abruzzo, Sandra Ippoliti, Olivier Jules, Gabriele Lacché, Lapis Design di Antonella Spelozzo con Daniela Giuliani, La mia paura è bianca, Eva Laudace, Cam Lecce, Barbara Leone, Tibor Loiotila, Antonio Luciani, Giammarco Lupi, Sonia Maccari, Vanni Macchiagodena, Luca Madonna, Anna Mancini, Pep Marchegiani, Vittorio Marconi, Marian&Fran, Chiara Micacchioni, Roberto Micolucci, Missili, Michele Montanaro, Cristina Mosca, Daniela Nativio, Luciana Neri, Federica Nico, Marco Pace, Luigi Pagliarini, Marco Pallini & sketchers, Alessio Pancella, Nicola Papotti, Emilio Pasquale, Roberta Pavone, Federica Pellicciotta, Pietro Pagliro, Lucia Polito, Stefano Pollio, Davide Pompeo, Angelo Presenza, Reginafernanda Recchione, Reset, Alessandro Rietti, Barbara Righetti, Maurizio Righetti, Rodolfo Righetti, Filomena Rizzi, Alessio Romano, Silvia Romano, Laura Rosati, Stefano Rossoni, Cinzia Russo, Nadia Russo, Giacomo Sabatini, Anna Maria Sala, Max Sanvitale, Irene Sartorelli, Lilia Scandurra, Gianluca Scerni, Marco Sciame, Antonio Sciolé, Flavio Sciolé, Mirko Scolaro, Scuola Internazionale di Comics, Erika Secondino, Settimo Senso, Alessandra Silverio, Beatrice Sirolli, Debora Smith, Piergiorgio Sorgetti, Enzo Staniscia, Silvia Staniscia, Simona Stivaletta, Marco Taddei, Guerino Taresco, Enzo Francesco Testa, Pamela Testa, Valentina Tirelli, Michela Tobiolo, Francesco Toppeta, Walter Trabucco, Francesco Trivilino, Amedeo Troiani, Mauro Voccia.

Presenta Giuliano Gomez.

CALENDARIO (CON)FUSIONI

VENERDÌ 17 MAGGIO
MOSTRA ESPOSITIVA dalle ore 16.00 alle ore 21.00
presso il Foyer del Teatro, i locali del Diocleziano e Piazza Plebiscito

(Con)Fusi nel bianco diffuso. Nel pomeriggio performance live in città a cura di Marco Sciame.

ArkilabO design performance & shooting ore 21.30 presso il Foyer del Teatro

(CON)FUSIONI OFF dalle ore 22.30 in poi presso Atlantide (via Valera vico 3).
DRINK per veri (Con)Fusi. Musica dei 7C con presentazione in anteprima del disco “Red Spider”. Mostra fotografica di Pamela Testa e mostra di pittura di Alessandra De Laurentiis.

SABATO 18 MAGGIO
MOSTRA ESPOSITIVA dalle ore 9.00 alle ore 13.00 e dalle ore 16.00 alle ore 21.00 presso il Foyer del Teatro, i locali del Diocleziano e Piazza Plebiscito

Illustrazioni in corso, nel pomeriggio, presso i Portici con Marco Pallini & sketcher

Performance danze urbane ore 18.30, a cura di Alessandra Bequadro e Jacopo Paone, presso i locali del Diocleziano
Storie brevi e senza pietà racconti illustrati in estemporanea nei paesaggi sonori oscuri e onirici di Mu dalle ore 15.00 alle 18.30 a cura di Simone Angelini, Marco Taddei e Stonino Bosco presso il Diocleziano con presentazione del libro a fumetti, edito dalla Bel-Ami Edizioni, alle ore 19.00.

Musica & Reading dalle ore 21.00 alle ore 24.00 presso il Diocleziano, presenta Giuliano Gomez, apertura con performance di Nicola Antonelli
e a segure: Paola di Diego, Federico Cervigni, Silvia Gonzales, Vittoria D’Incecco, Maurizio Di Marco, Cromaticoro, Alessandra Diodoro, Cristina Mosca, i Missili, Anton Dada, Alessio Romano, Duo Maclé, Max Sanvitale, Icks Borea, Lilia Scandurra, Sandra Ippoliti, Marco De Archangelis, Gae Campana, Stefano Barbati, Saverio Carinci, Guerino Taresco, Luigi Friotto

(CON)FUSIONI OFF dalle ore 22.00 in poi presso Atlantide (via Valera vico 3).
DRINK per veri (Con)Fusi. Musica dei Reset. Mostra fotografica di Pamela Testa e mostra di pittura di Alessandra De Laurentiis.

DOMENICA 19 MAGGIO
MOSTRA ESPOSITIVA dalle ore 9.00 alle ore 13.00 e dalle ore 16.00 alle ore 21.00 presso il Foyer del Teatro, i locali del Diocleziano e Piazza Plebiscito

Corpo (Con)Fuso. Nel pomeriggio performance live in città a cura di Marco Sciame.

Proiezioni corti e audiovisivi dalle ore 21.30 presso il Diocleziano presenta Giuliano Gomez le produzioni di: Lara Celenza, Luca Madonna, Davide Pompeo, Pierfrancesco Fimiani, Marian&Fran e 4 corti presenti nell’edizione precedente di Settimo Senso – Festival del Cinema.

presentano:

“ZAZZA IN CONCERTO OSPITE DI SOS TALENT SPECIALE LIVE”

EXPO DELLE ASSOCIAZIONI

Venerdì 10 maggio dalle 21.30 alle 22.30

Auditorium del Centro Civico Buranello

Presentano Paola Colombo e Stefania Schintu

Ingresso Libero

Venerdì 10 maggio dalle 21.30 in occasione dell’Expo delle Associazioni si svolgerà presso l’Auditorium del Centro Civico Buranello, il concerto del cantautore genovese Zazza accompagnato dalla sua band, formata da Manuel Perasso alla chitarra elettrica, Fabrizio Zingaro al pianoforte, Dario La Forgia al basso elettrico e Simone Besutti alle percussioni.

Il concerto riprende il format radiofonico “Sos Talent – A caccia di talenti” prodotto da Top1 Communication – agenzia di comunicazione, ufficio stampa e promozione che opera su tutto il territorio nazionale -, e condotto da Stefania Schintu. Il programma radiofonico è dedicato ai talenti emergenti ovvero “gli artisti di oggi e di domani” del panorama musicale nazionale. La messa in onda è settimanale e va in onda ogni settimana sulle frequenze di Radio Azzurra 88 Rete Liguria, la domenica pomeriggio alle 17.00 e in replica il giovedì alle 23.00.

Il programma radio solitamente registrato in studio, per questa occasione si sposta in un vero e proprio auditorium e si apre al pubblico. La serata musicale sarà aperta dalla direttrice di Radio Azzurra 88 Rete Liguria, Paola Colombo e condotta da Stefania Schintu; inoltre verrà registrata e trasmessa nelle prossime settimane.

Protagonista musicale è Gennaro Esposito in arte Zazza, sangue napoletano, accento genovese, padre pianista, nonno poeta e lui cantautore. Numerosi i riconoscimenti come il Premio della Critica al Biella Festival Memorial Sergio Endrigo con la canzone “Così”, o al Festival Internazionale della Canzone d’Autore di Santa Maria a Monte di Pisa. Si esibisce in tutta Italia, aprendo i concerti di Eugenio Finardi, delle Orme, di Sergio Alemanno (autore di Bruno Lauzi e Gino Paoli), ospite al “Demofest” in occasione de “Il Festival del Mediterraneo/MEI” di Lamezia Terme. Numerosi anche i passaggi radiofonici che lo hanno visto protagonista a Radio Uno Rai, a Radio Popolare Milano con un radio live dall’auditorium, a BluRadio Veneto e tante altre ancora.

Ha pubblicato nel 2011 il suo primo cd intitolato “Così” nel quale Zazza ha coinvolto gran parte dei musicisti di cui ha stima, rispetto e per cui prova amicizia e che ha incontrato lungo la strada negli anni.

Nel 2013 è prevista l’uscita del secondo cd ufficiale che probabilmente si intitolerà “L’eredità”.

Ufficio Stampa Top1 Communication

e-mail: segreteria@top1communication.eu

Esposizione Collettiva di Arte Contemporanea: ARTITALY.
A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.
Coordinator: Katrin Hupke (DomagkAteliers), Valentina Marin (Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione).
Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Silvia Cicio.
Artisti: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.
ARTITALY WINE: Esposizione e degustazione prodotti vinicoli delle cantine di nicchia italiane.
A Cura: Federica Marzoli.
Dove: DomagkAteliers, Domagkstr.33 städtisches Atelierhaus 50/Halle50, Monaco di Baviera, 80807 – Germania.
Quando: Da sabato 11 maggio a domenica 19 maggio 2013.
Inaugurazione: sabato 11 maggio, dalle ore 19.00 alle ore 22.00.
Finissage: domenica 19 maggio, dalle ore 15,00 alle ore 19,00.
Orari: dal sabato alla domenica dalle ore 15,00 alle ore 18,30, o su appuntamento.
Info: +39 3492847925 – +39 3665049211 – www.centoproduzioni.com.
Produzione: Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.
L’Esposizione ArtItaly coinvolge circa trenta artisti provenienti da tutta Italia per una Esposizione in cui confluiscono differenti linguaggi e generi artistici per mostrare all’estero quello che oggi è l’arte emergente in Italia. In esposizione opere di Pittura, Fotografia e Arte Digitale. Saranno in esposizione le opere degli artisti: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.
ArtItaly si svolge dal sabato 11 a domenica 19 maggio 2013 presso l’ esclusiva Halle50 della DomagkAteliers.
Domagkateliers è una delle più grandi e antiche colonie di artisti mai sviluppatasi in Europa e che fa riferimento al Ministero degli Affari Culturali della Germania; dal 1990 è ubicata sul sito della ex Funkkaserne. Nel 2010, gli edifici della vecchia caserma lasciano il posto a un nuovo quartiere, infatti il Consiglio Comunale della città di Monaco di Baviera vuole crearci presto “Halle50″, quello che si vorrebbe diventasse il più grande edificio mai esistito, dedicato all’arte e agli artisti. Così dal 2007 comincia il restauro e con l’ulteriore espansione dell’ala sud con un investimento complessivo di LHM dalle 5.35 milioni, nel 2009 questo enorme complesso dedicato all’arte e alla creatività viene finalmente realizzato! La Halle50 è dunque attiva dal 2009 nel nuovo complesso nato nell’edificio dell’ex caserma sul sito del più grande Domagkstraße della città di Monaco di Baviera. Dopo la ristrutturazione e l’ampliamento in totale si sono costruiti 101 studi d’artista, in cui lavorano 140 artisti. Tutto il complesso è organizzato dal Dipartimento Cultura del Comune di Monaco di Baviera.
Il giorno del finissage di ArtItaly coincide con l’evento dell’apertura, da parte della DomagkAtelier, dei propri studi d’artista, gli studi e l’esposizione ArtItaly saranno visitati, con l’ausilio di una guida, da collezionisti, galleristi, critici e appassionati d’arte.
Nel giorno di apertura e nei giorni successivi del 18 e 19 maggio, ArtItaly porta oltre che l’arte visiva anche l’arte del gusto e dei colori del vino con ArtItaly Wine, esposizione e degustazione di prodotti vinicoli delle cantine di nicchia italiane a cura della Sommelier Federica Marzoli.
Una Esposizione totale, per mettere in mostra le eccellenze dell’Italia fatte ad arte.
UFFICIO STAMPA
Federica Cammilloni – cammilloni.f@gmail.com

Gruppenausstellung zeitgenössischer Künstler: ARTITALY.
Kuratoren: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.
Koordinatoren: Katrin Hupke (DomagkAteliers), Valentina Marin (Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione).
Mitarbeiter: Eleonora Santonocito, Federica Cammillon, Anna Di Matteo, Silvia Cicio.
Künstler: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.
ARTITALY Wein: Präsentation und Verkostung italienischer Weine aus ausgewählten Kellereien.
Betreuung: Federica Marzoli.
Ort: Domagkstr.33 städtisches Atelierhaus 50/Halle50, Monaco di Baviera, 80807 – Germania.
Zeitraum: Von Samstag 11. Mai bis Sonntag 19. Mai 2013.
Vernissage: Samstag11. Mai von 19.00 bis 22.00 Uhr.
Finissage: Sonntag 19. Mai von 15,00 bis 19,00 Uhr.
Öffnungszeiten: von Samstag bis Sonntag von 15,00 bis 18,30 Uhr, oder nach Vereinbarung.
Info: +39 3492847925 – +39 3665049211 – www.centoproduzioni.com.
Produktion: Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.

Die Ausstellung ArtItaly zeigt dreißig junge Künstler aus ganz Italien, die ihre künstlerische Position, in verschiedenen Sprachen und Medien im Ausland ausdrücken und zeigen möchten. Es werden Werke der Malerei, Fotografie und der digitalen Kunst zu sehen sein. Folgende Künstler stellen aus: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.

Artitaly findet von Samstag, 11. bis Sonntag, 19. Mai 2013 exklusiv in der Halle50 der Domagkateliers statt.
Die DomagkAteliers sind eine der größten und ältesten Künstlerkolonien in Europa, die sich seit 1990 auf dem ehemaligen Gelände einer Funkkaserne entwickelt haben und weit über Münchens Grenzen hinaus bekannt geworden sind. Mitte der 2010er Jahre, beschloss der Stadtrat der Landeshauptstadt München den Erhalt und Ausbau von “Haus 50″, dem größten Gebäude, des Areals das zukünftig als städtisches Atelierhaus einen dauerhaften Atelierstandort sichern sollte und heute ein exklusiver Ort für Kunst und Kreativität ist. Schon ab 2007 erfolgte die Sanierung von “Haus 50″ mit einer Investitionssumme der LHM von 5,35 Mio. Nach der Sanierung und dem Ausbau des Südflügels stehen 101 Arbeitsateliers unterschiedlichen Typs zur Verfügung, in denen ca. 140 Künstlerinnen und Künstler arbeiten, zusätzlich zwei Gastateliers und ein großer Ausstellungsraum, mit ca. 160 Quadratmetern, die Halle50. Aus mehreren Kunstvereinen der ehemaligen Künstlerkolonie hat sich 2009 die DomagkAteliers gemeinnützige GmbH gegründet, die im Auftrag des Kulturreferats der Stadt München die Ateliers von Haus 50 verwaltet und in Zusammenarbeit mit den Künstlerinnen und Künstlern das Programm des Ausstellungsraumes plant.
Die Finissage von Artitaly fällt mit dem Künstlersonntag der DomagkAteliers zusammen, an dem ein Teil der Künstlerateliers geöffnet und ein geführter Atelierundgang mit Künstlergesprächen für Kunstinteressierte, Galleristen und Sammler angeboten wird. Am Tag der Vernissage und den folgenden Tagen am 18. Mai und 19. Mai, öffnet Artitaly seine Tür nicht nur für die bildende Kunst, sondern auch für die Kunst des Weines. Angeboten wird eine Präsentation und Verkostung italienischer Weine aus Qualitätskellereien mit der Sommelier Federica Marzoli von ArtItalyWine.
So ist ArtItaly ein exklusives Gesamtkunstwerk italienischer Kunst, das für eine Woche in München zu erleben sein wird.
Presseabteilung
Federica Cammilloni – cammilloni.f@gmail.com

http://viaggiefoto.wordpress.com/2013/04/08/1924-giugno-2013-festival-della-musica-gnawa-ad-essaouira/

 Teatro dell’Orologio, Sala Grande + Sala Gassman

Via dei Filippini 17/a

Roma (Piazza Navona)

ingresso ore 20.00 – spettacoli ore 20.30 e 21.30

18 compagnie, di cui 15 in concorso, per un totale di 21 eventi spettacolari nel cuore di Roma divisi tra 2 sale in 14 giorni, 9 giurati e, per il terzo anno consecutivo orgogliosamente a finanziamenti pubblici 0: sono questi i primi numeri della III edizione di INVENTARIA- Festival Teatrale.
Il Festival si divide in tre sezioni, spettacoli, corti teatrali e monologhi/performance, ospitate nella Sala Grande e nella sala Gassman dello storico Teatro dell’Orologio. Ogni sera nel foyer sarà offerta unadegustazione gratuita di prodotti tipici aquilani.

Nell’ambito del Festival sarà rappresentato il testo vincitore del Premio nazionale di drammaturgia DCQ – Giuliano Gennaio, e saranno esposte le fotografie dei finalisti del concorso Scene da una fotografia: due iniziative organizzate daDoveComeQuando nella convinzione che crescendo insieme si cresce meglio e si cresce di più.

___PROGRAMMA___

Ogni sera dalle ore 20.00 nel foyer,

mostra fotografica e degustazione gratuite

              20 maggio

ore 20.20 Sala Gassman

premiazione Premio di drammaturgia DCQ-Giuliano Gennaio 2011: Paolo Zaffaina, per il testo ITALIA LIBRE

presentazione V edizione del Premio di drammaturgia DCQ-Giuliano Gennaio

a seguire 

ore 20.30 Sala Gassman / DoveComeQuando (RM) - Fuori concorso

ITALIA LIBRE - prima nazionale -

di Paolo Zaffaina  / regia di Pietro Dattola  

ore 21.30 Sala Grande / Sciara Progetti (CT) - Sezione Spettacoli

PADRONI DELLE NOSTRE VITE - prima romana -

di Ture Magro ed Emilia Mangano / regia di Ture Magro

              21 maggio

ore 20.30 Sala Gassman / DoveComeQuando (RM) - Fuori concorso

ITALIA LIBRE

ore 21.30  Sala Grande / Sciara Progetti (CT) - Sezione Spettacoli

PADRONI DELLE NOSTRE VITE

                22 maggio

ore 20.30 Sala Gassman / DoveComeQuando (RM) - Fuori concorso

ITALIA LIBRE

ore 21.30 Sala Grande / Lyra Teatro (MI) - Sezione Spettacoli

KVETCH - prima romana -

di Steven Berkoff / regia di Laura Tanzi

               23 maggio

ore 20.30 Sala Gassman / Marluna Teatro (BT) - Sezione Monologhi/Performance

EFFE.LUNA.FRAMMENTI DI FRIDA - prima romana -

scritto e diretto da Maria Elena Germinario

ore 21.30 Sala Grande / Lyra Teatro (MI) - Sezione Spettacoli

KVETCH

               24 maggio

ore 20.30 Sala Gassman / Teatro Sguardoltre (MI) - Sezione Monologhi/Performance

LA CORSA DEI MANTELLI - prima romana -

di Milo De Angelis, regia di Sofia Pelczer

ore 21.30 Sala Grande / Orchestra Teatralica (RM) - Sezione Spettacoli

MATTIA PASCAL, LA TERZA SPARIZIONE DEL FU

scritto e diretto da Giovanni Avolio

              25 maggio

ore 20.30 Sala Gassman / Con-fusione (FI) - Sezione Monologhi/Performance

DOVE ABITO IO - prima romana -

scritto e diretto da Giacomo Fanfani

ore 21.30 Sala Grande / Orchestra Teatralica (RM) - Sezione Spettacoli

MATTIA PASCAL, LA TERZA SPARIZIONE DEL FU

               26 maggio

ore 20.30 Sala Gassman / Skenai Teatro e Angelo Bestiario Compagnia (SA) - Sezione Monologhi/Performance

FOTO DI BORDELLO CON NANA’ - prima romana -

di Enzo Moscato / regia di Giancarlo Guercio

ore 21.30 Sala Grande / Format 4 (RM) - Sezione Spettacoli

IL PROTOCOLLO

scritto e diretto da Igor Grcko

               27 maggio

ore 21.30 Sala Grande / Format 4 (RM) - Sezione Spettacoli

IL PROTOCOLLO

               28 maggio

ore 21.30 Sala Grande / Free Mistake Project (RM) – Imprenditori di Sogni (NA) – DoveComeQuando (RM) - Fuori concorso

NOTHING PERSONAL - prima nazionale -

un progetto di Francesca Viscardi Leonetti

             29 maggio

ore 21.30 Sala Grande, Free Mistake Project (RM) – Imprenditori di Sogni (NA) – DoveComeQuando (RM) - Fuori concorso

NOTHING PERSONAL

               30 maggio

ore 21.30 Sala Grande / Il Sipario Strappato (GE) - Fuori concorso

LA NON STORIA DEL SIGNOR A, IL COLLEZIONISTA DI PAURE - prima romana -

di Alessandro Bergallo, Lazzaro Calcagno, Andrea Begnini / regia di L. Calcagno

               31 maggio

ore 20.30 Sala Grande / M.A.G. (RM) - Fuori concorso

FAVOLA DI PSICHE

un progetto di Flavio Marigliani

ore 21.30 Sala Grande / DoveComeQuando (RM) - Fuori concorso

ITALIA LIBRE

di Paolo Zaffaina  / regia di Pietro Dattola

               1 giugno

ore 21.30 Sala Grande - Sezione Corti teatrali

Idiomi e idioti (RM) / DiVento - scritto e diretto da Elena D’Angelo

Nitam (RM) / Stati di normale euforia III – di Paolo Valentini, regia di Giuliano Baragli

Straccialune (RM) / Io sugno – di Davide Paciolla, regia di Francesca Muoio

  La bottega del teatro (CE) / Anche la follia merita i suoi applausi – di Angelo Stroia

TeatrOltre (AG) / Replay – un progetto di Franco Bruno

Mercuzio&Co (RM) / Il compleanno - scritto e diretto da Alessandro Lanza

Vlad Film (NA) / Che gioia – di Antonio Vladimir Marino, regia di Pietro Juliano

              2 giugno

ore 21.30 Sala Grande / Enrico Carretta (RM) - Fuori concorso

IL MIO NOME È BOUHMIL

di Jacob Olesen, Giovanna Mori, Francesco di Branco, regia di Giovanna Mori

a seguire

ore 22.45 Sala Grande

premiazione delle sezioni Spettacoli, Monologhi/Performance, Corti teatrali

e del concorso fotografico Scene da una fotografia

Per informazioni e prenotazioni

DoveComeQuando: info@dovecomequando.net; 320-11.85.789, 329-06.53524

Teatro dell’Orologio: teatroorologio@gmail.com; 06-68.75.550

BIENENTREU Acqua memoria

Sbarcano a Venezia, in contemporanea alla 55° Biennale Internazionale d’Arte, gli specchi profondi dell’artista e performer tedesco Rolf Bienentreu.

Dal 2 al 30 giugno il visitatore potrà vedere/guardare queste tavole laccate e interagire con esse specchiando se stesso nel loro incunabulo visivo.

Con la partnership di Arte in Bragora e i patrocini della Provincia di Venezia e del Comune di Venezia, Acqua memoria propone una doppia matrice, artistica, perfettamente inserita nel circuito della Biennale di Arti Visive; e psicologica, considerata la natura introspettiva delle opere di Bienentreu.

Dedicata a un pubblico eterogeneo, la mostra è leggibile su più piani.

Ideata e organizzata da Anna Caterina Bellati affronta, nell’Anno Internazionale della condivisione dell’Acqua, il tema fondamentale e terribile del bene più prezioso a disposizione di ogni organismo vivente, oggi a rischio di totale depauperamento.

L’acqua matrice di vita è sempre meno pulita e presente in quantità sempre minore per una popolazione di uomini in continuo aumento. Bienentreu coglie la necessità di attenzione/rispetto/risparmio energetico che questo elemento primario merita.

Ma l’acqua è anche Memoria. Del passato organico di ogni singolo essere, perché nell’acqua veniamo concepiti e cresciamo prima di venire al mondo, perché il nostro corpo è per due terzi composto di acqua. Del passato emotivo di ogni persona. L’acqua diventa veicolo capace di trasportare sensazioni, ricordi, suoni, passioni, sentimenti, preghiere, speranze. Può essere scura, tomba di dolore e situazioni sprofondate nella parte segreta della coscienza; chiara, strumento di scambio e vita nel presente, viaggio, vacanza, gioco del quotidiano.

Una ventina di tavole specchianti nei colori dal cilestrino al blu-nero, passando per i verdi chiari della battigia e i verdi profondi dei canali di Venezia, fino ai blu oltremare di quello che gli antichi chiamavano il Pelago, il dio Mediterraneo che dispensava ricchezze e possibilità di sopravvivenza.

E un cortometraggio di 15 minuti, nel quale Bienentreu fissa la macchina da presa in riva al Canal Grande e sorprende ogni minimo movimento delle onde specchiate in uno dei suoi lavori.

A raddoppiare la valenza della memoria che diventa da personale a corale.

Specchi profondi
di Anna Caterina Bellati

Il primo specchio che s’incontra nella vita è quello in cui vediamo riflessa la nostra immagine stando in braccio alla mamma. “Quello sei tu”, dice e tu impari piano piano a riconoscerti. Il primo specchio che s’incontra nella letteratura è invece quello della matrigna di Biancaneve e anche questo ha a che fare con lo sviluppo della personalità e il riconoscimento dell’io. Nella fiaba si racconta che la regina crudele, distrutta dalla gelosia, non sa accettare il fatto che la figliastra la superi in bellezza. Come non pensare all’Edipo re e alla tragedia che travolge tutti i protagonisti: intanto la madre Giocasta, quindi Laio, il padre che ha il terrore di essere soppiantato dal figlio, ed Edipo, il ragazzo il cui destino è segnato e quindi necessario. Ma c’è un altro personaggio, questa volta preso dalla mitologia, al quale rimanda subito l’idea dello specchio. Si tratta del bellissimo Narciso e del proprio innamoramento-ripiegamento su di sé che il giovanetto pagherà con la morte cadendo nell’acqua dello stagno.

Ora, il nodo su cui s’incentra l’indagine svolta da Bienentreu intorno allo specchio tiene conto di tutti questi elementi che si può dire stiano alla base della percezione che ciascuno ha di sé, in particolare quando questo “sé” è sogguardato da una distanza privilegiata, il riflesso dello specchio.
Non a caso le tavole dipinte di Bienentreu si chiamano Specchi profondi. Profondi per un motivo tecnico, i molti strati di vernice creano l’illusione della profondità; e profondi perché impongono allo spettatore uno sguardo autentico.

Quando la mattina ci si guarda allo specchio per farsi la barba o truccarsi gli occhi, in realtà non si bada a quello che nello specchio accade. Ci si limita a fissare una piccola porzione del proprio viso della quale ci stiamo occupando. Invece gli Specchi profondi obbligano a uno sguardo non distratto. Intanto l’immagine, derivante da un gioco di luci che s’incrociano sulla superficie riflettente delle tavole, non è quella cui siamo abituati. Siamo noi ma più larghi, o più lunghi, o più magri. E la nostra faccia non è proprio così, non è proprio quella che ci viene incontro. Questo gioco di domande mette in campo sia l’abitudine alla propria immagine, sia la soddisfazione di scoprirsi dentro un oggetto lucido e brillante. Le tavole di Bienentreu sono in genere rosse, verdi o blu i suoi colori preferiti, ma in realtà su chi le guarda impongono una speciale attenzione-attrazione. Sono invitanti e pieni di vita le rosse, sono riposanti le verdi e le blu. Il piacere e la calma. Ma c’è un secondo elemento del quale tenere conto.

C’è l’occhio dell’artista. Lui sa che nelle sue tavole si specchierà il mondo che passa loro davanti e sa che questo mondo sarà costretto non a vederle, ma a guardarcisi dentro. Ecco, il gioco di Narciso raddoppia e diventa l’esercizio di un potere. E non è ininfluente che Bienentreu sia un pediatra. Conosce perfettamente i meccanismi che muovono la curiosità di un bambino e smuove quei medesimi meccanismi sopiti, anche nell’adulto.

Questa specie di sottile violenza esercitata sullo spettatore diventa ancora più forte nelle fotografie. La realtà non viene ritratta, fotografata, fissandola attraverso l’obiettivo, ma viene fermata quasi capovolta, cogliendone un ritaglio dentro la tavola dipinta. Le forme si liquefanno, i contorni si sciolgono, niente è più come normalmente appare. Il mondo intero diventa d’acqua e in tal caso “riconoscersi” comporta un atto di fede. Quando lo specchio profondo è usato come una quinta scenografica dentro cui una macchina da presa filma l’esistente, tutto quello cui siamo abituati assume un aspetto diverso. Tutto quello che di solito compone la nostra vita diventa un’altra cosa.

E allora lo specchio che ha tradito le immagini abituali diventa strumento per indicare la precarietà del nostro essere nel mondo.
Anna Caterina Bellati

Sede: Scoletta della Bragora, Campo Bandiera e Moro, Castello 3011 B, Venezia

Inaugurazione: Sabato 1 Giugno, ore 18

Patrocini: Provincia di Venezia e Comune di Venezia

In collaborazione con Bellati Editore e Arte in Bragora

Ufficio Stampa: Bellati Editore, info@bellatieditore.com, www.bellatieditore.com

Curatore: Anna Caterina Bellati

Artista: Rolf Bienentreu

“Per un concerto di musica Jazz, il miglior modo di dipingere una scenografia è di farlo alla maniera della musica jazz. Una scenografia Jazz quindi, ma in che senso? E’ noto come una delle caratteristiche principali della musica Jazz sia l’improvvisazione di ogni singolo elemento dell’orchestra armonizzata nell’insieme della composizione. Molto spesso si decide di basare un tema musicale su un prestabilito giro di accordi o su un tempo e una ritmica precisi sui quali poi effettuare le variazioni o meglio le improvvisazioni. La scenografia che presento per il concerto della big band del conservatorio di Latina è stata pensata e composta con gli stessi principi. Ho radunato una piccola orchestra di pittori ai quali ho chiesto di improvvisare con la propria fantasia, dipingendo contemporaneamente sulla grande superfice. Ogni pittore ha improvvisato cosi il suo “pezzo” intervenendo però anche sulla pittura del suo compagno “d’orchestra” al fine di armonizzare il tutto. Il risultato è una grandissima composizione in cui simboli, colori, segni astratti e fumetti si intersecano fra loro senza mai “stonare”.” ( Filippo Saccà)

Il Centro Sperimentale di Fotografia, lo Studio d’Arte Ceramica e  l’associazione TheAlbero, organizzano una giornata di festa e di partecipazione presso gli spazi all’aperto del circolo degli artisti di Roma

Domenica 2 giugno dalle ore 18.00 in poi

Programma:

ore 18.00

Wokshop di tecnica ceramica raku a cura dello Studio D’Arte Ceramica.  Verranno aperte le attività per la realizzazione tecnica della cottura in terzo fuoco raku (zona piscina del circolo degli artisti).

La tecnica di Ceramica Raku  si svolge   in forni all’aperto, i manufatti vengono cotti  e poi gettati nell’acqua fredda consentendo  la realizzazione di pezzi unici. La reazione chimica di riduzione dipende da molti fattori, alcuni apparentemente casuali. La bellezza di questa tecnica,  è lo spettacolo per gli occhi delle interazioni tra  terra, acqua, fuoco e aria.

 E’ possibile assistere allo svolgimento senza impegno, mentre per poter partecipare al workshop bisogna contattare lo Studio D’Arte Ceramica www.studioarteceramica.it

Ore 19.00

Apertura mostra fotografica collettiva delle  20  fotografie scelte dopo la selezione curata anche   degli allievi del Centro Sperimentale di Fotografia Adams

Ore 19.30

Workshop gratuito di LABORATORIO DI FOTOGRAFIA PARTECIPATIVA

A cura di TheAlbero (Uri noy Meir ed Ilaria Olimpico)

IMMAGINI E STORIE DI UN ALTRO MONDO POSSIBILE

Un altro mondo è possibile? Come decolonizziamo l’immaginario? Quali sono le difficolta’ del cambiamento?

Attraverso l’esplorazione collaborativa di immagini e la creazione di storie originali, 

diamo  voce, movimento, corpo e volonta’ attiva ai desideri di cambiamento.

*Il laboratorio gratuito e’ la presentazione di un nuovo modello di “estetica dell’oppresso” (metodo per la liberazione individuale e collettiva attraverso creazioni artistiche) che sta sviluppando TheAlbero

http://thealbero.foliohd.com/contact

21.00  Consegna premio per vincitore collettiva fotografica  CsfAdams
La serata proseguirà  con cena e continuazione del workshop di  Raku che potrà fino alle ore 12.00 circa.

Centro Sperimentale di Fotografia  Adams

Via Biagio Pallai 12

00151 Roma

Tel/fax 06/5344428

Mobile 338/5785977

Info csfadams@tiscali.it

www.csfadams.it

La Fondazione, da sempre attenta ai rapporti internazionali, alla promozione di eventi con l’intento di favorire la circolazione ed il confronto delle diverse anime della cultura europea, attraverso l’evento “Harmonies de Printemps” promuove un incontro interculturale all’insegna del dialogo con l’altro.

La manifestazione prevede un incontro con il Rettore Serghini Farissi dell’Università Sidi Mohamed Ben Abdellah di Fès, una delle più frequentate del mondo arabo (oltre ottantamila studenti), concerti della tradizione musicale marocchina ed italiana, Malhoun dell’Ensemble Fassi e Pop Songs dell’Ensemble du Sud diretta dal Maestro Marcello Panni; due esposizioni d’arte, “Le fil spirituel” di Elena Bordacconi, e  “L’art du silence” di Driss Rahhaoui caratterizzate da una pittura che rende omaggio alla vita, alla bellezza come un valzer di luci.

A conclusione della manifestazione, a sottolineare hegelianamente che “del dialogo con l’altro ne va della vita stessa”, un’affascinante visita guidata alla storica città di Sefrou, dove da mille e cinquecento anni convivono in armonia comunità musulmane, ebree e cristiane.

Michela Dionisi

Direttrice Artistica

Fondazione Ducci

www.fondazioneducci.org

Palazzo Cisterna – Via Giulia 163 Roma

Sede di Rappesentanza

ph. 0039 06 6821 0015

Via Francesco Denza 21 00197 Roma

Sede operativa

ph.  0039 06 6479 0465

art@fondazioneducci.org

L’artista quebecchese – in concomitanza alla sua partecipazione nella 55 Biennale di Venezia con un’inedita performance curata da Louise Déry, direttrice della Galleria de l’UQAM a Montréal – presenta una nuova serie di lavori, dopo la precedente personale Il volto interiore (2007).

Premiata nel 2012 col prestigioso premio artistico Sobey, il suo lavoro è incentrato intorno al concetto di archiviazione ed è legato a vari contesti di ricerca che si sviluppano nel corso di incontri con persone e comunità, spesso chiamate a partecipare attivamente.

Le opere di de Groot prendono la forma di azioni, oggetti, immagini e documentazione. Un aspetto centrale nella sua ricerca sono le performance che esplorano le modalità in cui l’arte viene creata e percepita attraverso la messa in scena di alcune costrizioni – come ad esempio la cecità, abiti limitanti o la soppressione della faccia – che creano una condizione di espropriazione e perdita: perdita di riferimenti, perdita di controllo e dell’immagine di sé.

Dal 2009, Raphaëlle de Groot lavora sul progetto Le poids des objets (Il peso degli oggetti) che ruota intorno ad una collezione di circa 1780 oggetti che ha raccolto in un certo numero di comunità in Canada e altrove (Stati Uniti, Messico, Italia). Durante mostre, viaggi e residenze l’artista offre alle persone che lo desiderano la possibilità di donare oggetti ormai obsoleti, inutili, conservati in fondo a un armadio. De Groot offre quindi una seconda vita a queste tracce quotidiane dando loro un posto nelle sue opere. Questi oggetti comuni, vittime del disinteresse e del rifiuto, paradossalmente contengono in sé l’attaccamento e le emozioni dei loro proprietari. Diventando custode di questi oggetti, l’artista narra la loro storia e ne garantisce la conservazione materiale e il loro divenire simbolici. Infatti, al di là della loro funzione fisica originale, questi oggetti raggiungono una forte dimensione simbolica perché tornano ad una seconda vita e vengono riassegnati.

Gli oggetti divengono gradualmente dei compagni, in qualche modo si umanizzano e farli sfuggire all’inerzia è un punto focale della ricerca dell’artista.

La réserve, che dà il titolo alla mostra, è il nuovo video dell’artista presentato per la prima volta al pubblico.

In questo lavoro sono collegati diversi spazi che evocano luoghi dimenticati: un deposito museale, un magazzino, un tetto. L’artista raffigura il movimento di un personaggio che indossa un mantello reversibile con diverse tasche; il mantello rappresenta una forma di abitazione transitoria per una collezione di oggetti che il personaggio trasporta da un luogo ad un altro.

La mostra si avvale del contributo della Délégation du Québec à Rome/Delegazione del Québec a Roma.

Atsuko Seta è nata a Osaka nel 1955. Diplomatasi in pianoforte alla Kyoiku University di Osaka, ha perfezionato i suoi studi in Europa, in Austria, Svizzera e Francia. Ha iniziato la sua carriera concertistica incoraggiata dal pianista argentino Eduardo Delgado che ne scoprì il talento e la introdusse alla musica del compositore argentino Alberto Ginastera. Tra i riconoscimenti più prestigiosi tributati all’artista giapponese figurano il “Prize of Japan Classic Music Competition” (1993), il “Best soloist Prize of all Japan Musician’s Association Competition” (1994), il “Top Prize of Masterplayers International Music Competition in Italy” (1996), il “Music Critic Club Prize in Japan” (2003), il Ginastera Award (2004).

Da un decennio, Atsuko Seta tiene concerti in Europa, facendo tappa in Svizzera, Germania, Bulgaria, Israele, Polonia e Italia. In Polonia registra annualmente concerti come soloist con l’Orchestra Sinfonica di Varsavia.

Atsuko Seta non è nuova agli eventi culturali della nostra provincia. Già nel 2002 a Hybla Grand Prize ha ricevuto la Menzione Speciale per l’ interpretazione del compositore Alberto Ginastera; nel 2005 si è esibita in concerto a Ragusa, Modica e Scicli; nel 2009 ha rappresentato il Giappone durante la manifestazione “DEAI – Incontri col Giappone”, organizzata dal Rotary Club di Modica.

Info, contatti e prenotazioni

Associazione “Genius”

cell. 331 472 67 61

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Atsuko_Seta

Youtube: http://youtu.be/xi5D6u5RI5c

La mostra presenta una serie di ritratti fotografici in bianco e nero pubblicati sul volume “La Thonet delle Eumenidi”. Il libro, con testi di Tino Vittorio, Stefania Mazzone e Carlo Guarrera, sarà presente in mostra.

La mostra proseguirà fino al 16 maggio 2013, tutti i giorni dalle ore 15.00 alle 19.00 e la domenica dalle ore 11.00 alle 19.00. Ingresso libero.

 “Una scelta di donne comuni, non selezionate secondo particolari caratteristiche: una galleria tutta al femminile di musiciste, scrittrici, attrici, studentesse, danzatrici del ventre e anche fotografe. (…)

Vittorio Graziano le fotografa in bianco e nero, com’è d’uso nella più tradizionale iconografia della ritrattistica. Definisce uno sfondo che si presenta sempre lo stesso: una specie di box naturale, un quadrato scuro (come il formato delle foto e del volume che le contiene), dove si alternano in una scena minimalista, le ragazze e le donne: accanto a una vittoriana sedia Thonet o su essa sedute, con in mano una chitarra, un violino, un libro aperto o una macchina fotografica. (…)

Quelli di Vittorio Graziano sono ritratti che intendono raccontare una quotidianità, ma una quotidianità rituale e organizzata intorno ai vagheggiamenti dei soggetti raffigurati; una normalità che evidenzia un atteggiamento contemplativo, quasi di attesa. Queste figure sembrano illustrare le aspirazioni, i desideri, la vanità femminile e, in taluni casi, si mostrano come una semplice presenza, una testimonianza in uno studio fotografico.”

Carlo Guarrera

EVENTO: Vernissage mostra fotografica di Giacomo Pompanin
DESCRIZIONE: Stefano Zardini presenta la mostra fotografica di Giacomo Pompanin: Eclats | Frammenti
OPENING:  sabato 11 maggio ore 18.00
PERIODO: 11 maggio – 9 giugno 2013
SEDE:    Villa Ceccato | Via Fontana Alta, 27 | Montecchio Maggiore (VI)
info@villaceccato.it | www.villaceccato.it | 0444 696015
ORARI:sabato e domenica 10-12 | 16-19
  altri giorni su appuntamento scrivendo a info@villaceccato.it o chiamando lo 0444 696015
INGRESSO LIBERO

Sabato 11 maggio , presso Villa Ceccato in via Fontana Alta, 27 a Montecchio Maggiore, inaugura la mostra fotografica di Giacomo Pompanin: Eclats | Frammenti.

Eclats | Frammenti potrebbe sembrare un azzardo, pensando al titolo di un’esposizione fotografica. Un azzardo perché ci nasconde – almeno nell’uso italiano comune – una fatale idea di incompletezza. Eclats invece è di traduzione difficile, quanto meno non immediata. Sono Eclats i frammenti, sì, ma anche le schegge, le cose splendide, quelle fulgide. Qualcosa di momentaneo, forse bello, ma di breve durata. Un po’ come l’effimero. Forse anche quel frammento, quell’incompletezza che noi notiamo, ha un senso nell’avvenire. Un frammento, come un inizio.

Giacomo Pompanin seguendo le orme del padre ha il suo primo impegno con la fotografia attraverso  la digitalizzazione e il restauro di vecchie fotografie per il museo della Grande Guerra di Cortina d’Ampezzo – luogo dove è nato nel febbraio del 1985. Espone per la prima volta a Treviso con una mostra fotografica dal titolo “Sasso di Stria, restauro della Prima Guerra Mondiale, Estate 2006”. Nello stesso anno si vede impegnato in un’altra mostra a Calalzo di Cadore.
Molto importante per la sua formazione è stato l’incontro con Stefano Zardini: nel luglio 2007 è stato con lui a Calcutta e Delhi per tre reportage fotografici: il primo dedicato alla fatica dei lavori che l’uomo; il secondo  sui tiratori di risciò; il terzo sulle prostitute di un bordello a Calcutta. Ha collaborato poi con lo studio di comunicazione Omnia Relations e con la redazione di Bologna Trendy, mensile del Resto del Carlino.  Ha fondato la rivista N.B. – Nero su Bianco, mensile di  cultura e informazione da Cortina d’Ampezzo. Ha partecipato inoltre a: Toscana Photographic Workshop con Claudio Amadei; India Photographic Workshop con David Alan Harvey Toscana Photographic Workshop – Workshop avanzato in fotografia digitale con Bob Sacha e Bruno Stevens

http://www.giacomopompanin.com/

Violoncello: Luca Franzetti
Ensemble Ottavanota

Programma:
G.Sollima: Concerto Rotondo
G.Sollima: Spasimo

Ingresso € 10,00

Ottava Nota – Auditorium
via Marco Bruto 24
0289658114 3388576271
info@ottavanota.org
www.ottavanota.org

DESCRIZIONE:personale di Mario Sughi aka nerosunero

INAUGURAZIONE:  Giovedì 9 maggio, ore 18.30, presso la galleria Yvonneartecontemporanea

PERIODO:  9 – 31 maggio 2013

SEDE: YvonneArtecontemporanea

Contrada Porti, 21 – 36100 Vicenza
Tel. 393 9060790 email: info@yvonneartecontemporanea.com

www.yvonneartecontemporanea.com-
ORARI: Martedì-Sabato 15.30/19.30 o su appuntamento

IL CATALOGO edito da Vanilla Edizioni verrà presentato al FINISSAGE

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INGRESSO LIBERO 

Giovedì 9 maggio, alle ore 18.30, apre presso la galleria Yvonneartecontemporanea in contrà Porti 21 a Vicenza, la mostra IL COLORE DEL TEMPO, personale di Mario Sughi.

Mario Sughi, artista italiano che da molti anni vive a Dublino disegna e dipinge tutto al computer facendo uso di una tavoletta digitale. L’utilizzo di una “macchina” per la realizzazione della sua “pittura” è assolutamente coerente con un raffreddamento del mezzo espressivo in grado di ridefinire un ordine di rapporto tra l’artista e i soggetti che rappresenta. Figure, per lo più femminili, perse nello spazio. Figure concentrate in sé in ogni azione che compiono.

Ama, lo scrive lui stesso, Francis Bacon e David Hockney  e dunque da una parte riflette sulla solitudine, l’ossessione, il vuoto, dall’altra muove da una diretta critica alla società, alle sue convenzioni. L’artista però dialoga anche con alcuni altri artisti, e prima di tutto con Peter Blake del quale coglie l’impaginazione sensibile, la capacità di gestire i vuoti insieme con i pieni delle figure.

In Mario Sughi c’è un segno tagliente, nuovo, ricondotto ai contorni, un’invenzione del colore di una tensione costante attraverso il quale l’artista crea gli spazi, i possibili movimenti, le profondità.

“Credo, scrive Arturo Carlo Quintavalle, che nella dimensione del nuovo racconto figurativo dell’arte inglese, ma anche dell’arte italiana, la ricerca di Mario Sughi sia importane anche e proprio per la sua capacità di arricchire la vecchia lingua della pittura con le novità di linguaggi diversi, originali, inconfondibili, di grande qualità.” Infatti Mario Sughi apre un dialogo con la Pop Art inglese rifondandone alcuni statuti attraverso il ricorso alle strategie linguistiche del fumetto, dell’affiche e dell’illustrazione. Osserviamo composizioni semplici, pulite, con pochi elementi, spesso con un affascinante orizzonte nel background. In ogni opera si apre uno spazio che continua oltre il limite del quadro, è sempre uno spazio infinito da cui risalta ancora di più l’importanza della figura umana e del suo “smarrimento-ritrovamento”.

Il titolo IL COLORE DEL TEMPO è suggestivo e apre al nostro pensiero innumerevoli possibilità di sviluppo. Il tempo nelle opere di Mario Sughi è anche dato dal colore, da sfumature e velature in eleganti e suggestivi accostamenti. A volte è un colore pastello, a volte è un colore più forte. E’ il colore del nostro tempo.

Mario Sughi, nato a Cesena nel 1961, vive e lavora a Dublino. Presentato in diverse gallerie di tutto il mondo: da Los Angeles a New York, da Roma a Milano, da Bruxelles a Berlino, i suoi lavori hanno disegnato le illustrazioni di innumerevoli riviste e siti web includendo Mario Sughi tra i 200 migliori illustratori mondiali. Nel 2011 è stato protagonista alla 54^maBiennale di Venezia nel progetto “The Italian Pavilion in the Word ”presso l’istituto italiano di Cultura a Dublino ed è stato selezionato in prestigiose rassegne internazionali tra cui l’” Annual American Illustrators”, l’ “Aesthetica Magazine – Creative Works” di Londra e “200 Best Illustrators worldwide 2009/2010”

Il libro verrà presentato mercoledì 5 giugno p.v.

presso la Libreria IBS.it

Via XX Settembre 78/80

Bergamo

Non si tratta di una commemorazione del ragazzo di Coriano, morto a soli 24 anni durante il Gran Premio della Malesia sul circuito di Sepang, quanto di un racconto affettuoso ed emozionante della sua vita, fra aneddoti e lacrime, e della nascita di una leggenda, come quella di altri grandi dello sport, fra cui Gilles Villeneuve e Ayrton Senna. Una storia fatta di episodi che Pagnanini, volto noto della comunicazione tra i team del motomondiale, ha visto e toccato con mano.

Ma cosa rende Marco Simoncelli immortale nella mente e nel cuore di così tanta gente, ben oltre i confini degli appassionati di moto? Marco sopravvive perché è sempre stato se stesso, prima e dopo avere dimostrato il suo talento. Non aveva filtri, nessuno che gli curasse l’immagine per farlo apparire diverso da com’era realmente. E questo, la gente l’aveva percepito. Marco era uno di noi: spontaneo, vero e schietto come la Romagna. Un ragazzo semplice e sensibile, dal sorriso innocente e contagioso, venuto su un po’ a piadina e motociclette, che sapeva regalare emozioni.

Con questo omaggio Roberto Pagnanini, che l’aveva conosciuto senza il casco che gli imprigionava quella massa enorme di capelli, dimostra che le stagioni di Simoncelli non sono ancora finite dopo quel drammatico 23 ottobre 2011. Crescono le iniziative a lui dedicate, aumentano sui social network gli utenti di tutte le età che gli dedicano pagine, affetto, pensieri. Un tam tam senza sosta per un campione vissuto di corsa, in sella alle moto da quando aveva sette anni, campione europeo della 125 nel 2002, a soli quindici anni, e arrivato a ventuno a vincere il mondiale della 250.

Forse Simoncelli era destinato a diventare uno dei più grandi di sempre. Poteva essere l’erede del suo migliore amico Valentino Rossi. Forse la MotoGp 2012 avrebbe potuto celebrare i suoi trionfi. Chi lo sa. Quel che sappiamo con certezza, è che aveva un talento anche più grande di quello motociclistico. Era speciale, un ragazzo degno di diventare un esempio per la sua generazione. Tutti i retroscena, i piccoli e grandi episodi raccontati nel libro di Roberto Pagnanini aiutano a capirlo meglio.

COMUNICATO STAMPA

ARTE CONTEMPORANEA E TERRITORIO

progetto curato dal

CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea | Liceo Artistico Statale Bruno Munari

con la collaborazione e il contributo

dell’Assessorato alle Politiche Educative, Giovanili e della Famiglia del Comune di Cremona

LET’S BODY TALK

CREMONA | CASTELLEONE 17 | 18 MAGGIO 2013

A cura di Isabella Falbo

Soren Dahlgaard (DK), Sergio Dagradi (IT), Marc Giloux (FR)

Jette Hye Jin Mortensen & Sif Jessen Hymøller (DK), Emanuele Serafini (IT), Mona Lisa Tina (IT)

Organizzazione,coordinamento, produzione: Dino Ferruzzi, Puccio Chiesa, Nicola Cazzalini

Con la collaborazione di: Umberto Bellodi, Andrea Grandi, Massimo Guerci, Sara Passerini, Marcello Zuccotti Coordinamento per la didattica: Gianna Paola Machiavelli

Ufficio stampa: Stefania Bianchi

Grafica: Rebecca Bianchi

Supporto logistico: Comune di Cremona Assessorato alle Politiche Giovanili, NAG NewArtGeneration | Liceo artistico Bruno Munari

promosso da:

Comune di Cremona Assessorato alle Politiche Educative, Giovanili e della Famiglia

CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea | Liceo Artistico Statale Bruno Munari di Cremona

Associazione culturale Alice nella città, Castelleone (CR)

con il contributo di:

Comune di Cremona Assessorato alle Politiche Educative, Giovanili e della Famiglia

Associazione culturale Alice nella città, Castelleone (CR)

Fondazione Cariplo

con il patrocinio di:

Provincia di Cremona, Ufficio Scolastico per la Lombardia, GAI Giovani Artisti Italiani

International Association for Art and Psychology sezione di Bologna

Nell’ambito del programma Arte contemporanea e territorio, si svolgerà venerdì 17 e sabato 18 maggio 2013 presso il CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea, Cremona, Alice nella città, Castelleone (CR), Teatro Monteverdi, Cremona, la rassegna LET’S BODY TALK, a cura di Isabella Falbo.

Attraverso un ricco programma dedicato alle tecniche performative, sviluppato con performance, workshop, talk e una tavola rotonda dedicata alla Critica Performativa,Let’s Body Talk indaga il concetto di performance art nell’ambito della ricerca artistica contemporanea.

Gli artisti invitati sono accumunatida una processualità artistica caratterizzata dall’utilizzo di linguaggi visivi multipli dove il corpo, mezzo primario della performance, diventa strumento intellettuale in dialogo con la pittura, la fotografia, l’installazione e il teatro.

Soren Dahlgaard utilizza la performance come elemento integrante della sua pratica artistica, utilizzando il corpo e sviluppando proprie metodologie performative per indagare la pittura, la sua storia e i suoi metodi. Portrait painting performance by Dough Warrior è un progetto itinerante nato nel 2008 che vedrà a Cremona un nuovo interessante sviluppo in cui il “guerriero di pane” combatterà per creare la sua opera d’arte, rivelando gli aspetti spesso incontrollabili del processo artistico, e conducendo il pubblico all’interno del suo universo. In collaborazione con l’artista, seguirà l’intervento di critica performativa di Isabella Falbo An ice cream palette for the Dough Warrior che, estrapolando gli elementi caratteristici del lavoro di Dahlgaard tra cui l’indagine sulla pittura attraverso un approccio dissacrante, ironico e divertente in linea con le attitudini Dada e Fluxus, ne evidenzia e amplifica le specifiche.

Marc Giloux attraverso una pratica interdisciplinare indaga le interferenze e i cortocircuiti connessi alle infinite possibilità d’interpretazione. I suoi interventi si sviluppano principalmente in spazi pubblici ed attivano sempre un legame con il luogo specifico. L’artista francese si esibisce nella performance Marc Antonio Ingegneriin cuirappresenta l’“impronta identitaria” del compositore omonimo, maestro di Monteverdi ma personalità quasi sconosciuta della città di Cremona.

Jette Hye Jin Mortensen. in collaborazione con Sif Jessen Hymøller presenta la performance in tre atti I. Towards the Mirror; II Towards the Landscape; Session III. Towards the Mind, che dialoga con il “teatro povero” concettualizzato da Eugenio Barba e Jerzy Grotowski e il teatro giapponese Bunraku. Una “meditazione collettiva” in cui le due artiste guidano il pubblico coinvolgendolo spiritualmente e fisicamente, con l’intento di “dare vita” a 6 marionette. Il suo lavoro può essere visto come “scenografie performative” dove lo spazio tra le nozioni d’identità individuale e identità collettiva è concettualmente, emozionalmente e spiritualmente re-immaginato attraverso antiche e recenti idee esoteriche.

Emanuele Serafini attraverso una processualità interdisciplinare che prevede l’utilizzo del linguaggio performativo, video e fotografico, sviluppa una ricerca basata sulle possibilità di “ristrutturazione del quotidiano”. Serafini terrà un workshop con gli studenti, aperto al pubblico in cui presenterà la performance Perchè le manifestazioni le puoi solo esporre, sulsenso della “manifestazione” e del “manifestare” oggi, modalità che appare perlopiù inutile ai fini politici e sociali, spesso estrapolata dalla quotidianità ed elevata ad opera d’arte.

Mona Lisa Tina pone al centro di tutte le sue riflessioni il Corpo come luogo di continui processi trasformativi psichici e fisici. Le sue azioni incarnano rituali entro cui esso è coerentemente proposto come asessuato, mutante e contaminato e dove il luogo adibito all’azione è spesso modificato nelle sue coordinate spaziali. Con la performance Fragments, l’artistaindaga l’interazione tra quattro dimensioni: il corpo, lo spazio, il tempo e lamemoria, attraverso la contaminazione di linguaggi visivi e sonori.

Sergio Dagradiattraverso inedite pratiche musive e pittoriche, sviluppa da un ventennio un’indagine sul corpo e la pelle umana attraverso una riflessione orientata nello specifico sui colori dell’incarnato, dove il corpo diviene colore e la pelle metafora della condizione umana nel sociale contemporaneo.

L’artista presenta Preview, una serie di opere che diventano soggetto d’indagine in Vinylic Skin, intervento di critica performativa diIsabella Falbo dove in una logica di contaminazione fra critica d’arte e performance in cui “l’occhio critico” diviene “corpo critico” e strumento artistico, interviene trasponendo visivamente ed amplificandoli elementi e concetti alla base della poetica dell’autore pavese.

Unitamente gli eventi performativi degli autori, il programma di Let’s Body Talk si arricchisce di tre stimolanti appuntamenti:

Perché le manifestazioni le puoi solo esporre, workshop di Emanuele Serafini, con gli studenti e aperto al pubblico.

Sense 1+1, talk condotto da Mona Lisa Tina e Giovanni Gaggia, dedicato alla presentazione dell’omonimo progetto di video e audio performance, realizzato in collaborazione con Domenico Buzzetti, Tiziana Contino e Roberto Paci Dalò.

Critica performativa:dalla critica scritta alla critica visiva,tavola rotonda sulla processualità di indagine non convenzionale ufficializzata da Isabella Falbo nel 2012 in cui, in una logica di contaminazione fra critica d’arte e tecniche performative, “l’occhio critico” diviene “corpo critico”. Parteciperanno Isabella Falbo, Sergio Dagradi, Soren Dahlgaard, Massimo Festi, Stefano Scheda, Emanuele Serafini, Mona Lisa Tina.

Informazioni:

CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea | Liceo Artistico Statale “Bruno Munari”

Via XI Febbraio 80 – Cremona TM. 347 7798839 crac.cremona@artisticomunari.it; www.crac-cremona.org

Servizio Politiche Giovanili del Comune di Cremona C/o Teatro Monteverdi – Via Dante 149 – Cremona

Tel. 0372 407785/753 – ufficiogiovani@comune.cremona.it – www.comune.cremona.it

Associazione Culturale Alice nella Città Via Cappi 26Castelleone, CR – alicenellacitta@gmail.com

L’esposizione rimarrà aperta fino al 31 maggio, secondo il seguente orario: dal martedì al venerdì dalle 17,00 alle 20,00.

La mostra è il quinto appuntamento di Itinerari per viaggiatori distratti, ciclo di approfondimento, ideato dal critico Loredana Rea con l’intento di riflettere sul ruolo dell’arte, sul suo valore e sul suo campo d’azione.

Nell’arco di tempo compreso tra febbraio e giugno sette artisti – Grazia Sernia, Rita Mele, Margherita Levo Rosenberg, Maurizio Cesarini, Enzo Cursaro, Riccarda Montenero e Immacolata Datti – differenti per formazione e scelte operative, si confrontano per evidenziare l’importanza di una pratica di continuo e ricercato sconfinamento, strettamente connessa alle metodologie di lavoro e agli strumenti di espressione, suggerendo un itinerario complesso nella sua multiforme articolazione.

Per questa esposizione Grazia Sernia presenta una serie di raffinatissimi fogli incisi a creare una polifonia di segni che si inseguono per costruire equilibri formali sempre diversi, in cui emerge prepotente la stringente coerenza del suo sviluppo e anche il desiderio di sempre nuove sperimentazioni, che inevitabilmente si innestano sulle esperienze di altri linguaggi. Sono infatti opere recenti eppure riassuntive di un lungo percorso di ricerca in cui le tecniche calcografiche sono sempre state centrali, anzi fondanti di ogni necessità espressiva.

Osservando con attenzione questi lavori, in cui il bianco si rapporta dialetticamente al colore, quando lo sguardo si appaga di spaziare di segno in segno è possibile sentire la forza e la delicatezza dei gesti che regolano l’azione del bulino o del brunitoio, ma anche la paziente attesa legata ai tempi delle morsure, utilizzati con la sagacia di chi conosce i segreti di una tecnica antica ma sempre di grande attualità.

Letizia MARABOTTINI “Oblio” digital photo – 2012 cm80x120

Letizia Marabottini in mostra personale presso la Mondriansuite contemporaryartspace di Roma – via dei Piceni, 41/43 – a cura di Klaus Mondrian.
Dal 31 maggio 2013 – vernissage ore 18:00.

Dido and Aeneas

Opera in tre atti di

Henry Purcell

Su libretto di Nahum Tate

Chiesa Valdese di Piazza Cavour

Domenica 26 maggio 2013 – ore 20.00

Continuando la tradizione che vede nella Chiesa di Piazza Cavour, l’esecuzione di decine di Oratorio e “Musical Drama” del periodo barocco, per il concerto di chiusura della XXXIII  stagione dei Concerti alla Chiesa Valdese, l’Associazione Progetto Cultura in collaborazione con il Centro Italiano di Musica Antica e con il patrocinio del XVII Municipio presenterà, in forma semi scenica, l’Opera in tre atti di Henry Purcell  Dido and Aeneas su libretto di Nahum Tate.

Rappresentata per la prima volta nel 1688, Dido and Æneas è l’opera più celebredi Henry Purcell. Divisa in tre atti, tratta del soggiorno di Enea, personaggio protagonista dell’Eneide di Virgilio, a Cartagine, ospite della regina Didone (in inglese Dido). Fra i due scoppierà un amore maledetto che si concluderà, come vuole la tradizione, con la partenza dell’eroe, destinato a fondare Roma, e il suicidio di Didone.

L’esecuzione dell’opera verrà affidata al Coro Polifonico ed all’Ensemble Strumentale Barocca del C.I.M.A. Centro Italiano di Musica Antica con i solisti Luisa Palma, soprano (Didone, regina di Cartagine), Laura Felice, soprano (Belinda, sua confidente) Andrea Robino Rizzet, baritono (Enea, principe troiano), , Andrea Manchée, soprano (seconda donna). Sabina Gagliardi, contralto (maga), Teresa Panettieri e Stella Amato, soprani (prima e seconda strega), Martina Coers, soprano (spirito), Fabrizio Giovannetti, tenore (marinaio). La regia è di Maria Luisa Sarlo e di Simone Calviello con il M° Alessandro D’Agostini maestro del coro e Direttore il M° Sergio Siminovich.

Anche in questa occasione il nostro concerto affiancherà e promuoverà l’attività di “Save the Children” Italia.

I biglietti si possono acquistare la sera stessa del concerto direttamente alla

Chiesa Valdese di Piazza Cavour dalle 19,00 al prezzo di € 15,00.

Per informazioni: 063290375 – 3389808153 -  Facebook: Coro Polifonico Cima “Piero Leone”

“Play, Create”

1 Giugno – 1 Luglio 2013

Spazio Espositivo: Le Artigiane – Via di Torre Argentina, 72 – Roma

INAUGURAZIONE GIOVEDI’ 6 GIUGNO 2013 ore 18:00

Dopo la sua fondazione ad opera di Cristiano e Maura Perricone,  lo studio Artificiolab inizia il suo percorso artistico mettendo subito in luce la vocazione multidisciplinare, affrontando con la medesima cura emotiva progetti che vanno dall’arte applicata al design autoprodotto, dall’installazione multimediale alla videoarte, dalla scultura alla fineart. Nel 2011 vince la quinta edizione della residenza artistica De Industria  con l’opera “l’origine delle macerie”. (La quale mette in scena la polis contemporanea con un groviglio di tessere di mosaici primigeni e rovine post-umane; la città continua, infinita, contaminata, multiculturale, atemporale è il luogo da cui sì può iniziare quel cambiamento che l’arte, e con lei l’uomo, richiede.)

Play, Create  vuole essere una finestra sulla più recente produzione dello studio ArtificioLab nel campo dell’arte decorativa e dell’ handmade , presentando opere eseguite con tecniche della nostra tradizione artistica come la ceramica o il mosaico, ma utilizzate per esprimere attraverso la personalizzazione, la modularità e la partecipazione attiva del pubblico nell’atto creativo la nuova idea progettuale meglio riassunta dal termine meta-design.

Le curatrici dell’evento Bruna Pietropaoli e Livia Carchella hanno selezionato tra le diverse serie prodotte dallo studio le opere più rappresentative di questo concetto, lasciando percepire il legame profondo che si instaura tra il committente e l’artista proprio nella fucina del laboratorio.

Con le composizioni modulari PIX2 ecco prendere forma diverse figure, ecco stagliarsi da texture concrete lampi di luce che dipingono volti e grafiche dalle infinite sfumature cangianti. E’ facile così in un gioco di richiami ed echi della memoria lasciarsi sorprendere da suggestioni di colori e suoni che suggeriscono l’uso del pixel come unità di misura ideale per le proprie visioni. Con le ceramiche MOOD la modularità invece è affidata ai ritmi e ai chiaroscuri volumetrici, che grazie all’impiego degli smalti colorati si traducono con energia dirompente in emozioni danzanti. Le piccole sculture in ceramica MYTH invece riconducono nel gesto estemporaneo e nella sintesi della forma lo stesso rapporto di unicità, che attraverso i miti si rafforza descrivendo quello che è stato e continua ad essere il percorso del pensiero umano. I bassorilievi in piastre MAPS in grado di interporsi col suo segno tra memoria del viaggio e la proiezione del sogno, sfuggendo alla definizione univoca del luogo rappresentato, dove la meta non si palesa e l’origine diviene l’unico possibile. Con i mosaici volumetrici GAME lo studio affronta inequivocabilmente il tema del gioco, main theme della mostra. La virtuosa costruzione geometrica mai accidentale e la fattura raffinatissima non si interpongono con l’essenza ludica del bozzetto. Infine la serie di mosaici TAPE nati dallo studio fenomenologico dell’arte generativa e nei quali si propongono campiture e texture organizzate in codici, un chiaro riferimento all’immaginario elettronico e digitale indissolubilmente entrato nell’arte come nella vita quale elemento fondamentale per lo stimolo creativo.

Durante l’evento inaugurale la musicista Emanuela Cianfrocca eseguirà al sax brani e improvvisazioni su Bob Dylan e Pink Floyd, traendo spunto dalle due opere PIX2 esposte, che  omaggiano la  storia di questi artisti proponendo sintesi grafiche di alcune tra le più note album covers.

La mostra sarà ospitata negli spazi espositivi de “Le Artigiane” in via di Torre Argentina, 72 a Roma, dal 1 giugno al 1 luglio 2013.

Enrico Ferri
Parrocchia Santa Caterina

Enrico Ferri
Parrocchia Santa Caterina

Pittrice e scultrice dalla spiccata sensibilità, ma anche grafica e disegnatrice, Vittoriana Benini è dotata di un talento non comune, che l’ha resa capace, pur attenendosi ai valori ereditati dalla tradizione, di elaborare un linguaggio proprio, sia per le tematiche e i soggetti trattati che per le soluzioni pittoriche adottate, in grado di esprimere sentimenti ed emozioni che trovano il proprio spazio tra il presente della vita quotidiana e la memoria. In questo contesto i suoi quadri rappresentano una vetrina dei sogni in cui la pittura dell’artista – caratterizzata dai colori ricchi di vibrazioni timbriche, ma delicata, morbida e amabilissima nell’approccio con chi la osserva – seppur ancorata alla percezione dell’infanzia, la dilata su scala universale facendone un’intera costruzione figurativa.

La mostra, egregiamente curata da Nicolina Bianchi, punta a raccontare la prorompente forza creativa della Benini attraverso un’ampia raccolta di lavori, circa 50 opere, che rappresentano un interessante viaggio all’interno delle tematiche della sua produzione. Così accanto alle tante tele che celebrano la donna in una condizione familiare e domestica “dove – per dirla con le parole di Vittorio Sgarbi – sono presenti malinconia, dolore, insoddisfazione, indifferenza nel senso di Alberto Moravia”, si impongono all’attenzione dello spettatore anche pagine autobiografiche e quadri in cui, ad essere ritratti, sono bambini e pagliacci, fiori e nature morte, anziani e contadini fino ad arrivare alle amate bambole, in quest’occasione celebrate anche con una preziosa raccolta di esemplari antichi la cui presenza sottolinea ulteriormente l’amore della pittrice per questo giocatolo, metafora dei più importanti sentimenti e valori della famiglia e della vita.

Nata a Imola nel 1941, Vittoriana Benini inizia a disegnare e a dipingere giovanissima, tanto che già in quinta elementare vince il primo di una lunga serie di premi e riconoscimenti. Negli anni ’70, dopo aver comunque perfezionato il disegno tecnico e quello a mano libera, si iscrive alla “Scuola di arti e Mestieri” di Massalombarda e all’ “Accademia di Belle Arti” di Ravenna, dove è allieva dei Maestri Folli, De Grada, Spadoni, Zancanaro e Caldari, e si dedica allo studio del corpo umano e particolarmente alla figura femminile. Oltre che quello di Massalombarda e Ravenna, l’artista continua ad avvertire il clima del contesto imolese, animato fino alla metà del ‘900 da artisti di tradizione, quali Amleto Montevecchi, Tommaso Della Volpe e Anacleto Margotti, ma intrattiene anche rapporti con Rossi, Ruffini e Gottarelli, che le danno l’apertura mentale per crescere. Dopo un periodo dedicato all’insegnamento, Vittoriana Benini si indirizza verso la grafica pubblicitaria. Negli anni ’80 decide, poi, di raccogliersi in sé stessa e rielaborare quanto acquisito dagli studi accademici per fonderlo con la preesistente ispirazione soggettiva. Nel decennio successivo arriva a definire una tematica propria nella quale un ruolo di primo piano è affidato alla donna, figura dalla profonda forza interiore consacrata in una condizione che, come scrive Vittorio Sgarbi, ”è la condizione della donna nella storia, una storia che è fatta non combattendo, non facendo la guerra, ma attraverso la costruzione e l’educazione dei figli”.

Accanto alla figura femminile, acquisisce un ruolo da protagonista la bambola. E’ questo un ciclo di lavori importante in quanto con esso viene in luce la capacità dell’artista di compiere il gesto pittorico con minuzia e con notevole intensità intimistica. “L’idea della bambola – come scrive anche Claudio Strinati nella sua presentazione a catalogo – sembra infatti la vera chiave di lettura di tutto il mondo poetico dell’artista”, un mondo che vede partecipe anche il passato che ritorna, un’umanità fatta di clown, teatranti da strada e maghe capaci di predire la sorte, una carrellata di personaggi che si perdono nella nostalgia. A consacrarla, nel 1997, la mostra “Women and Dolls” alla prestigiosa Feirligh Dickinson University negli Stati Uniti, e l’anno successivo l’esposizione in Arkansas, all’Art Foundation Hot Spring. Nel 2000 l’artista inizia un nuovo percorso: “tra sogno e realtà” e “il teatro della vita”, nel quale si alternano artisti di strada, clown e  personaggi del circo. A queste tematiche si affiancano presto quelle rappresentate dalle “vecchie cartoline”, rappresentazioni pittoriche che legano il passato al presente attraverso personaggi reali e di sogno. La sua continua evoluzione la porta nel 2008 a una nuova ricerca della tridimensionalità, nei volumi, nelle luci e nelle architetture dove i suoi personaggi prendono vita. Intanto negli Stati Uniti cresce la notorietà di Vittoriana che registrata un ottimo successo di pubblico e di critica alla mostra in Texas. Significativo anche il successo ottenuto con l’esposizione all’Ambasciata alla Repubblica Araba d’Egitto e quello dell’anno successivo a Palazzo Barberini. Dopo l’ennesima esposizione in Texas, nel 2010, Vittoriana registra un ottimo riscontro anche all’evento ADMO al Palazzo Ducale di Sassuolo (Mo).

Di lei hanno detto:

“(…) L’idea della bambola sembra infatti la vera chiave di lettura di tutto il mondo poetico dell’artista. “Mondo”, è lecito definirlo perché Vittoriana Benini ha fortissimo il senso della famiglia e della sua trasposizione pittorica. Dipinge sempre, si sarebbe tentati di dire, un solo soggetto che è, appunto, la sua famiglia, ma logicamente questa famiglia in parte è quella vera, della vita reale, in parte è quella della fantasia della bambina in grado di animare le cose e le persone stesse intorno a lei, secondo un progetto fantastico da giudicare più come quello depositato nella mente che come quello della concreta esistenza. Tutti i personaggi rappresentati da Vittoriana sono in effetti, dal punto di vista pittorica, “pupazzi”. Lo sono le bambole, ovviamente, ma anche le persone autentiche, ma tutti sono presi dall’autrice e immessi in quella specie di teatrino che riguarda tutta la sua parabola di artista e il suo modo di pensare e di esprimersi in pittura ricorda in qualche modo quelle domeniche in cui qui a Roma da bambini andavamo  vedere il teatro dei burattini sulla piazzetta del Pincio (…). Vittoriana è rimasta come ancorata a questa percezione dell’infanzia e la dilata su scala universale facendone una intera costruzione figurativa. Anche un po’ inquietante, a volte, sempre l’essere umano è affascinato da quel crinale, per l’appunto preoccupante, che separa l’animato dall’inanimato. La statua che prende vita, il quadro che si muove, il fantasma che trapela nel buio. (…).La pittura di Vittoriana è poeticamente atteggiata, delicata, morbida, con una punta di voluta ingenuità che la rende gradita all’ osservatore e amabilissima nell’ approccio. Eppure una qualche durezza resta latente nel suo delicato universo poetico. Ma è ben logico e, se possibile, ancor più coinvolgente per chi guarda. Perché questa arte non è un banale incantesimo né un bamboleggiante ammiccamento a un’ idea di arte “naif” e in definitiva marginale, ma è un interessante scandaglio lanciato nel profondo pur nella ferma intenzione di tenersi, nell’ ambito della stesura pittorica, su una superficie che non vuol dire superficialità ma morigeratezza dell’ eloquio. Non è male come lezione inevitabilmente impartita dall’ artista ai suoi ammiratori. Si è parlato per lei di una pittrice che si pone il problema del significato della femminilità. Non è un osservazione fuori di luogo ma anzi è una porta di accesso molto diretta a questa arte, intima ma di larghe vedute e di acute idee.”.  (Claudio Strinati)

“L’incontro con la pittura di Vittoriana Benini è un incontro felice. Perché si tratta di una pittrice che sa dipingere e dipinge, non sceglie altre strade. Quindi, facendo proprio l’assioma che l’arte è una promessa di eternità, persegue la tradizione della pittura come capacità di esprimere sentimenti, emozioni e visioni. Quella tradizione secondo la quale la vita quotidiana è fondamento dell’arte, in quanto ogni opera d’arte, come ogni essere umano, ha una propria individualità specifica, che è poi il mistero del suo rapporto con l’atto creativo da cui è nata l’opera stessa. Nella sua pittura calda e pastosa, prevalgono le figure femminili, le figure dei bambini e delle bambole. Forse questo ha un significato che andrebbe approfondito in termini psicoanalitici e psicologici più che in termini critici in quanto si percepisce che l’idea che il dominio di questi dipinti sia non il potere dell’uomo, ma la gentilezza o l’antipotere della donna nella sua dimensione domestica, dove i bambini, che hanno la loro formazione grazie alle donne, rappresentano una posizione intimamente e profondamente femminista espressa da una donna che, probabilmente, non è femminista nella sostanza ideologica ma che ritiene che il ruolo della donna sia un ruolo importante, per cui per la Benini la pittura deve consacrare non un ritratto di una donna importante, protagonista, ma piuttosto deve consacrare una condizione che è la condizione della donna nella storia. (…) La sua è un’analisi emotiva, lirica, personale, dove la profonda umanità e la dolcezza dello sguardo intenso e penetrante fanno trasparire parte della vita interiore, dei sentimenti e delle emozioni della donna rappresentata, che assurge a modello di bellezza. Come Modigliani ha rappresentato il simbolo della bellezza femminile nella pittura, dell’eleganza, della grazia, così Vittoriana Benini rappresenta la bellezza femminile fatta di dolcezza, di poesia, di quei sentimenti puri che si traducono in emozioni. E’ una bellezza inaccessibile come la dolcezza delle parole e della musica, come il corpo femminile, come il rigoglio della natura, come l’eternità del tempo.” (Vittorio Sgarbi)

“(…) Si respirano gli umori della buona pittura nello studio di Vittoriana Benini, due stanze incastonate nella sua antica casa di Mordano, una piccola oasi immersa nel verde della pianura romagnola. Sparsi in questo ambiente di suggestivo disordine artistico, scaldato da una luce distesa che filtra dall’esterno attraverso la finestra, libri, souvenir, bianchi cavalli a dondolo di legno, piccoli specchi ovali di antiche tolette riflettono una coinvolgente atmosfera ovattata che si distilla nella quiete, quasi in un lirico raccoglimento d’ispirazione. E poi le bambole, le tante bambole d’epoca, di pezza, di cartapesta. Bambole, dolci modelle dagli occhi stupiti, curiosi, divertiti, commossi, molto spesso ammassate le une alle altre come cantori di un grande concerto, che affollano le sue tele, senza mai peraltro alterarne la presenza di piani o personaggi diversi. E’ qui che Vittoriana ancora riesce magistralmente ad inventare quella girandola di personaggi di oggetti e colori che si fondono nel suo ideale universo e nelle sue tele come legati da un’intima intonazione materica. Ogni cosa apporta all’opera l’evocazione di una straordinaria serenità e di una delicata purezza. Ci commuovono quelle maternità di tenera intensità, le musicanti, le giocatrici di carte, quegli artisti di strada, veri interpreti di una vita fuori scena, le sue nature morte con arpe e violini, grandi conchiglie, sveglie dove lancette appena accennate segnano il ritmo infinito del tempo. E poi fiori, coloratissime ortensie, o grandi girasoli che si inchinano al calare del sole quando… è subito sera come nella poetica filosofia di Salvatore Quasimodo.” (Nicolina Bianchi).

 “(…) Ci sono le emozioni nei quadri di Vittoriana?Io li guardo e le sue donne mi affascinano, le sue ragazze mi incuriosiscono, le sue bambole mi inquietano…ci sono le emozioni. E se colpiscono me che vivo a Mordano, in provincia di Bologna, come chi vive nel New Jersey o nell’Arkansas, dove Vittoriana ha esposto con successo, allora non sono s soltanto emozioni, ma emozioni forti. E poi c’è qualcos’altro. Una strana magia per cui quell’emozione provocata da bizzarre combinazioni di segni, suoni nel tempo o forme colorate fa da esca per qualcosa che esplode dentro, si allarga e potrebbe continuare all’infinito, come il Big Bang. (…). Ci sono le storie nei quadri di Vittoriana. Forse non sono le stesse per nessuno, ma non importa. Forse sono tutte diverse per ogni persona che guarda, come lo sono le emozioni e come è giusto che sia. Quando guardo e sento, immagino e mi chiedo, a Mordano come nel New Jersey, allora la cosa funziona. E’ questa la magia”. (Carlo Lucarelli)

“(…) L’artista, se è artista vero, diventa regista di una sua personale drammaturgia, capace di trasmettere al pubblico idee e sentimenti. Dopo avere delineato scenografie, arredi, luci e colori il regista-pittore può trarre personaggi e storie da un immaginario scrigno alchemico che contiene risorse infinite: la natura, la storia, la tradizione, i ricordi, i sogni, i simboli…Ecco allora che, all’interno dei confini misurabili e chiusi della cornice, il pittore diventa demiurgo e reinventa il mondo secondo la propria sensibilità e i propri ritmi interiori. Vittoriana Benini conosce bene questa straordinaria facoltà e la esercita con una discrezione e una concentrazione tutta femminile, con una sensibilità attenta e paziente che sa scoprire le sfumature e la profondità dei ricordi e recuperare dallo stock della memoria e dell’infanzia figure emblematiche e suggestive”. (Valter Galavotti)

L’appuntamento per ilvernissage  è fissato per mercoledì 15 maggio 2013 dalle 18.00 alle 20.30.

Il catalogo è edito per i tipi di Galeati Industrie Grafiche s.r.l. (Imola). La presentazione del catalogo è a cura di Claudio Strinati.

Organizzazione: a cura del Periodico SEGNI D’ARTE.

Il 13 maggio 2013 dalle ore 10 alle ore 19 si terrà un laboratorio con il collettivo Canecapovolto (Alessandro Aiello e Enrico Aresu), sul tema della fanzine e dell’editoria indipendente.

Partendo dall’analisi di produzioni cartacee degli anni ‘80, che per l’occasione saranno esposte e consultabili in via eccezionale, i partecipanti apprenderanno tecniche e strategie comunicative fino alla realizzazione di una pubblicazione personale.

Seguirà, alle ore 19:30 un dj set a cura del duo Les Grenadiers Tankistes, corredato da aperitivo e dall’esposizione dei lavori prodotti nel corso del laboratorio.

Il workshop è gratuito e limitato a un massimo di 15 partecipanti. Per iscriversi è necessario prenotarsi via mail all’indirizzo rsnw@autoproduzioni.net entro e non oltre il 10 maggio 2013. La mostra finale è invece aperta a tutti.

Dopo un primo evento dedicato alla Musica, che ha visto ospiti il musicista senese L.A.S.’s Crime e il romano Dario Rossi in un confronto tra due generazioni che a distanza temporale si esprimono con le medesime metodologie e atmosfere, viene ora proposto un  workshop di micro-editoria finalizzato alla creazione di una “fanzine”.

La “fanzine” da piccola produzione fotocopiata creata dai fan per dire la propria su gruppi, concerti e dischi, si trasforma nel corso degli anni in organo informativo indipendente, cercando di diventare un apparato catalizzatore di contatti e di altre iniziative autoprodotte. La moltitudine di possibilità espressive in forma cartacea e le influenze di mail-art e xerox-art ne contagiano l’estetica e le tecniche produttive: le fanzine diventano piccole opere d’arte, in qualche modo dei libri d’artista non istituzionalizzati, con un basso costo di produzione ma un’alta qualità visiva e comunicativa.

I partecipanti impareranno a seguire personalmente le varie fasi di realizzazione di un libro, dalla scelta del formato e della soluzione estetica alla verifica del contenuto, fino alla produzione concreta.

La macchina fotocopiatrice avrà il ruolo di una grande, immobile, macchina fotografica, il corrispettivo della ripresa cinematografica a camera fissa. Doppie esposizioni, spostamenti degli originali nel corso della fotocopia, uso di mascherature, fotocopie di oggetti e parti del corpo… tutto questo verrà costretto nell’inquadratura fissa del piano di lettura della macchina.

Negli anni ’80 l’evidente limite tecnico invitava tutti a ingegnarsi continuamente per oltrepassarlo, e nasceva così la copy-art, tra le intuizioni di Bruno Munari e Stefano Tamburini. Il workshop vuole offrire agli studenti la possibilità di condividere la diretta esperienza dei due ospiti – attivi nel circuito dell’editoria indipendente sin dagli anni ’80 – e attraverso la visione di lavori prodotti con pochissimi mezzi, mira a essere uno spunto per trovare nella contemporaneità delle possibilità creative ed espressive analoghe.
La rassegna si concluderà il 4 giugno 2013 alle ore 19 con  il talk Network Manipulation, in cui verrà messo in relazione il passato (un network postale) con il presente (un network virtuale). Gli ospiti saranno Maurizio Pustianaz (Chain D.L.K) con il talk ”198X, The Days of the Zines: Connessioni e desideri di una generazione senza connessione” e Gianfranco Santoro (Final Muzik) attivi dagli anni ’80 nella produzione e diffusione della musica industrial e d’avanguardia.

Un interessante dibattito sullo sviluppo del network dalla ‘cassette culture‘ ai giorni nostri, l’evoluzione della musica indipendente e autoprodotta in Italia. Suonerà inoltre il progetto elettronico-sperimentale TEMPLEzONE, da Treviso.

L’iniziativa è stata finanziata con i fondi per le attività studentesche dell’Università Ca’ Foscari di Venezia.
Si ringraziano per il loro contributo le aziende agricole De Nardi Gianpietro, Tolardo Bortolo e Salotto Valentino.

Canecapovolto (www.canecapovolto.it) nasce a Catania nel 1992.

In una continua sperimentazione, supportata dall’uso di vari mezzi quali film acustici, video, installazioni, happening, collages, Canecapovolto sviluppa un’indagine sulle possibilità espressive della visione e sulle dinamiche della percezione. Partendo dal cinema, dunque da esperimenti visivi e sonori inizialmente legati al cortometraggio in super-8, il gruppo ricorre a diverse pratiche di produzione audio-video, “sabotando” l’immagine mediatica di partenza con l’intento di attuare strategie di spiazzamento. Grande attenzione è rivolta a indagare la matrice scientifica della comunicazione e la sua risposta nello spettatore. 

Persuasion (http://facebook.com/noisausrep) è un gruppo informe ed informale che si esprime attraverso performance, happening, video, collages e grafiche, nato a Venezia da un gruppo di giovani creativi con background differenti ma accomunati da una simile indagine estetica attraverso la manipolazione delle immagini e delle informazioni basata su una continua ed articolata ricerca.

A plus A è un Centro Espositivo no-profit, finanziato dal Ministero della Cultura Sloveno, nato con l’intento di promuovere l’arte slovena contemporanea ed internazionale. Ogni anno, durante la Biennale di Venezia (Arti Visive e Architettura), ospita il Padiglione Nazionale Sloveno. Dal 1998 è attivo a Venezia. Alle mostre istituzionali si alternano infatti programmazioni ed attività didattiche in collaborazione con enti locali, tra cui la Regione Veneto, il Comune e l’Accademia di Belle Arti di Venezia e con altre figure centrali nel panorama dell’arte contemporanea internazionale.

Spazio:                  Galleria “l’arte è …”

Indirizzo:                              Via degli Anguillara 4

Periodo:                                18 – 26 Maggio

Orario:                                  15.00 / 19.00

Titolo:                                   seidonnepersei

Artiste:                                   Elena Finestauri, Luigia Granata, Lughia, Mirna Manni, Anna Massinissa, Lucia Paese

Curatore:                              Giuseppe Salerno

Organizzazione:  a cura di Lughia

Inaugurazione:                   sabato 18 maggio ore 17:30

Dopo Acri e Roma giunge a Calcata questa mostra itinerante che vede protagoniste sei donne i cui elaborati individuali sono, come tessere di un mosaico, le componenti che Lughia utilizza in questa occasione per la realizzazione  di una propria installazione.

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In società portate allo sfascio dal governo degli uomini è nella comunione delle donne la speranza di futuro?

Lontane per territori d’appartenenza, poetiche e modalità operative, sei artiste sembrerebbero confermare questa tesi quando, coscienti e forti del valore delle loro diversità, insieme concorrono alla definizione di una grande opera collettiva che, assumendo forme differenti in relazione ai luoghi attraversati, si rigenera in un divenire armonico e senza fine.

Mettendo in comune il frutto di quel sentire individuale che le rende uniche le sei protagoniste determinano le condizioni perché ciascuna di esse possa, in successione, dare vita ad una propria architettura capace di offrire una giusta rappresentazione dell’esistente in tutta la sua complessità.

Un incontro di visioni personali, intime, che tornano a confluire ogni volta in un unicum omnicomprensivo e mai eguale a se stesso.

Un’operazione dal carattere forte e sottile allo stesso tempo, interamente giocata su equilibri declinati al “femminile” dove la disponibilità, il rispetto, l’integrazione, la flessibilità e l’accettazione sono lì a connotarne il percorso segnato da continue rinascite.

Sei le protagoniste di questa avventura che coinvolge altrettante città di riferimento e sei le opere, rigorosamente del medesimo formato, da ciascuna di esse offerte affinché, come tessere di un mosaico universale, concorrano all’incessante ridefinizione di quel futuro che a tutti appartiene.

Giuseppe Salerno

Coordinano Cristina Fanelli e Antonio Ria; Letture di Federica Cassini. 

L’ Associazione socio-artistica-culturale

Le Ali Di Pandora

venerdì 10 maggio

presenta

appunt@menti: Incontro d’autore

ore 20,00

inaugurazione della mostra

Nymphaea

di Rossella Venezia

interviene

Lucy Ghionna

ore 20,30

Performance Poetico-Visiva

“imperfette desinenze”

con Rosemily Paticchio e Rossella Venenzia

Centro Polifunzionale – V.le Giovanni Paolo II angolo Via Pistoia, 9 – Lecce

ingresso libero

h. 18/21

L’associazione Le Ali di Pandora, presso la sede al “Centro Polifunzionale di Via Pistoia” a Lecce, venerdì 10 maggio alle ore 20,00, per “appunt@menti d’autore” inaugura la mostra fotografica di Rossella Venezia: “Nymphaea”, interviene Lucy Ghionna che scrive: “Le foto di Rossella Venezia sono emozionanti ed inquietanti. Sembra mettere i corpi in vasetti ermetici, schiacciati e compressi ma circondati da elementi naturali che li rendono poetici. Impacchettati, pronti per spaccare il contenitore e far uscire il contenuto o anche ben contenti di essere messi con “spezie sott’olio”. Si vede nettamente che le figure sono femminili e credo che la sua scelta è mirata per far uscire la lotta quotidiana della donna. Queste le richieste autentiche, le grida vere che, pur spesso soffocate, o fraintese, o male usate, trovano tuttavia risposta e fedeltà di adesione in molte vite singole. Le opere di Rossella mescolano vari toni: lo spirito, la truculenza, la sensualità e la serietà commossa. Mette addosso alla donna la voglia di mandare al diavolo tutti i trucchi, gli artifici, i puntelli di un corpo, di un pensiero, di un comportamento imposto dai sogni maschili. La sua arte riflette il suo tempo e se l’arte è una realtà che coinvolge esistenzialmente tutti, come si può non essere interessati a cogliere le esigenze che emergono dal sociale, le cui componenti si scontrano drasticamente negli immensi spazi urbani?”.  La mostra sarà visitabile fino al 18/05/013.

Seguirà, alle 20,30,  la performance poetico-visiva “Imperfette desinenze” tratta del testo “Incipio” di Rosemily Paticchio che vedrà la proiezione delle foto di Rossella Venezia e la voce recitante della Paticchio. Dice Rosemily Paticchio: “Mi ha sempre affascinata molto il rapporto tra parola e altri linguaggi artistici come l’immagine e il suono, da cui la scelta di pubblicare con Arca Felice, edizioni di arte-poesia, per cui sono state scelte le 10 poesie a comporre Incipio perché tra le più “eteree”, che ben si sposano con la grazia e leggiadria delle foto artistiche che arricchiscono la raccolta, da cui è scaturita la collaborazione con l’artista Rossella Venezia. Proprio questo elemento della commistione tra parole e visioni è forte connotato della mia poetica”.

“Perché non per astratto ragionamento, ma per un’esperienza che brucia attraverso tutta la mia vita, per un’adesione innata, irrevocabile, del più profondo essere, io credo alla poesia. E vivo della poesia come le vene vivono del sangue”Antonia Pozzi. Montale scrisse di Antonia che le sue parole «sono asciutte e dure come i sassi» o «vestite di veli bianchi strappati», ridotte al «minimo di peso» e trasferiscono peso e sostanza alle immagini, per liberarne l’animo oppresso ed effondere il sentimento nelle cose trasfigurate in simbolo.(…).

Mi è stato facile accostare- scrive Ambra Biscuso- la Paticchio alla Pozzi  perchè entrambe vivono simbioticamente il contatto con la natura e, come Antonia scrive, il “farsi natura dà all’uomo la possibilità di entrare nel profondo della vita e cogliere l’essenza di tutto ciò che non è natura; le forme più silenti e maestose del reale custodiscono le risposte per l’interpretazione del mondo. La natura si incarna, si fa compagna e sorella e lo spirito umano, di contro, si immerge e perde in essa.”. La poesia di Rosemily, che opta per il verso libero, ha carattere visionario, onirico, simbolico, mistico, si focalizza sui sentimenti e sui luoghi, che sono poi luoghi dell’anima, cerca angoli del mondo tranquilli e luoghi conosciuti dell’anima in cui rifugiarsi, tant’è che usa lo spazio bianco segnando graficamente le pause lunghe inducend o il lettore a respirare, e, come spiega Scataglini, la poesia deve avere il ritmo del respiro. Il respiro di Rosemily è lento, ha bisogno di pause, per meglio guardare e vedere e condurre il lettore verso paesaggi dell’anima. Racconta la propria malinconia con un linguaggio polisemico in una logica deduttiva, in uno stile all’apparenza astratto, che si risolve spesso in una “zoomata”così che la parola acquisti densità e crei tensione nel lettore che è costretto a guardare un fiocco di neve, una ninfea, un albero, la luna, nella sua visione facendo così coincidere arte e vita nella centralità dell’interiorità e del flusso delle sensazioni.

“Perchè la poesia ha questo compito sublime: di prendere tutto il dolore che ci spumeggia e ci rimbalza nell’anima e di placarlo, di trasfigurarlo nella suprema calma dell’arte, così come sfociano i fiumi nella celeste vastità del mare”.(A. Pozzi)

Associazione Socio Artistico Culturale “Le Ali di Pandora”

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