Per maggiori informazioni:
biblcol@comune.collecchio.pr.it
Tel. 0521.301281
www.comune.collecchio.pr.it

Orari
da martedì a sabato dalle 10:00 alle 12:30 e dalle 15:30 alle 18:00
chiuso i giorni di domenica e lunedì
L’ingresso è gratuito

ilLusion, un’opera tra design e arte, lavorazione del vetro e interpretazioni contemporanee di Fabio Fornasier.

Martedì 28 maggio 2013
ilLUsion
Hotel Liassìdi Palace - first floor

Conferenza stampa ore 12:00
Opening cocktail ore 18:00
Performance ore 18:30 e 19:30

Location Ponte dei Greci 3405
San Marco, Venezia
28 maggio – 29 settembre 2013
ilLUsion è l’interpretazione in chiave contemporanea del patrimonio artistico di Murano. Innovazione, design, emozione.
LU Murano emoziona con le sue creazioni, riempie gli ambienti e attraverso IlLUsion crea nuovi equilibri tra sensazioni.

ilLUsion è arte e design, dal 28 maggio è un’installazione site-specific nel Palazzo Zorzi-Liassìdi, dove antico e contemporaneo si fondono sulle onde sinuose della luce.

Fabio Fornasier noto Maestro del Vetro di Murano, designer, interprete contemporaneo della luce.

Si uniscono innovazione e ricerca, scoperta e viaggio, spazio e movimento nell’installazione tra arte e design di LU Murano.
Il 28 maggio 2013 alle 12.00 la creazione ilLUsion viene presentata alla stampa presso Liassìdi Palace.
Dalle 18 in poi due inizieranno due performance per coinvolgere al pubblico facendo vivere l’esperienza sensoriale di un’opera di luce, vetro e armonia.

L’opera resterà in esposizione fino al 29 settembre 2013.
Liassìdi Palace è un hotel 4 stelle che ha sede dello Palazzo Zorzi-Liassìdi, accanto alla Chiesa greco-ortodossa di San Giorgio dei Greci. Liassìdi è nome della storica famiglia proprietaria dell’edificio.

Ad oggi il palazzo è luogo di incontri tra flussi di artisti nazionali e internazionali, correnti, idee, opere e innovazioni.
ilLUsion
Liassìdi Palace - first floor
martedì 28 maggio

Conferenza stampa – ore 12
Opening cocktail – ore 18
Performance – ore 18:30 e 19:30

ilLUsion 
28 maggio – 29 settembre 2013
Liassìdi Palace
Ponte dei Greci 3405
San Marco, Venezia

Info:
www.lu-murano.it
info@fornasier.it
Ufficio stampa a Venezia:
Laura Scarpa
Tel + 39 392 929 8537
e-mail: laura.scarpa@fnv.co.it
www.veneziadavivere.com

www.lu-murano.it
www.liassidipalacehotel.com

Se uno è lo strumento d’espressione, molteplici sono i modi di intenderlo: Arcangelo, Sandro Chia, Enzo Cucchi e Piero Pizzi Cannella raccolgono la sfida di un diverso supporto su cui apporre segni, elementi, forme che sono loro propri, esattamente come se dipingessero su una tela. Così su vasi, anfore, superfici ceramiche bidimensionali si dispiega tutto il repertorio dei motivi figurativi e degli elementi più riconoscibili che da sempre fanno parte dell’universo pittorico di questi artisti.

In altre ricerche la terra dipinta lascia il posto ad esperienze plastiche che, pur contrassegnate da poetiche molto diverse, entrano nelle dimensioni dello spiazzamento, dell’ironia e di un grado maggiore di libertà espressiva. Aldo Mondino adotta un’iconografia giocosa ed allusiva per il proprio lavoro in ceramica; Antonio Riello con linguaggio destabilizzante e sarcastico trasforma armi da guerra in decoratissimi accessori di moda; Bertozzi & Casoni, sfruttando l’estrema versatilità del mezzo, fanno convivere iperrealistici elementi eterogenei e contraddittori in spiazzanti e paradossali composizioni, dove la materia dissimula se stessa; Luigi Carboni concepisce la tridimensione come il luogo dello sperimentale in cui l’immagine proveniente dal mondo della natura, le zucche argentate e cangianti, conferiscono allo spazio l’aspetto di una vera e propria installazione.

Diversa ancora la direzione di altri artisti, per i quali l’esplorazione della materia coincide con la sua modellazione e con la sperimentazione delle sue mutazioni. Giuseppe Spagnulo intrattiene un rapporto fisico, arcaico con la terracotta che, insieme allo spazio, tratta come specifico elemento sculturale: la aggredisce, la forza, ne assomma parti per liberare la forma dalla staticità; Marco Gastini fa uso dell’argilla in accostamento dialettico e simultaneo con altri materiali, anche dissonanti che, messi in relazione tra loro, hanno la capacità di creare intensi campi di energia; Andrea Fogli dà vita ad evocative forme metamorfiche in cui la terracotta, non smaltata e modellata con le mani, origina sculture che modificano la loro struttura secondo i punti di vista; le sculture vibranti ed irregolari di Giacinto Cerone sono il risultato di un corpo a corpo con la materia che, piegata ad una forma che è un tutt’uno col colore, definisce uno spazio carico di tensioni.

 CINA – ITALIA, LA NUOVA ARTE TRA AVANGUARDIA E RECUPERO DELLE IDENTITÀ

Durante la 55ª edizione della Biennale d’Arte di Venezia 2013, la mostra CROSSOVER apre il dialogo

tra gli artisti della Scuola di HUBEI e alcuni esponenti della nuova scena artistica italiana.

Mostra “CROSSOVER / A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene”

a cura di

Ji Shaofeng e Alessandro Riva

Venezia, porta d’Oriente, guarda con estrema attenzione ai paesi che stanno rinnovando il loro linguaggio artistico come la

Cina. La mostra “CROSSOVER / A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene”, curata da

Ji Shaofeng e Alessandro Riva mette in luce il lavoro e le esperienze di un gruppo coerente e articolato di artisti cinesi -

la cosiddetta Scuola di Hubei – ponendoli a confronto con analoghe esperienze provenienti dall’arte italiana

contemporanea. Se gli artisti cinesi raccontano la realtà della nuova arte del loro paese, sospesa tra avanguardia e

tradizione, tra recupero delle tecniche tradizionali e accenti fortemente contemporanei, analogamente anche gli artisti

italiani di queste ultime generazioni hanno compiuto un percorso di recupero di tecniche tipiche della tradizione italiana

(pittura e scultura, in primis, ma anche fotografia e video, trattati con un’impostazione fortemente classica e raffinata dal

punto di vista esecutivo e formale), pur con accenti e modalità contemporanee, mescolandole con influenze

novecentesche, con uno sguardo alle tematiche sociali e con un continuo rimescolamento delle forme e dei richiami

estetici della surmodernità. Parallela alla 55ª edizione della Biennale d’Arte di Venezia 2013, dal 1º giugno al

24 novembre alla Tesa 113, Arsenale Nord, CROSSOVER non vuole essere dunque un semplice confronto a distanza, ma il

primo tentativo di mettere insieme due esperiense lontane geograficamente, mescolandole e cercando di lasciare che gli

artisti stessi si contaminino, si guardino e influenzino vicendevolmente.

GLI ARTISTI IN MOSTRA:

Fu Zhongwang – Guo Zhengshan - Guo Zi – He Diqiu -  Lang Xuebo - Li Bangyao - Liu Bo & Li Yu -  Ma Lin –  Wang Jing -

Wei Guangqing - Xiao Feng -  Yuan Xiaofang - Yang Guoxin -  Zhan Rui - Zhang Zhan

Matteo Basilè - Simone Bergantini - Aron Demetz - Desiderio - Fulvio Di Piazza - Teresa Emanuele - Enrico Lombardi -

Angelo Marinelli - Elena Monzo - Davide Nido - Marco Petrus - I Santissimi - Paolo Schmidlin -Davide Sebastian - Dany Vescovi

I CURATORI:

Ji Shaofeng, critico d’arte e curatore di fama internazionale, è Vice Presidente dell’Hbei Museum of Art.

Ha al suo attivo numerose pubblicazioni e mostre sulla nuova arte cinese.

Alessandro Riva, curatore e critico d’arte, ha lavorato sulla nuova pittura e scultura italiane con mostre pubbliche sia in Italia sia all’estero.

press contact:

Guendalina Perelli – mob. 3299388286 – email:  guendalina@gwep.it

Giovanna Tissi – mob. 3477971873 – email:  giovannatissi@gmail.com

Durante la 55ª edizione della Biennale d’Arte di Venezia 2013, la mostra CROSSOVER apre il dialogo

tra gli artisti della Scuola di HUBEI e alcuni esponenti della nuova scena artistica italiana.

Mostra “CROSSOVER / A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene”

a cura di

Ji Shaofeng e Alessandro Riva

Venezia, porta d’Oriente, guarda con estrema attenzione ai paesi che stanno rinnovando il loro linguaggio artistico come la

Cina. La mostra “CROSSOVER / A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene”, curata da

Ji Shaofeng e Alessandro Riva mette in luce il lavoro e le esperienze di un gruppo coerente e articolato di artisti cinesi -

la cosiddetta Scuola di Hubei – ponendoli a confronto con analoghe esperienze provenienti dall’arte italiana

contemporanea. Se gli artisti cinesi raccontano la realtà della nuova arte del loro paese, sospesa tra avanguardia e

tradizione, tra recupero delle tecniche tradizionali e accenti fortemente contemporanei, analogamente anche gli artisti

italiani di queste ultime generazioni hanno compiuto un percorso di recupero di tecniche tipiche della tradizione italiana

(pittura e scultura, in primis, ma anche fotografia e video, trattati con un’impostazione fortemente classica e raffinata dal

punto di vista esecutivo e formale), pur con accenti e modalità contemporanee, mescolandole con influenze

novecentesche, con uno sguardo alle tematiche sociali e con un continuo rimescolamento delle forme e dei richiami

estetici della surmodernità. Parallela alla 55ª edizione della Biennale d’Arte di Venezia 2013, dal 1º giugno al

24 novembre alla Tesa 113, Arsenale Nord, CROSSOVER non vuole essere dunque un semplice confronto a distanza, ma il

primo tentativo di mettere insieme due esperiense lontane geograficamente, mescolandole e cercando di lasciare che gli

artisti stessi si contaminino, si guardino e influenzino vicendevolmente.

GLI ARTISTI IN MOSTRA:

Fu Zhongwang – Guo Zhengshan - Guo Zi – He Diqiu -  Lang Xuebo - Li Bangyao - Liu Bo & Li Yu -  Ma Lin –  Wang Jing -

Wei Guangqing - Xiao Feng -  Yuan Xiaofang - Yang Guoxin -  Zhan Rui - Zhang Zhan

Matteo Basilè - Simone Bergantini - Aron Demetz - Desiderio - Fulvio Di Piazza - Teresa Emanuele - Enrico Lombardi -

Angelo Marinelli - Elena Monzo - Davide Nido - Marco Petrus - I Santissimi - Paolo Schmidlin -Davide Sebastian - Dany Vescovi

I CURATORI:

Ji Shaofeng, critico d’arte e curatore di fama internazionale, è Vice Presidente dell’Hbei Museum of Art.

Ha al suo attivo numerose pubblicazioni e mostre sulla nuova arte cinese.

Alessandro Riva, curatore e critico d’arte, ha lavorato sulla nuova pittura e scultura italiane

con mostre pubbliche sia in Italia sia all’estero.

press contact:

Guendalina Perelli – mob. 3299388286 – email:  guendalina@gwep.it

Giovanna Tissi – mob. 3477971873 – email:  giovannatissi@gmail.com

COMUNICATO STAMPA

ALLUDO ROOM

RICH, WHITE MEN

RACHEL LIBESKIND

olii su carta

A cura di Ludovica Rossi Purini e Mariachiara Di Trapani

Inaugurazione martedì 28 maggio 2013

 dalle 19 alle 21

Luogo: Alludo Room, viale Mazzini 6, Scala A, terzo piano, 00195 Roma

Periodo: 28 maggio 2013 – 28 giugno 2013

Orario: da lunedì a venerdì su appuntamento

Si inaugura a Roma martedì 28 maggio 2013 dalle ore 18.30, presso Alludo Room (viale Mazzini 6, Roma) la mostra di Rachel Libeskind dal titolo “Rich, White Men” a cura di Ludovica Rossi Purini e Mariachiara Di Trapani. L’esposizione presenta una selezione di cinque opere – dipinti ad olio su carta – in cui la giovane artista americana in ogni traccia di colore affronta paradossi e corruzioni della società contemporanea e rivitalizza con l’energia del suo gesto il rapporto tra memoria e passato per condurci nel tempo presente. Ricchezza, patrimoni, leaders e status culturale sono i temi principali di questa serie di opere con le quali Rachel Libeskind comunica i propri sentimenti sull’epoca che ha dato la nascita al 21° secolo.

Alludo Room è un progetto espositivo che nasce dalla volontà di creare una Wunderkammer attraverso le opere di giovani artisti contemporanei. Un ciclo di mostre “site specific” pensate e realizzate per accogliere un pubblico di appassionati e amanti dell’arte, creando un legame esclusivo con lo spazio ospitante che è a vocazione privata. La peculiarità di questa camera delle meraviglie sarà il suo continuo rinnovarsi attraverso le immagini e le illustrazioni create per l’evento

Se il cabinet of curiosities viene considerato storicamente il primo stadio del concetto di museo, così la curatela vuole privilegiare i giovani artisti emergenti del panorama artistico nazionale ed internazionale.

RACHEL LIBESKIND è a disposizione per interviste a Roma

da venerdì 24 maggio a sabato 1 giugno

RACHEL LIBESKIND

Rachel Libeskind nasce a Milano nel 1989. Artista prolifica, pioniera nei campi del collage, del disegno, della pittura e del video. Figlia dell’architetto Daniel Libeskind, Rachel Libeskind ha studiato a Berlino e New York, conseguendo il Bachelor of Arts ad Harvard nel 2011.

Libeskind possiede un vocabolario visuale enciclopedico. Il suo database di immagini comprende le arti figurative, la propaganda nazista e socialista così come tramandata dai volumi di storia, frammenti della cultura pop e materiale iconografico dal gusto porno retrò. Tagliando e manipolando queste immagini, Libeskind distorce e interrompe il loro ovvio simbolismo. Prendendo forza dall’astrazione, dalle forme, dai colori e dalle composizioni, riassume una radicale versione della storia attraverso il collage e la pittura.

Le opere di Rachel Libeskind sono esposte permanentemente presso la Galleria di New York Hansel and Gretel Picture Garden, fondata nel 2008 da Jason Vartikar e Sarah Christian.

Vive e lavora a New York.

PERSONALI

2013                   RICH WHITE MEN, ALLUDO ROOM, ROME

2013                   THE WILD WEST, HANSEL AND GRETEL PICTURE GARDEN, NEW YORK CITY

2012                  NACHT MACHT, THE WATERMILL CENTER, WATERMILL

2011                   RACHEL VON LIBESKIND, HANSEL AND GRETEL PICTURE GARDEN, NEW YORK CITY

COLLETTIVE

2013                  LABOEXPO: RUINS, FORO BUONOPARTE, MILAN

2012                  SALON ZURCHER, GALERIE ZURCHER, PARIS

2012                  LAUNCH, GRASSGRASS, LONDON

2011                   OH PIONEERS!, SERT GALLERY, HARVARD UNIVERSITY, CAMBRIDGE

RESIDENCIES AND AWARDS

2012                  WATERMILL CENTER, WATERMILL, NEW YORK

Informazioni:

Alludo Room, viale Mazzini 6, Scala A, terzo piano, 00195 Roma

Per visitare la mostra su appuntamento tel. +39 333 2591170 (Luca Romano)

http://rachellibeskind.com

http://hanselandgretelpicturegarden.com/

Ufficio Stampa

Caterina Falomo

caterina@pennarossapresslab.it

+39 346 8513723

Torna anche per l’estate 2013 – dal 20 al 28 luglio – VACANZE DELL’ANIMA, il tradizionale festival dell’alta Marca Trevigiana che quest’anno si trasforma in un contenitore ancora più ricco di proposte ed eventi, più esteso e che interseca progetti nuovi.

VACANZE DELL’ANIMA, giunto alla quarta edizione, è ideato da Loris De Martin, promosso da Confartigianato AsoloMontebelluna, patrocinato da Club di Prodotto “Treviso – La provincia dello Sport” e Slow Food e inserito in RetEventi regionale. Per l’edizione 2013 vede la partecipazione delle Amministrazioni comunali di Asolo, Caerano di San Marco, Cavaso del Tomba, Cornuda, Maser, Monfumo e Volpago del Montello e la collaborazione di Fabrica.

IL TEMA DI VACANZE DELL’ANIMA 2013

Il tema centrale di VACANZE DELL’ANIMA 2013 è “Orienta-ti – Simbolo e/o rivoluzione”: perché oggi emerge sempre più forte il bisogno di scardinare e sostituire vecchi modi di pensare ed intendere la realtà. “Guardare in più direzioni, creare opportunità alternative riducendo al minimo il rischio del cambiamento, creare reti di appartenenza e reciproco sostegno, questi sono i simboli che potranno attivare quella vera rivoluzione necessaria per fornire ai nostri figli e alle nuove generazioni l’idea di un futuro verso il quale attivarsi sentendosi parte di ‘territori e imprese’” spiegano gli organizzatori di VACANZE DELL’ANIMA.

Confartigianato AsoloMontebelluna, da sempre sensibile all’innovazione come strumento importante per stimolare creatività e impresa, lancia un segnale forte affinchè le relazioni umane, lavorative e anche lo stesso concetto di produzione e sviluppo siano frutto di valutazioni reali che si rifanno all’economia concreta e vissuta dai cittadini del mondo e del nostro territorio.

Idee e proposte che si concretizzeranno nei workshop e negli incontri serali con i protagonisti dell’edizione 2013 di VACANZE DELL’ANIMA, intervallati da curiose degustazioni dei sapori del territorio targati Slow Food.  E poi laboratori artigianali aperti a tutti, una mostra di artigianato d’eccellenza sul tema dell’orientamento che vede coinvolti i migliori artigiani della Marca Trevigiana e, ancora, escursioni a piedi e cicloturistiche per tutti i gusti e gradi di difficoltà.

WORKSHOP E OSPITI

Gli ospiti degli incontri serali di VACANZE DELL’ANIMA 2013 saranno l’attrice Lella Costa e il sociologo Domenico De Masi (20 luglio); lo scrittore e autore teatrale Francesco Niccolini assieme ai giovani musicisti di Fabrica (centro di ricerca sulla comunicazione di Benetton Group), che si esibiranno in concerto (21 luglio); lo scrittore Alberto Toso Fei (22 luglio); le musiciste e docenti di conservatorio Anna Bellagamba e Alessandra Penitenti (23 luglio); l’esperta e promotrice dell’artigiano d’eccellenza Federica Preto (24 luglio); il medico-chirurgo, con esperienze alla NASA, Filippo Ongaro (25 luglio); i docenti “storici” di VACANZE DELL’ANIMA Filippo Faes, Alessandro Grego, Carlo Modonesi, Massimo Ramella, Cinzia Scaffidi, Gianni Tamino (26 luglio); nella serata conclusiva (28 luglio), Enrico Merlin, storico della musica, e la Veneto Jazz Band.

I  LABORATORI

Dal 20 luglio tutte le mattine e i pomeriggi saranno dedicati a laboratori di scultura, Incisione, tessitura, fotografia e ceramica, le cui produzioni verranno presentate nel corso del workshop di mercoledì 24 luglio, dedicato all’artigianato artistico.

Laboratorio scultura – Monumenti: scopo del workshop è quello di ragionare sul tema del monumento, inteso come mezzo per celebrare un evento o un luogo. Quattro incontri condotti dallo scultore Alessandro Mason.

Laboratorio incisione – Percorsi a puntasecca: i partecipanti si cimenteranno nell’interpretare immagini dedicate ai percorsi asolani. I docenti sono Stefano Luciano (artista) e Giancarlo Busato (stampatore).

Laboratorio tessitura – Tessere il paesaggio: È un laboratorio- vacanza, condotto dalla designer tessile Maria Cristina Busnelli. Vacanza… dall’obbligo di produrre un oggetto riconoscibile, utilizzabile o, peggio, vendibile.

Laboratorio fotografia – Memoria: il corso è rivolto ai fotografi amanti dei viaggi nel tempo, della poesia e della creatività. Il docente è il fotografo Vincenzo Vedovato.

Laboratorio ceramica – Orme e labirinti: condotto dalla ceramista Lorella Pozzi, nota creativa e produttrice di complementi d’arredo e gioielli.

LE ESCURSIONI

Sabato 20 luglio è in programma un tour per mountain bike lungo l’Oasi del Fiume Piave, mentre sabato 27 luglio un’escursione a piedi tra i colli Asolani con la collaborazione dell’organizzazione Scarpe Bianche. Domenica 28 luglio, grande evento per gli amanti della bicicletta che potranno vivere le emozioni di un’escursione cicloturistica, sempre non competitiva, con il tour ciclistico La Trevisana – Terra di Campioni!. L’evento propone 3 percorsi, intervallati da tappe itineranti, all’insegna della scoperta del territorio per apprezzarne i tratti architettonici, naturali ed enogastronomici. Il tragitto rimane comunque percorribile per tutta la durata di VACANZE DELL’ANIMA, con possibilità di richiedere la cartina del percorso e una guida turistica.

Le iniziative cicloturistiche sono organizzate da Enrico Tirindelli.

Il programma dettagliato è disponibile su www.vacanzedellanima.it

Pacchetti turistici

Dal sito www.vacanzedellanima.it si potranno prenotare direttamente i pernottamenti in alberghi o agriturismo e accedere alle agevolazioni previste per i partecipanti.

I pacchetti turistici personalizzati con agevolazioni sono disponibili presso l’agenzia turistica XEvents (www.xevents.it) e nel sito de Il Club di Prodotto – Provincia di Treviso (http://clubsport.marcatreviso.it/)

Le proposte sono sviuppate anche con la partecipazione del Consorzio di Promozione Turistica Marca Treviso.

Informazioni e iscrizioni:

Confartigianato AsoloMontebelluna

tel. 0423527839

info@vacanzedellanima.it

www.vacanzedellanima.it

Noi crediamo che un quadro di genere informale faccia breccia nell’animo e nella mente del fruitore dell’arte quando sappia raccontare qualcosa che a prima vista è celato. Che abbia uno spessore e una profondità che sia capace di trascendere la tela generando un mondo  a se stante, in cui è cosi affascinante perdersi..

Questo è il caso delle opere di FLORIANO FLORIANI, pittore trevigiano, in mostra da domani MARTEDì 21 MAGGIO fino a sabato 1 GIUGNO, nella galleria d’arte contemporanea Spazio Bevacqua Panigai di Treviso

20 tele astratte che tramutano le sensazioni dell’artista in poesie visive,  di quelle in versi è già conosciuto in città, ed è proprio questa la forza di Floriani. La sua ruvida sensibilità che riesce ad esprimersi solo attraverso l’arte.

Come scrive l’architetto Fantin, suo caro amico “La ventina di opere che Floriano Floriani presenta è una sequenza iconografica della sua sensibilità, a volte disattesa, su tutti i colori dell’arte. E’ sempre uno spazio da inventare che profuma di trasparenza plisettata, dove la trama del disegno effervescente sconfina nella forma di un inconscia e sensuale felicità, all’interno di quello spazio da inventare ogniqualvolta la linea diventa fluido leggibile ed elegante..”

In mostra 20 tele e 20 poesie.

Floriani è un pittore da scoprire. Ne siamo sicure.

VERNICE INAUGURALE

Martedì 21 maggio

ore 18.30

Spazio Bevacqua Panigai

Vicolo S.Pancrazio 3

31100 Treviso

WEB. www.spaziobevacquapanigai.com

M. art@spaziobevacquapanigai.com

T. +39 04 22 18 5 61 40

DAL MERCOLEDI AL VENERDI DALLE 15 ALLE 19 E IL SABATO DALLE 10 ALLE 13 E DALLE 15 ALLE 19.

date: 2 giugno – 30 settembre 2013

Inaugurazione: 1 giugno 2013 ore 17

Ogni anno a Venezia si svolgono ENCUENTROS insieme di mostre in cui artisti di tutto il mondo si raccolgono intorno alla figura poliedrica di Wilmer Herrison. Venezia è la prima tappa delle esposizioni che verranno poi portate nei musei Venezuelani omaggiare le “Storie” sempre originali e creative che nascono e prendono forma “tra Venezia e Venezuela”.

Wilmer Herrison ricerca le origini del suo essere uomo, del suo essere venezuelano e del suo incontro con l’europa. Ci porta in un viaggio che ci fa ritrovare le nostre stesse origini per andare oltre ed essere travolti da riflessioni ancestrali che ci permettono di scovare significati profondi all’interno di opere pittoriche e fotografiche non più enigmatiche se interpretate con la chiave di lettura che l’artista ci offre.

Inizia a giugno 2013 una mostra diffusa in luoghi del vivere quotidiano, sono stati scelti luoghi comuni vicini alla gente perché l’arte è della gente comune che spesso non visita la Biennale. In via Garibaldi gli artisti incontrano i veneziani e si confrontano di temi tra l’eccentrico e il profondamente spirituale per arrivare a scoprire poi un po’ di più noi stessi.

L’arte, nata da creativi che si sono incontrati ed hanno iniziato una ricerca comune sulle origini, è ora fra la gente per essere viva e per non morire in luoghi d’esposizione vuoti e ontani dalla vita di tutti i giorni.

Wilmer Herrison ha dimostrato che si possono creare percorsi al di fuori del consueto rivolti a tutti, non ad un pubblico di specialisti. L’arte contemporanea viene vissuta, viene spiegata, viene metabolizzata in spazi semplici e soprattutto non istituzionali, vicina alle “Storie” che l’anno creata.

Wilmer Herrison ha invitato a partecipare alle esposizioni diffuse

Claudia Llinas, artista – Rita Pierangelo, artista – Mauro Liotto, pittore – Luigi Bona, artista – Massimo Branca, fotografo – Roman Tcherpak, artista – Andrea Secchia, artista – Silver Jaronsson, pittore –

Migdali Herrison, cantante lirica – Jennifer Cabrera Fernandez, coreografa –

Emely Jimenez, fashion designer – Erwin Aguirre, artista

Curatore:

Lucien Chevalier

Responsabile della comunicazione:

Elisa Rodriguez

Accompagnano la ricerca sulle origini i testi

Michel Boutier, Lucien Chevalier, Cecilia Ci, Samantha Lenarda, Gerard Xurigera, Raffaella Zanus

Istituzioni che patrocinano l’iniziativa:

Ministero della cultura venezuelano

Governo Bolivariano del Venezuela

Museo de Arte Contemporàneo – Barquisimeto, Venezuela

Museo de Arte Contemporàneo MacZul

Circolo artistico di Venezia

Organizing for Action

Tematiche principali del lavoro di Achir sono i ritratti di donne, il cui sguardo funge da catalizzatore e invito per una riflessione personale sulla conoscenza di sé, e i paesaggi, grandi spazi in cui gli occhi si perdono nella luce che riempie il senso di solitudine dato da una terra disabitata. A questi temi principi del lavoro di Achir si aggiungono le vedute di città e di falansteri, edifici – torri desolati che si ergono nella natura, come l’animo nel corpo umano, e dipinti più introspettivi, che narrano di pensieri e ricordi…

La mostra presso il Centro per l’Assistenza Sociale e Culturale tra i dipendenti della Banca d’Italia è stata concepita come una retrospettiva per presentare contemporaneamente tutte le tematiche indagate da Achir per una collezione di circa trenta dipinti di medio e grande formato (da 50×70 cm. fino a un massimo di 200×200 cm.). La raccolta, dunque, sarà divisa in quattro gruppi di opere: ritratti di donna; paesaggi; città e falansteri; pensieri e ricordi. 

Le Ali Di Pandora

Il Raggio Verde Ed.

domenica 26 maggio alle ore 20,00

presentano

Andrea Sharklover

“Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica”

performance musicale a cura di

“La chiave di Ecate”

con le visioni  di Massimiliano Manieri

Centro Polifunzionale – V.le Giovanni Paolo II angolo Via Pistoia, 9 – Lecce

ingresso libero

L’associazione Le Ali di Pandora e la casa editrice Il Raggio Verde srl, organizzano l’evento “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica” presso la sede de Le Ali di Pandora sita in Via Pistoia, 9 (Centro Polifunzionale), Lecce.

L’evento, con il Patrocinio della Provincia di Lecce e della Città di Lecce, sarà un’ occasione per dare voce alla poesia con il canto, un’opportunità per portare l’arte in periferia, un motivo per animare e vivere un quartiere della città considerato degradato nella convinzione che attraverso i linguaggi trasversali dell’arte in un connubio tra musica, arte e visioni si possa creare una naturale aggregazione costruttiva.

In questo intento si indirizza la collaborazione tra la casa editrice Il Raggio Verde srl. e l’associazione socio-artistica-culturale Le Ali di Pandora in una sinergia mirata alla tutela e valorizzazione dell’ambiente e della persona attraverso attività culturali dove emerga la capacità di  animare e creare attrattive in spazi alternativi portando il centro nella periferia, immaginando una città all’altezza delle sue bellezze culturali e del suo patrimonio di civiltà.

programma

Ore 20,00 saluto delle Autorità-

Ore 20,30 –  inaugurazione mostra fotografica di Andrea Sharklover, visitabile fino al 31 maggio Interverrà Lucy Ghionna (Docente dell’Accademia di Belle Arti di Lecce), che scrive: “Questo bel giro del mondo dell’artista Andrea Sharklover ci fa sognare. Le sue fotografie ritraggono la dolcezza, la poesia ma anche l’irruenza della natura. Lui come un reporter, documenta le sue avventure in modo sapiente ed elegante trasferendo la sua passione all’osservatore che si ritrova a viaggiare immediatamente. Il mare, il cielo e i grandi spazi, sono i temi trattati nelle sue opere spesso popolate da animali e soprattutto dagli squali che probabilmente sono la sua passione. Questi animali così forti ed aggressivi  sfidano la vita in ogni momento del loro incontro. La sua arte è un’arte fatta per tutti, semplice da comprendere in nome di una socialità dell’arte. Come un pittore en plein air, l’artista usa la macchina fotografica con spontaneità costruendo una nuova iconografia attraverso l’esperienza diretta con la natura e la “scoperta “ della luce. I suoi paesaggi ritraggono vari momenti della giornata soffermandosi nello studiare la luce nella sua  intensità. Secondo Apollinaire ”i grandi poeti e i grandi artisti hanno la missione sociale di rinnovare senza posa le sembianze che riveste la natura agli occhi degli uomini”.

Ore 21,00 –  performance musico-visiva “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono”  del Gruppo “La chiave di Ecate” con le immagini visionarie del video di Massimiliano Manieri: “Plink”.

La performance trae spunto dal libro di Andrea Sharklover “In Cammino verso la bellezza” Il Raggio Verde ed. Il libro di Sharklover è un errare poetico e contemplativo che parte dal Salento e viaggia tra il Sud Africa e Cuba. Un occasione per avvicinare luoghi lontani che Andrea, amante degli  squali, fissa nel suo obiettivo. Un alternarsi di immagini e parole dove non tutto quel che c’è può essere detto; sentimenti, emozioni e confronti in un universo costruito attraverso le fotografie e le parole, in una trasposizione soggettiva colma di istanti insostituibili dove pienezza, allegria, delusione, drammaticità e abbandono sono raccontati con semplicità in una fusione mistica con il mare e le sue creature. Tra le immagini e la parola c’è la musica che sembra essere il naturale nesso conciliatore. “La chiave di Ecate” apre le porte e compone la musica per la poesia di Andrea e riesce a toccare, attraverso la composizione e la tensione vocale, alle sonorità profonde ed intense, le corde più intime e nascoste della mente e del cuore andando a lambire i confini dell’anima.

La proiezione del video di Massimiliano Manieri: “Plink (…l’uomo caduto in cattive acque)” contemporaneamente alla performance, è una voluta asimmetria che fa dell’uomo un mistero permanente e impenetrabile. Scrive Luciano Pagano: è un uomo caduto dal cielo che viene trafitto da una lancia conficcata nel terreno e con la punta verso il cielo. (…) Chi è e perché è caduto sulla terra? È venuto per farsi uccidere all’istante? Il pensiero è naturale, venire al mondo per farsi trafiggere all’istante, cadere da una realtà ovattata e celeste quale può essere quella dei nove mesi in cui siamo nel ventre materno, vestiti da sub, coccolati, per poi essere proiettati nel mondo ancora con la muta e trafitti.

“Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica”

  “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono. Immagini, poesia, musica” è il titolo dell’evento organizzato dall’associazione Le Ali di Pandora e la casa editrice Il Raggio Verde srl, domenica 26 maggio, ore 19,30, presso la sede dell’associazione sita in Via Pistoia, 9 (Centro Polifunzionale).

Le immagini saranno quelle della mostra fotografica di Andrea Sharklover autore del libro di foto e versi “In cammino verso la bellezza” , edizioni Il Raggio Verde. Inaugura la mostra Lucy Ghionna (Docente dell’Accademia di Belle Arti di Lecce).

I suoni saranno quelli del  Gruppo “La chiave di Ecate” (a partire dalle ore 20.00) che presenterà la performance poetico-visiva “Il Blu diventi luce, la luce diventi mare, il mare diventi suono” che si avvarrà, scenograficamente, dello straordinario video di Massimiliano Manieri dal titolo “Plinck”.

Il gruppo “La chiave di Ecate” è composto da quattro elementi, alla tastiera Stefano Caputo, alla voce Grazia Riccardo, al violino Valentina Marra e al flauto traverso Flavio Mele. La musiche composte dal gruppo posseggono sonorità profonde ed intense, che vanno a lambire i confini dell’anima pizzicando le corde più intime e nascoste della mente e del cuore qui a servizio della poesia, difatti la performance trae spunto dal libro di Andrea Sharklover “In Cammino verso la bellezza” Il Raggio Verde ed. Il libro di Sharklover è un errare poetico e contemplativo che parte dal Salento e viaggia tra il Sud Africa e Cuba. Un occasione per avvicinare luoghi lontani che Andrea, amante degli  squali, fissa nel suo obiettivo.

Un’ occasione, dunque, per dare voce alla poesia con il canto, opportunità per portare l’arte in periferia nel solco di questo intento si indirizza la collaborazione tra la casa editrice Il Raggio Verde e l’associazione socio-artistica-culturale Le Ali di Pandora in una sinergia mirata alla tutela e valorizzazione dell’ambiente e della persona attraverso attività culturali.

La manifestazione è patrocinata da Comune e Provincia di Lecce e rientra negli eventi di Lecce Capitale Europea della Cultura 2019. Ingresso libero.

Il libro In cammino verso la bellezza di Andrea Sharklover

Fotogrammi e versi, felicemente accostati in continuo rimando fra parole e immagini, per costituire un corpo unico in un libro che diventa pretesto per parlare di bellezza: la bellezza dei paesaggi meravigliosi, catturati tra gli angoli più disparati del nostro pianeta, e quella dei luoghi dell’anima dove sedimentano i pensieri più autentici, dove la parola diventa paesaggio interiore, riflessione sul senso della vita, quasi racconto di sentimenti e passioni che hanno la potenza delle onde che si infrangono sugli scogli dei mari del mondo.

Il mare, fil rouge dell’intero libro, da “soggetto fotografico diventa “oggetto letterario” per declinare in versi le visioni dell’autore, i suoi sogni, le sue speranze: “Sognando/ mi accorgo del cielo. Nuvole di luce/morbide spumose/ sorreggono le mie speranze./ Sognando/mi accorgo del mare/profondità blu cobalto/. In cammino verso la bellezza è un viaggio fuori e dentro di sè. Un itinerario che parte dal Sud del Bel Paese per giungere all’estremo Sud del mondo, doppiando il Capo di Buona Speranza nel Sud Africa, come gli antichi navigatori, e poi ancora viaggiare, riprendere le rotte del mare….inseguendo le onde dal Porto di Simon’s Town, Sud Africa, a Cape Point, passando per Los Abrigos, Tenerife Sud, nelle splendide isole Canarie, per poi lasciarsi incantare dalle acque cristalline della caleta, costa Adeje, Tenerife Sud, e ritrovare i propri passi sulla sabbia di cayo Santa Maria, Sancti Spíritus, nella mitica Cuba… Nato sotto il segno del leone, Andrea Sharklover ama definirsi uno spirito in continua ricerca, dedica gran parte del suo tempo a studiare materie umanistiche e scientifiche. Il mare e gli squali, sue grandi passioni, gli fanno incontrare, nel 2006, il professore Alessandro De Maddalena, e con lui approfondisce le sue conoscenze in materia di squali, partecipando a svariati corsi sulla biologia degli stessi.

Si ringraziano per la realizzazione dell’evento presso l’associazione Le Ali di Pandora:

Pasta d’elite  Via Bari 2, Lecce

Alessio Gubello Executive Personal Chef e Owner presso Pasta D’elite

Scuola di cucina il gusto del tacco di Anna Maria Chirone Arnò
via Lupiae n.29  73100 Lecce

Cantine Amastuola- Massafra (Taranto)

Bar Kolbe Lecce

Villa Conca Marco Vanze- Lecce

Una location esclusiva per ospitare un’esposizione-percorso che invita il visitatore ad attimi di riflessione, osservazione e sorpresa, in un viaggio nel viaggio tra i quattro piani del nhow hotel Milano.

È Reality Fluids il titolo della mostra che sarà inaugurata il 16 maggio alle 18:30 in via Tortona 35 a Milano,in collaborazione con hiWHIM, Galleria Blanchaert e Spazio Rossana Orlandi, per proporre una varietà inaspettata di opere tra arte e design, installazioni, pittura e scultura.

I Reality Fluids sono le correnti di realtà attraverso e lungo le quali ci muoviamo, sono segni di una condizione attuale definita nel suo movimento costante e allo stesso tempo sono propaggini di una realtà più profonda che si manifestano perché noi possiamo vedere più di quello che percepiamo in superficie.

Ed è proprio attraverso gli occhi e le mani degli artisti che possiamo esplorare diversi livelli di realtà riuscendo a intravedere aspetti nuovi, sfocati e ignorati in precedenza. 14 artisti e 14 designer che abiteranno gli spazi del famoso e iconico hotel trasformandoli in una galleria d’arte per dimostrare come la struttura innovativa del nhow hotel, per soluzioni architettoniche e di arredo, sia in grado di integrarsi con l’arte e il design di ricerca.

La mostra rimarrà negli spazi dell’hotel fino al 13 ottobre 2013, ponendo ancora una volta l’hotel milanese di design come vero epicentro artistico e creativo.

Gli artisti coinvolti nella mostra sono Cracking Art Group, Elena Escard, Mariano Franzetti, Claudio Greco, Mercedes Ley, Giordano Morganti, nerosunero, ProvocActionArt, Sonia Ros, Giulia Ciliberto+Andrea Farinati+Matteo Stocco, Moritz Waldemeyer, Willow.

Tra i designer, invece, partecipano AtelierFORTE, Double-ei, Drydesign, Guglielmo Fabian, Felicerossi, Setsu & Shinobu Ito, Paolo Nicolò Rusolen per Laurameroni, Karim Rashid (Illulian, Base Srl, Martela), Rooms, Sillabe, Nicole Tomazi.

In Reality Fluids, l’artista scardina il linguaggio del reale apparente, lo scompone e ricompone per renderlo diversamente accessibile. Artisti come Claudio Greco, Mariano Franzetti, Sonia Ros e Willow lavorano con l’installazione, scultura e pittura attraverso questo procedimento di smembramento, collezione e ricomposizione. Ciò che abita l’opera finale è familiare, ma estraneo al tempo stesso, il particolare parla di un intero che sfugge e non si fa in tempo a rintracciarlo che già l’insieme delle parti si è ricomposto in un corpo nuovo, affascinante e anche conturbante.

Realtà diverse che si incrociano, si modificano col passare del tempo, inventano il tempo anche, come nell’opera di ProvocActionArt, dove il tempo diventa concretamente un concetto fluido in ogni direzione.

Realtà che si sovrappongono, come nelle fotografie di Moritz Waldemeyer, in cui ambienti reali sono abitati da danze di luci, quasi una volontà dell’artista di fermare quelle presenze sottili che si muovono tra gli strati del reale più concreto e che solo a volte abbiamo la capacità o la fortuna di intravvedere.  Sovrapposizioni anche nelle opere di Elena Escard, dove è lo sguardo di chi osserva ad aprire differenti porte di accesso all’opera. Livelli sovrapposti che non potrebbero vivere uno senza l’altro, perché intimamente fatti della stessa materia.

Dallo studio della materia parte il lavoro di Cracking Art Group, una riflessione sul rapporto anche simbolico tra naturale e artificiale e sulle sue conseguenze nelle nostre vite. Giochi di percezione, apparenze che ingannano. Anche Mercedes Ley parte dalla materia, proprio dall’acqua, che lei rende realisticamente nei suoi infiniti movimenti e sfumature come pretesto per una riflessione sulla continua trasmutazione della realtà, da quella più concreta a quella più impalpabile. Le immagini diventano così anche porte verso rivelazioni possibili, come nelle foto di Giordano Morganti, dove l’essenza della natura nelle sue forme e combinazioni sempre nuove apre la porta a paesaggi anche interiori. Dalla rappresentazione del reale parte anche il lavoro di nerosunero. I suoi lavori sono attimi cristallizzati, ritratti di momenti sospesi in cui il fiato si ferma in attesa di qualcosa che forse accadrà o è già avvenuto.

Nel design, indagare le diverse sfaccettature del reale e i suoi vari livelli, e lo smascherare le apparenze, si uniscono alla sempre più sentita attenzione all’ambiente portando concretamente a trovare una nuova vita per materiali nati con altri scopi. Come il materiale di scarto di stampa, cassetti di legno, provette di vetro che insieme trovano nuovi contesti e funzioni nei pezzi di Double-ei. Allo stesso modo Setsu e Shinobu Ito utilizzano il cartone da imballaggio, materiale già ampiamente sperimentato da diversi designer, giocando con le apparenze. La poltrona Kai (‘conchiglia’ in giapponese) è realizzata in cartone, ma sembra di legno massiccio. Leggero e pesante perdono così i loro connotati abituali, anche nella scultura di AtelierFORTE. Il ferro e la testa di mammut cui dà forma sembrano liberarsi di tutto il loro peso tramite una struttura leggera come il respiro dell’animale, che tuttavia non lo svuota della sensazione di forza e potenza.

Il concetto di fluidità è esplorato anche in termini di funzionalità e di adattabilità degli oggetti di cui cicircondiamo alle esigenze in continuo movimento delle nostre vite. Così per le sedute di Felicerossi, i tavoli e vasi di Sillabe che si congiungono in una varietà di combinazioni, la cassettiera di Paolo Nicolò Rusolen – cassettiera discreta e scultura allo stesso tempo-, e gli elementi di DryDesign che diventano sgabelli, tavolini o vasi a seconda delle esigenze. Guglielmo Fabian interpreta invece la fluidità caratteristica del nostro tempo con degli Internet tables, oggetti nuovi che rispondono a un’esigenza attuale. Il design di Nicole Tomazi è fluido nell’attraversare diversi livelli sociali, quello più povero e quello dell’industria locale della sua terra natia, il Brasile. I pezzi di Rooms giocano con i materiali e le consistenze. Il tavolino Invisible, fatto di specchi, perde la sua identità riflettendo di volta in volta la realtà che lo circonda.

Karim Rashid porta infine al nhow le sue linee morbide e flessuose con una serie di pezzi che includono tappeti, tavoli e sedute. Il suo è un design che riflette sulla percezione personale di dove e come vogliamo costruire l’ambiente in cui viviamo, riportando il design a una dimensione che va oltre il semplice interior design.

In concomitanza con la mostra, parte oggi al nhow milano la nuova installazione ‘live’ artistica e di design australiana “The Abandoned Boudoir” curato da Marisia Lukaszewski di aestheticalliance che, per 5 giorni, resterà all’interno di una stanza d’albergo che diventerà uno spazio intimo espositivo. I normali oggetti presenti in una camera verranno sostituiti con pezzi di design australiano per riflettere sull’identità di quel paese.

Mario Sughi, artista italiano che da molti anni vive a Dublino disegna e dipinge tutto al computer facendo uso di una tavoletta digitale. L’utilizzo di una “macchina” per la realizzazione della sua “pittura” è assolutamente coerente con un raffreddamento del mezzo espressivo in grado di ridefinire un ordine di rapporto tra l’artista e i soggetti che rappresenta. Figure, per lo più femminili, perse nello spazio. Figure concentrate in sé in ogni azione che compiono.
Ama, lo scrive lui stesso, Francis Bacon e David Hockney e dunque da una parte riflette sulla solitudine, l’ossessione, il vuoto, dall’altra muove da una diretta critica alla società, alle sue convenzioni. L’artista però dialoga anche con alcuni altri artisti, e prima di tutto con Peter Blake del quale coglie l’impaginazione sensibile, la capacità di gestire i vuoti insieme con i pieni delle figure.
In Mario Sughi c’è un segno tagliente, nuovo, ricondotto ai contorni, un’invenzione del colore di una tensione costante attraverso il quale l’artista crea gli spazi, i possibili movimenti, le profondità. “Credo, scrive Arturo Carlo Quintavalle, che nella dimensione del nuovo racconto figurativo dell’arte inglese, ma anche dell’arte italiana, la ricerca di Mario Sughi sia importante anche e proprio per la sua capacità di arricchire la vecchia lingua della pittura con le novità di linguaggi diversi, originali, inconfondibili, di grande qualità.” Infatti Mario Sughi apre un dialogo con la Pop Art inglese rifondandone alcuni statuti attraverso il ricorso alle strategie linguistiche del fumetto, dell’affiche e dell’illustrazione. Osserviamo composizioni semplici, pulite, con pochi elementi, spesso con un affascinante orizzonte nel background. In ogni opera si apre uno spazio che continua oltre il limite del quadro, è sempre uno spazio infinito da cui risalta ancora di più l’importanza della figura umana e del suo “smarrimento-ritrovamento”.
Il titolo IL COLORE DEL TEMPO è suggestivo e apre al nostro pensiero innumerevoli possibilità di sviluppo. Il tempo nelle opere di Mario Sughi è anche dato dal colore, da sfumature e velature in eleganti e suggestivi accostamenti. A volte è un colore pastello, a volte è un colore più forte. E’ il colore del nostro tempo.

Mario Sughi, nato a Cesena nel 1961, vive e lavora a Dublino. Presentato in diverse gallerie di tutto il mondo: da Los Angeles a New York, da Roma a Milano, da Bruxelles a Berlino, i suoi lavori hanno disegnato le illustrazioni di innumerevoli riviste e siti web includendo Mario Sughi tra i 200 migliori illustratori mondiali. Nel 2011 è stato protagonista alla 54maBiennale di Venezia nel progetto “The Italian Pavilion in the Word ”presso l’istituto italiano di Cultura a Dublino ed è stato selezionato in prestigiose rassegne internazionali tra cui l’” Annual American Illustrators”, l’ “Aesthetica Magazine - Creative Works” di Londra e “200 Best Illustrators worldwide 2009/2010”

MOSTRA: IL COLORE DEL TEMPO

DESCRIZIONE:  personale di Mario Sughi aka nerosunero

INAUGURAZIONE:  Giovedì 9 maggio, ore 18.30, presso la galleria Yvonneartecontemporanea

PERIODO:  9 – 31 maggio 2013
SEDE:  YvonneArtecontemporanea
Contrada Porti, 21 – 36100 Vicenza
Tel. 393 9060790 email: info@yvonneartecontemporanea.com
www.yvonneartecontemporanea.com
ORARI: Martedì-Sabato 15.30/19.30 o su appuntamento

IL CATALOGO edito da Vanilla Edizioni verrà presentato al FINISSAGE

INGRESSO LIBERO

In coerenza con la tradizione e la denominazione dello spazio espositivo saranno presentati dodici lavori di formato medio-piccolo.

Le raffigurazioni sono il tramite visivo per esprimere stati d’animo e per indagare aspetti psicologici di interiorità ed esteriorità.

Piazza innesca un cortocircuito tra elementi naturali che irrompono negli interni domestici ed oggetti della quotidianità che si trovano inseriti nel paesaggio, si determina così un doppio effetto di straniamento che coinvolgere e trasporta l’osservatore in un mondo immerso nel silenzio e in una dimensione d’incanto fiabesco che offre spunti di riflessione e di raccoglimento, evoca memorie e suscita emozioni.

La mostra si potrà visitare il Martedì, Giovedì, Sabato e Domenica dalle 18,00 alle 20,00, fino al 19 Giugno.

SPAZIO 12

Via Emanuele Calogero, 12 – 97013 Comiso (RG)

Tel. 0932 1912566

spaziododici@virgilio.it

https://sites.google.com/site/wwwspazio12it/home

L’esposizione, in programma fino al 5 giugno prossimo (dal martedì al sabato con orario 10.00-13.00 e 16.00- 20.00 e ingresso libero), rappresenta – attraverso una trentina di opere circa, tutte realizzate con tecniche diverse – un significativo excursus nella produzione di questo straordinario artista dal riconosciuto talento e ne racconta egregiamente la prorompente forza creativa.

Caratterizzato da una travolgente carica interiore e da un linguaggio pittorico forte, Renzo Verdone è dotato di una profonda curiosità intellettuale che trova sfogo nell’apertura verso linguaggi diversi e che gli consente di destreggiarsi abilmente sia con la tela e l’acquaforte che con il disegno, passione quest’ultima che non si interromperà neanche negli ultimi giorni di vita. Verdone matura la propria preparazione artistica a stretto contatto con i gruppi sperimentali delle Gewerbeschule di Berna e di Zurigo, che raggiunge dopo aver lasciato ancora giovanissimo l’Italia e con i quali compie accurati studi di ricerca figurativa, scultura e nudo. Rientrato in patria, consegue il diploma all’Accademia di Belle Arti di Roma e inizia un’intensa attività artistica, frequentando l’ambiente culturale della Capitale. Dal 1971, anno della sua prima personale, sono molteplici le esposizioni alle quali prende parte, così come i riconoscimenti che gli vengono attribuiti (tra cui anche la Medaglia d’oro del Presidente della Camera dei Deputati e il Trofeo C.I.S.A.C.) e che testimoniano la validità e il continuo rinnovarsi dell’uomo e dell’artista. Scompare a Roma nel 2011. Quella di Renzo Verdone è una pittura colta rigorosamente figurativa, seppur con richiami ad altre istanze rappresentative, fra cui quella simbolista, un’arte capace di investigare nell’oscurità del sogno e nei territori dell’inconscio, “una pittura che” - come scrive Barbara Scaramucci – “scava nell’animo, che ci colpisce per la sua intensità (…)”.

In mostra nell’esposizione organizzata da Il Mondo dell’Arte soprattutto oli su tela e tempera, di dimensioni diverse, ma anche disegni e acqueforti, tutti lavori nei quali è evidente la capacità con cui Verdone padroneggia la tecnica e il segno, che si mostrano sempre solide e raffinate, ed è forte la profonda testimonianza della ricerca grafica e pittorica alla quale l’artista si dedica continuamente. La violenza dei chiaroscuri, nitidi e sicuri, la forza penetrante e l’anatomia dei soggetti ritratti ricordano i drammatici nudi rappresentati da grandi Maestri del passato, Masaccio e Mantegna in special modo. Ma nella mostra in programma a Palazzo Margutta così come nell’arte di questo Maestro introverso, pensatore e poeta al tempo stesso, lo spettatore ritroverà anche altri temi pittorici della classicità – l’Eros sensuale, il presentimento del dolore, della morte, di Dio – e ancora forti sentimenti contrastanti che vanno dalla positività, rappresentata dalla bellezza dell’essere umano, alla negatività, raccontata attraverso l’angoscia e la solitudine che spesso dominano questa epoca di freddezza, di indifferenza e quindi di amarezza.

L’appuntamento per ilvernissage è fissato per sabato 25 maggio 2013 dalle 18.30 alle 22.00. La serata si concluderà con la lettura di brani e poesie d’amore, firmate da grandi autori e dal Maestro Verdone, e da una performance musicale di chitarra e violino, omaggio di amici e colleghi all’artista.

Di lui hanno detto: “La pittura di Renzo Verdone si collega alla tradizione del «bello estetico» di ordine classicistico, avendo l’artista espresso la convinzione che il suo “saper fare” non va slegato dal rigore, che si è andato perdendo, delle tecniche del passato e dai linguaggi che si sono succeduti nel tempo. E questo perché il rispetto della tradizione per Verdone passa attraverso la rivitalizzazione non solo delle forme acquisite dalla storia dell’arte, ma anche dell’immaginario collettivo moderno che le ha aperte al movimento, all’infinità spaziale e luminosa, secondo quei linguaggi che hanno accompagnato gli artisti nel cammino verso il continuo presente. AI contrario degli anacronisti bloccati alla ricerca della «cosa in sé» fuori del tempo, Renzo Verdone ha invece affrontato il percorso linguistico dei tempi, portando le sue forme – come è stato detto per quelle dei neo manieristi – ad «essere assolutamente moderne a costo di sacrificare qualunque modernismo». Il sacrificio riguarda le tipologie nominali del futurismo, surrealismo e astrattismo, ma non l’idea del movimento plurispaziale, le campiture bidimensionali e astratte, gli automatismi in grado di liberare le ossessioni inconsce, mitigando il bello platoniano ed estetizzante”. (Luigi Tallarico)

“La vicenda dell’uomo con la sua forza interiore e la sua esistenziale realtà è cosa che subito si avverte nei saldi dipinti dell’artista. Dove l’umana presenza è sentita in aspetti di poderosa strutturazione morfologica, di vitale intensità e di travolgente carica interiore. Il suo perentorio impegno è teso a far si che i sentimenti che animano le sue opere, l’impulso emotivo che per intero le permea e quella viva, ardente volontà non abbiano a spegnersi. Così per la spirituale tensione che alimenta codesto esasperato volere e per la cruda verità che affronta, le figure, i nudi di Verdone paiono intagliati nella scabra durezza della selce sino ad immobilizzarsi nella ferma monumentalità del simbolo. E ad un tempo, il colore carnale di quelle forme pare dare vibrazioni d’esistenza e palpiti di vita. Nei temi trattati è facile cogliere richiami di classica ascendenza da cui derivano lo stile dell’artista ed un gusto che quella nobiltà rinnova ed avvia nei modi della “Nuova Figurazione”. (Vittorio Scorza)

”Dolore, morte, Dio (o verità che è identica cosa), ansia nella conduzione della ricerca: questi i temi, gli stati d’animo di una pittura peraltro molto bella. Immerso nel magma spesso inconoscibile dell’esistenza, vuole indagare le forme, le fasi evolutive, i possibili accadimenti, le eventualità di soluzione. E’ tutto un fluire di pensieri. Un discorso aperto insomma, in cui tutto è dialettica; tutto è ricerca, tutto è sempre, e comunque, da dire. Questa del resto la vera forma di un artista: ricercare. In divenire quest’opera. Il risultato di grande, eccellente maturità della forma, si imbatte nell’indagine di fondo, quella umana in fase evolutiva con tutte le sue anfrattuosità e discrepanze. Un divenire che ha dei punti di forza notevolissimi (le situazioni colte), concentrati appunto in una robusta tecnica pittorica con soluzioni figurali molto ben risolte, tutte d’estrema efficacia rappresentativa, dalla cromia illividita, la figura asciutta. Aspetti di un discorso in ansiosa attesa di una possibile, virtuale soluzione al quesito. La forma ne sorte stravolta. La forma è un modulo, un archetipo; sempre identica a sé, diviene quasi oggetto, anche se carico di dolenza. Varia la composizione e la positura dell’immagine, varia il titolo, il senso, ma la figura permane quale immutabile simbolo. (…). Moduli e segni dunque, unicamente di Verdone, per esemplare una tesi, esporre un dilemma, significare uno status o condizione umana in profondità indagata. Interessante ricerca e sensibilissima. Notevole l’impostazione del quadro nella suddivisione a scomparti, a spazi geometricamente definiti con la figura inserita in una scansione precisa. Rigorosità di impaginazione ed indiscussa qualità pittorica. Un quadro che è sintesi di forma e compendio di pensieri; un’immagine che ferma l’avvenimento, il fatto, offrendone nel contempo la verifica. E’ inquietudine vibratile, ansiosa”. (Clotilde Paternostro)

“La ricerca pittorica e grafica di Renzo Verdone è questa ostinata irriducibile sfida all’impossibilità di dare alle immagini, soprattutto della memoria, una dimensione di assoluta soggettività, quasi che ciò consentisse di superare l’oscura barriera della morte, questa presenza che scava il segno e gli dà una strana, fredda luce.  (…). Così Verdone, in questa sua impeccabile precisione, ornata da visioni e presentimenti, semplifica soprattutto nei disegni ultimi la realtà della sua pittura, si emancipa dal simbolismo che impediva l’affondo nelle dimensioni dell’inconscio e tratteneva una più compiuta coscienza delle motivazioni sotterranee e trova forza in questo silenzioso dialogo con una situazione interiore che il segno e la pittura devono trasformare in immagini. Immagini, cioè immediate, precise, nitide da comunicare il significato di questa lotta al limite col nulla sino a mettere allo scoperto una autentica possibilità. Che non sia soltanto ritornante illusione, nelle oscure tensioni dei nervi, nelle febbri che gonfiano il sangue, nel sogno che annulla i confini di una falsa realtà, nel gesto, in questo abbraccio che il tempo inghiotte ma che il nulla rende assoluto, in quel tratto che scompare, che non è più raggiungibile e rende insormontabile la distanza tra le labbra protese nel bacio, tra i volti e la mano isolati, gli uni e l’altra da questo tratteggio fittissimo che si chiude in ombra divorante di tutto ciò che non è volto o mano. E nel vuoto che non consente di ritrovare il corpo, in questa vastità di assoluta e glaciale solitudine, il mistero di questo desiderio, di questo amore che ha dato inizio al gesto poi interrotto e che oltre il tempo sarà possibile ritrovare realizzato.(…). Basta un punto a fermare l’inesorabile trionfo della morte e segnare l’apparizione dell’essere. E’ un modo questo di tradurre il simbolismo nel problema che cercava di risolvere, di ritrovare la dimensione non decadente del senso della morte, di compiere il passo verso la vita, mediante il quale la pittura trova una sua funzione; una sua attualità, una sua realtà in questa consumazione di noi nei giorni che vengono”. (Elio Mercuri)

Galleria Il Mondo dell’Arte “Palazzo Margutta” (www.ilmondodellarte.com) – Via Margutta, 55 Roma

Mostra personale: “Parole Poesie Musica”. Mostra antologica di Renzo Verdone

Vernissage cocktailsabato 25 maggio 2013, ore 18.30 – 22.00.

La mostra si protrarrà fino al 5 giugno: dal martedì alla domenica dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00 (chiuso lunedì mattina).

Sarete accolti da una cornice verdeggiante in cui i Maestri del Riciclo coloreranno lo sfondo con le loro eco-creazioni, dall’abbigliamento agli accessori, dall’arredo ai prodotti naturali.

Grazie alla collaborazione con l’ass.ne Palomart, promotrice del “PROGETTO RICICLIAMO-CI”, allestiremo un’ ISOLA ECOLOGICA che ci permetterà di gestire la produzione dei rifiuti durante l’evento.

Localizzeremo diversi contenitori destinati alla raccolta di materiali riciclabili e recuperabili (carta, plastica, vetro, ecc), per ognuno dei quali illustreremo il ciclo di vita/smaltimento e le diverse possibilità di riutilizzo.

Speriamo in tal modo di innescare un processo di “scoperta”, primo passo necessario per intraprendere un percorso di radicale cambiamento; un percorso che, se intrapreso con consapevolezza, non può che essere pensato come una vera e propria “rivoluzione ecologica”.

Con il Mercato del Baratto di Yard Market invece potrete liberarvi di tutto ciò che per voi è superfluo scambiandolo con qualcosa di ‘’nuovo’’ favorendo l’incremento di un circuito che preveda il passaggio di quegli oggetti che hanno esaurito il loro livello di utilizzo per una persona ma essendo ancora in buone condizioni possono essere utili per qualcun altro.

Nel frattempo REUSE RECYCLE REINVENT trasformerà un semplice ed ingombrante  bancale in elementi di arredo dal gusto rustico e l’ ERBORISTERIA Eco Natura Bio dispenserà saggi consigli sulla preparazione di composti naturali e sull’utilizzo dei Fiori di Bach.

E con il Laboratorio di Riciclo Creativo del LABORATORIO DI GIÒ i nostri piccoli ospiti potranno realizzare una borsetta o un marsupio.

Portate con voi delle t-shirt che non usate più… e dategli nuova vita.

L’ immancabile Riffa premierà chi acquista dai produttori locali con l’estrazione di tre borse IRNE MUSICBAG.

E l’estate non è tale senza i gelati!!

E la GELATERIA Splash ne proporrà di tutti i gusti!!

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IN PROGRAMMA

- dalle 17 –  i MAESTRI DEL RICICLO E RIUTILIZZO e le loro proposte tra Accessori,

Abbigliamento, Arredo, Prodotti Naturali creati con materiale recuperato, selezionato e rivalutato!

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- dalle 17 – MERCATO DEL BARATTO, con YARD MARKET

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- dalle 17 alle 19 – LABORATORIO DI RICICLO per i piccoli ospiti,

con Il LABORATORIO DI GIÒ

(è gradita la prenotazione: Lab.gioeflo@yahoo.it; sottoscrizione libera)

- dalle 17 – ‘’COME TI CAMBIO I PALLET’’, dimostrazione di REUSE RECYCLE REINVENT, con Riccardo Carta

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- dalle 17 – gelateria SPLASH – scelta fra 5 gusti – coppetta da 2 euro

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- dalle 18,30 – Aperitivo

- fine serata – Riffa: estrazioni di tre (3) borse Irne Music Bag

Mario Converio scopre l’amore per la scultura sin da giovane e frequenta dei corsi per imparare le diverse tecniche artistiche. Si forma grazie all’esperienza, imparando a plasmare l’argilla e la sabbia, a scolpire la pietra e il legno e a lavorare il vetro. Ma, nel tempo, preferisce il ferro e l’acciaio. Espone le sue opere in numerose mostre personali (Italia, Svizzera) e collettive (Austria, Germania e Italia). Fra le più recenti citiamo ViArt (Vicenza) nel 2011, “Biennale der Schmiede” a Kolbermoor (Baviera, Germania) nel 2012. Partecipa inoltre a vari campionati nazionali ed internazionali (Svezia, Repubblica Ceca e Germania) classificandosi fra i primi posti e ricevendo menzioni speciali per la bellezza delle sculture presentate.

In occasione di questa mostra personale presso la galleria Il Melone saranno esposte le opere più recenti realizzate dallo scultore vicentino, alcune delle quali hanno ricevuto riconoscimenti internazionali. Si tratta di lavori di piccole e grandi dimensioni, realizzati usando come materiali, oltre al ferro, il rame e la pietra.

Corpus non Animum Confligetis
Che, per chi non ricorda o non conosce il latino, significa
Colpirete il corpo, non le idee.
…
Costruirsi in testa una fortezza inespugnabile ma con tante finestre: per avere luce dentro e poter guardare fuori.

Un’arte che, come quella di Chagall, è fatta di tratti semplici che ci fanno rivivere lo stupore che da bambini provavamo davanti al Mondo e arricchiscono la Realtà con la poesia del Sogno, distillando la parte migliore di noi.
Un’arte in cui il paradosso non svolge il ruolo di maestro di sospetto, ma di fiaccola di libertà, capace di insegnarci a guardare il quotidiano sotto aspetti differenti, evidenziando gli infiniti, fantastici universi nascosti dietro il Banale che, per pigrizia o abitudine, preferiamo ignorare.

Biografia
Stella “littlepoints…” Venturo è nata a Roma nel 1981. Dopo essersi diplomata alla Scuola Internazionale di Comics come illustratrice, si appassiona alla pittura acrilica su legno, senza però escludere lavori in digitale, tele, incisioni su linoleum, inchiostri e acquarelli, carte di ogni genere… mescola insomma molte tecniche perché ci si diverte e proprio non le viene di escludere niente.
Tutte queste cose le fa nella sua casa a Genova dove vive da quasi un anno.
Littlepoints… (si scrive tutto attaccato e con i puntini) ha tre piccoli punti sotto l’occhio che si disegna tutti i giorni. Non li tatua, le piacciono così.
Esposizioni: Burp (Itri), EcletticaFestival2009 (Roma), Artmonaco2010, Hula-Hoop Club (Roma), GalleriaStudio44 (Genova).
24/05/2013 ore 19.30
ad aprire la serata: DDR dj davide roma live set
mostra a cura di Togaci & Alessio Brugnoli

L’odore pungente della segatura sul pavimento o dello zucchero tostato. Le scimmiette ammaestrate vestite a festa. Le roulotte, le funi, le gabbie, la polvere.
Tra i ricordi d’infanzia dai caratteri distorti e frammentari, il circo è l’ambiguo archetipo della messa in scena, un’eterna sfida alla forza di gravità e ad ogni legge della natura in cui l’illusione e l’abilità giocano da comprimari.
Una sfida in cui l’uomo è un dio a metà, capace di volare su una corda o ammansire una belva feroce. Sino alla caduta, sino a testare l’imprevisto. Sia chiaro, non è poi così importante che ciò accada davvero, ma è importante che questa tensione sia rappresentata, trasmessa in modo da apparire possibile.
Le pratiche circensi, in questa continua tensione oltre i limiti fisici, sono un dispositivo capace di stupire secondo una prassi ben precisa, si tratta di uno stupore che in termini medici coincide con un indebolimento dell’attività psichica, una sorta di scintilla da cui parte ogni cosa, innescando riflessioni complesse da un arresto momentaneo.
Una prassi portata alle estreme conseguenze in America intorno al 1880, dall’imprenditore Phineas Taylor Barnum – probabilmente l’inventore del cosiddetto ‘show business’ – e dal suo ‘Ringling Bros. e Barnum & Bailey Circus’, ovvero il più grande circo del mondo nato dalla società col rivale James Anthony Bailey. Un’enorme struttura in cui trovarono lavoro oltre 1000 professionisti tra cui ‘freaks’ di ogni genere esibiti per solleticare la morbosità del pubblico.
La notorietà dell’imprenditore è legata indissolubilmente ad un fenomeno che prese il nome di “effetto Barnum” ovvero il principio – testato nel 1948 dallo psicologo Bertram R. Forer – secondo cui le persone tendono ad accettare un’idea, una proposta, un’illusione con l’unico scopo di soddisfare le aspettative.
Nel 1835, per esempio, Barnum riuscì a spacciare un’anonima ottantenne afro-americana come la vera nutrice di George Washington dell’età dichiarata di 161 anni. Così il ‘Gigante Cardiff’ – un uomo pietrificato altro 3 metri rinvenuto a New York – altro non era che una bufala capace di attirare un gran numero di spettatori, a tal punto che lo stesso Barnum, non riuscendo ad acquistarne i diritti, decise di realizzarne una copia in gesso da spacciare come ‘il vero Gigante Cardiff’, riscuotendo ovviamente un enorme successo.
Lungo il corso dell’800, sulla base di tali inverosimili successi, diversi pensatori statunitensi si interrogarono sugli incidenti psicologici capaci di giustificare un tale livello di credulità, il logico Charles S. Peirce sostennne che, per sottrarsi all’’irritazione del dubbio’, l’obiettivo dell’essere umano fosse il raggiungimento di uno stato soddisfacente di credenza, o lo psicologo William James parlò analogamente di ‘volontà di credere’, anche eventualmente contro certe evidenze.

‘Qualcuno non sia solo’ è un’attenta disamina in forma di gruppo scultoreo di un complicato congegno in cui le finzioni, anche le più grottesche, rivelano una sorprendente capacità di accreditarsi come vere presso la nostra coscienza. Un sistema di relazioni in cui ogni elemento è funzionale alla verosimiglianza della farsa, dando vita così ad una vera e propria mitologia popolata da mostri, eroi, animali leggendari, uomini in grado di volare o esseri dalla forza sovrumana.

Personale di Franca Cannizzaro

Dal 21 al 31 Maggio 2013

Vernissage Venerdì 24 Maggio alle ore 17

Nella ricerca artistica di Franca Cannizzaro emerge un grande amore per l’universo, sorretto da una profonda esigenza di raccontare e raccontarsi. La comunicazione visiva è alla base della dimensione artistica dell’autrice, di origini calabresi ma svizzera di adozione.

Sentimenti di meraviglia e stupore affiorano dalla visione delle sue opere, che esprimono l’emozione pura della pittura. Mediante un grafismo dinamico e la rappresentazione figurativa, Franca Cannizzaro (in foto) riesce ad interpretare la musica poetica dell’infinito con straordinaria introspezione. Il viaggio interiore comincia nell’ascolto di se stessa e nella reiterazione di relazioni con tutto ciò che la circonda fino alla massima gloria della luce.

E’ proprio l’apoteosi della luce a conferire significazioni spirituali ed esistenziali, che rivendicano la libertà d’espressione e una poliedrica inclinazione alle arti: dalla scrittura alla musica fino alla pittura e alla creazione artistica. Sembra come se l’artista avesse maturato un linguaggio contrassegnato da un particolare eclettismo per trasmettere il suo complesso mondo interiore.

(A cura di Sabrina Falzone)

Info:

e-mail: franca.cannizzaro@bluewin.ch

Galleria Spazio Museale: Via Giorgio Pallavicino 29

20145 Milano – Italy

Orari di apertura: mart-ven h.16-19; sabato h.10-12

Chiuso lunedì e festivi

Ingresso gratuito

www.galleriasabrinafalzone.com

Il capitano del Palermo e la galleria d’arte contemporanea di Lecce insieme sotto un’unica bandiera, quella dell’eccezionalità e della solidarietà.

Palermo, 23 maggio 2013 – Tutto pronto per una nuova e importante iniziativa nel percorso di E-lite studiogallery, la galleria d’arte contemporanea di Lecce che ha da poco compiuto il suo primo anno d’attività. Giovedì 23 maggio, alle ore 19.30, la sede dell’Hotel Excelsior Hilton Palermo, nel cuore del centro cittadino, aprirà le sue porte a una serata di beneficenza organizzata dalla galleria leccese con un ‘padrino’ d’eccezione, il capitano del Palermo, Fabrizio Miccoli, promotore dell’iniziativa.

Dopo l’asta benefica dello scorso aprile a Lecce, l’arte contemporanea scende nuovamente in campo per i City Angels Italia Onlus www.cityangels.it, i volontari di strada d’emergenza, fondati a Milano nel ’94 da Mario Furlan, che tra le loro diverse attività offrono assistenza alle famiglie disagiate e servono quotidianamente pasti ad anziani e persone senza fissa dimora ed emarginate, e questa volta lo fa grazie alla solidarietà di otto tra i più promettenti artisti della scena contemporanea, gli otto protagonisti di “Coexist. Eight different kind of fantastic art”, il progetto curatoriale di Ivan Quaroni presentato dalla galleria lo scorso dicembre a Lecce.

In mostra, per l’occasione, le opere di Nicola Caredda, Anna Caruso, El Gato Chimney, Carlo Cofano, Jara Marzulli, Massimo Quarta, Tiziano Soro e Vania Elettra Tam avranno dei preziosi compagni, gli orologi Franck Muller di Limited Edition, concept store palermitano dedicato a oggetti rari e preziosi, che fa da prestigioso sponsor dell’evento insieme al marchio di abbigliamento Minimarket, innovativo concept che presenta collezioni esclusive e limitate prodotte dalla rivisitazione di capi vintage.

La mostra di beneficenza, il cui ricavato sarà devoluto in parte ai City Angels Italia Onlus e in parte a un progetto di residenza per giovani artisti, è un’ulteriore conferma della mission intorno a cui la gallerista Claudia Pellegrino ha costruito il progetto di E-lite studiogallery: puntare a fare della creatività artistica un “luogo” di condivisione, un’esperienza unica e straordinaria e, al tempo stesso, uno strumento di sensibilizzazione delle coscienze e promozione di sinergie finalizzate alla valorizzazione dell’arte, della cultura e della crescita sociale.

SCHEDA TECNICA

Mostra benefica d’arte contemporanea: Coexist. Eight different kind of fantastic art

Artisti: Nicola Caredda, Anna Caruso, El Gato Chimney, Carlo Cofano, Jara Marzulli, Massimo Quarta, Tiziano Soro e Vania Elettra Tam

A cura di: Ivan Quaroni

Data: giovedì 23 maggio 2013 ore 19.30

Luogo: Hotel Excelsior Hilton Palermo

Via Marchese Ugo, 3 | 90141 Palermo

Contatti: tel. +39 91 7909001 | mail: res.excelsiorpalermo@hilton.com

www.excelsior-palermo.com

Organizzazione: E-lite studiogallery | Corte San Blasio 1c | 73100 Lecce

Contatti: Claudia Pellegrino | mobile: +39 338_1674879

Mail. info@elitestudiogallery.com | www.elitestudiogallery.com

Promotore e padrino dell’iniziativa: Fabrizio Miccoli

Relazioni esterne: Manrico Miglietta e Federico Miccoli

Marketing e comunicazione: Flavia Lanza e Federico Sciurti

Progetto grafico: iNOVA media – agenzia di comunicazione multimediale www.inovamedia.it

Sponsor:

Limited Edition

Via della Libertà, 18 | 90141 Palermo

Contatti: tel. +39 091_323024 | mail: info@limitedition01.com

www.limitedition01.com

Minimarket

Sede Operativa: Via dell’economia, 5 | 47848 Riccione (RN)

Contatti: mobile +39 345_6727090 | mail: minimarketcrew@gmail.com

Ufficio stampa: FLPress

Contatti: Flavia Lanza | mail: flpressartnews@gmail.com | mobile: +39 340_9245760

- Castello di Fuzine,

- Tivoli Gallery,

- Museo della Città,

- Galleria Nazionale e

- Il Museo di architettura Ljubljana

Il castello di Fuzine è stato istituito nel 1972. L’intero museo, con l’eccezione della raccolta memoriale, si trasferisce a Fuzine Castello dove, dopo il completamento dei lavori di ristrutturazione di una mostra permanente di architettura slovena e urbanistica.

La Galleria di Tivoli è stata stabilita sulla base della Galleria Moderna con 30 anni di esperienza nella organizzazione della Biennale Internazionale della Grafica.

Il Museo della Città è stato istituito dal Comune nel 1935 e due anni più tardi dato sale al Palais Auersperg rinnovate. La collezione mostra tutte le fasi della civiltà sul territorio di Lubiana, dalla preistoria alla migrazione dei popoli e l’Alto Medioevo.

La Galleria nazionale è stata fondata come società nel 1918. E ‘la prima mostra fu nel 1919. Questa prima mostra gli impressionisti sloveni e oggi ha una vasta collezione di slovena arte del 13 ° secolo agli anni Venti del 20 ° secolo.

Lubiana non è solo una capitale culturale, è molto di più. La città offre numerose opportunità per il tempo libero attivo. Roznik e Tivoli sono la scelta giusta per una rapida fuga nella natura.

Gli inizi di Tivoli sono associati con la generazione dei giardini privati​​. Il più famosi erano il Giardino d’Ausperg sotto il castello e il giardino del Zois Castello Cekin. Il governo della città all’inizio del 19 ° secolo ha cercato di formulare come molti parchi pubblici a Lubiana. Alla fine del 19 Secolo assunto  Vaclav Hejcina, che è fortemente influenzato dalla immagine di Tivoli. Tivoli ha acquisitato la sua forma attuale sotto la direzione dell’architetto, una delle due guerre mondiali, piani spaziali prodotte.

Roznik fu sede del famoso scrittore sloveno Ivan Cankar. Sulla parete del ristorante A Roznik c’e’ la lapide dove i visitatori imparano a conoscere la vita del Cankar. Accanto al ristorante si trova la stanza commemorativa del Cankar. Sulla strada tra la locanda e la chiesa si erge statua di Cankar ed è stata eretta nel 1948 in onore della celebrazione del suo 30 ° anniversario della sua morte. Chiesa della Visitazione mostra l’aspetto attuale del terremoto del 1895, quando fu ricostruita. La chiesa fu costruita nella metà del 18 ° secolo.

Io sono Rok Mirkovic e corro cinque alberghi in Slovenia (hotel Postumia, hotel Sezana, hotel Lubiana). Gli hotel Slovenia sono situati vicino alle famose attrazioni turistiche.

Sull’orlo del precipizio c’è una intera società

E’ di grande attualità la ricerca pittorica di Roberto Lucato, artista veneto che è riuscito ad interpretare in modo del tutto inedito i temi più significativi della società contemporanea: dall’estrema corruzione della classe dirigente all’esigenza di uno stato fondato sulla giustizia e lealtà, dall’auspicato recupero di un senso civico alla decadenza di valori morali e molti altri argomenti “dolenti” che ormai gremiscono le copertine dei nostri quotidiani.

Attraverso l’immagine artistica, di immediata lettura, Lucato delinea uno schietto ritratto della società attuale, baratro dell’etica. Un suo dipinto “Sull’orlo del precipizio” esprime bene questo concetto, rappresentato da una figura umana seduta e riversa su se stessa. E’ il racconto della solitudine: perché nella moltitudine i cittadini sono abbandonati al loro destino individuale e  la classe politica si interessa minimamente della loro sorte. Può sembrare un ritratto oltremodo malinconico della nostra società, ma Lucato vuole in realtà soltanto mostrare la nuda verità senza cadere in inutili lirismi, bandendo dalle sue tele ogni edulcorazione e qualunque dettaglio decorativo. Una pittura sincera.

Info: www.robertolucato.it

Ufficio Stampa:

Sabrina Falzone

info@sabrinafalzone.info

www.sabrinafalzone.info

della Nascita di Francesco Pasinetti presentano:

Il Fondo Francesco Pasinetti dell’archivio Carlo Montanaro ovvero di alcuni archivi del Veneto.

Mediateca regionale di Villa Settembrini

Via Carducci, 32

Mercoledì 22 maggio alle ore 16.00 presso la Mediateca regionale di Villa Settembini verrà inaugurata una mostra dedicata a Francesco Pasinetti curata da Margherita Naim e Sara Zucchi e presentato un programma di incontri con alcuni tra i protagonisti del collezionismo veneto. Gian Piero Brunetta, docente e conservatore; Mario Trevisan, collezionista di fotografia d’artista; Gabriele Coassin, produttore, regista e divulgatore; Silvana Tamiozzo Goldmann, conservatore per il CisVe degli Archivi di pittori e scrittori.

Mercoledì 22 maggio alle ore 16.00 presso la Mediateca regionale di Villa Settembrini verrà inaugurata una mostra che rimarrà aperta fino al 20 giugno 2013 e sarà visitabile dal lunedì al venerdì dalle ore 9.00 alle ore 12.30 dedicata all’attività di Francesco Pasinetti curata da Margherita Naim e Sara Zucchi e sarà presentato un programma di incontri dedicati al collezionismo nel Veneto.

Con questa iniziativa si conclude il percorso di studio che la Regione del Veneto e il Comitato per le celebrazioni del centenario hanno voluto dedicare alla figura e all’opera di Francesco Pasinetti, uno dei personaggi più interessanti ed emblematiche della cultura veneziana ed italiana della prima metà del novecento.

Prendendo spunto dalle attività promosse dall’Archivio Carlo Montanaro, a cui la Regione del Veneto ha assegnato le Celebrazioni del centenario, quattro protagonisti del collezionismo veneto spiegheranno la loro esperienza e soprattutto le potenzialità future che la passione per la conservazione può riservare per i musei del domani.

Il programma degli incontri che ha ottenuto il patrocinio della Soprintendenza ai Beni Archivisti del Veneto è così articolato:

mercoledì 29 maggio, ore 16.00, Insegnare e collezionare cinema – Gian Piero Brunetta

mercoledì 5 maggio, ore 16.00, Collezionare fotografia – Mario Trevisan

mercoledì 12 giugno, ore 16.00, Realizzare, insegnare, collezionare televisione – Gabriele Coassin

mercoledì 19 giugno, ore 16.00 Ricercare e gestire le “carte del contemporaneo” – Silvana Tamiozzo Goldmann.

L’esposizione, dedicata a Loredana Balboni vedova Pasinetti recentemente scomparsa, è visitabile dal 22 maggio al 20 giugno 2013 dal lunedì al venerdì dalle ore 9.00 alle ore 12.30

il progetto di diffusione dell’iniziativa è curato da AD3 Comunicazione

WALK AROUND … AND LOOK ART!!!

a cura di Martina Corbetta.

In mostra le opere pittoriche di

LUCA CURIONI, MARCO MINOTTI e GIULIO ZANET

La mostra prosegue domenica 19 maggio 2013 nei seguenti orari:

10.00-13.00 e 15.00-19.00

Ingresso su invito

Nota di presentazione:

Walk around … and look art!!! è una mostra d’arte contemporanea che vede come protagonisti tre figure al maschile: Luca Curioni, Marco Minotti e Giulio Zanet. Sfondando lo spazio pittorico e affrontando diverse tematiche, gli artisti raggiungono uno stile capace di comunicare con l’occhio e con la mente dello spettatore.

Luca Curioni si affaccia al sistema dell’arte contemporanea scontrandosi in prima linea con se stesso. Curioni analizza intimamente il proprio io, quell’io capace, forse, di uscire solo perforando i suoi dipinti. Gioie e dolori sono trepidazioni forti, esasperate da un’emotività al limite del sensibile. Analisi attenta, all’incirca insostenibile, è il fulcro dell’arte di Curioni. Sono proprio le emozioni a dar vita ai quadri. Senza l’aggressione di queste forti suggestioni non ci sarebbe opera capace di vivere. Curioni considera fondamentale e sostanziale lo stimolo del pensiero, non dobbiamo star fermi ad aspettare, bensì dobbiamo provocarci riflessioni e considerazioni al fine di un approfondimento individuale pronto a scontrarsi con la massa. L’amore è un impulso di rilevante importanza per la sua pittura. L’artista definisce l’amore: due persone che nel buio si trovano e si fanno luce. Gioco di parole che sintetizza la paura di smarrimento in contrasto con la volontà di credere nella prossima speranza. Le opere di Curioni ci schiacciano, ci fermano, ci lasciano un punto interrogativo. Sarà nostra premura ascoltare le sue oppressioni e ossessioni, e riflettere sul vero senso di ogni cosa.

Marco Minotti orienta il suo interesse verso tematiche sociali. Il fatto del giorno, di oggi o di ieri, è la chiave di lettura per immagini superficialmente piacevoli. Ogni quadro cela un significato profondo di riflessione comune che, al pari di un’opera direttamente drammatica, ci lascia un palpito di dispiacere misto disillusione, ma il colore vivace ci permette di scegliere se fermare il nostro sguardo al piacere dell’opera o aprire i nostri sentimenti al senso più profondo del dipinto. Dualismo perfetto! Poetica pittorica in contrasto con la tecnica esecutiva. Esemplare rapporto che ci permette di sentirci liberi da ogni forzatura artistica. Si alternano figure umane, animali, fiori, tutti inseriti in uno spazio indefinito. Si susseguono immagini che dialogano tra di loro e con noi. È la nostra realtà!

Giulio Zanet si presenta con un lavoro dal tratto ben definito e sicuro. Linee rigide si accostano e s’intersecano, giocano in uno spazio irreale che ci propone coinvolgimento in una dimensione sconosciuta. Guardiamo solidi che fluttuano nell’aria, solidi sospesi e leggeri che si muovono e si fermano nel centro del quadro, dando rigore prospettico degno di un virtuosismo tecnico quattrocentesco. Piani verticali e piani orizzontali si affrontano e creando spazi illusori all’interno dei quali ci piacerebbe correre, camminare … e  fermarci a guardare da vicino queste forme tridimensionali in sospeso. Non vogliamo limitarci alla mera osservazione dei quadri, vogliamo entrare nel più profondo dell’opera per toccare con le nostre mani tutto ciò che nella nostra comune vita non possiamo fare.

… Walk around … and look art!

Martina Corbetta

COMUNICATO STAMPA

Come le rotaie di un treno, i due artisti Sergio Angeli e Luca Loseto, pur nella loro diversità, seguono un percorso creativo parallelo.
I monocromi ed eleganti lavori di Angeli, eseguiti con smalti a spruzzo, sembrano non avere nulla in comune, se escludiamo l’uso delle vernici spray, con la coloratissima produzione di Loseto, ed invece sono la diversa interpretazione di una comune ricerca che prosegue in parallelo fino a quando, come lo scambio meccanico per i binari devia e fa intraprendere una nuova direzione al treno, così l’attimo dell’incontro e della contaminazione tra i due artisti diventa la fonte di una nuova produzione artistica.
Angeli usa non colori come il grigio – il bianco – il nero. Sul supporto di legno o similare, le tracce lasciate dalle varie componenti meccaniche che l’artista seleziona ed usa per creare suggestive composizioni, ad una prima lettura ricordano radiografie o topografie, per poi svelarsi: rondelle, ruote meccaniche, guarnizioni, strutture metalliche che persa la loro funzione originaria (morte della civiltà industriale) si prestano all’artista e danno vita alla sua ricerca, espressione in bianco e nero del mistero della vita e della morte.,
La produzione di Loseto è vibrante di colori squillanti. Le figure, quasi dei ritratti, ricordano i fumetti e prendono forma dall’uso sapiente delle bombolette spray, con sovrapposizione di colori che filtrati da garze di varia consistenza creano superfici articolate con screziature a volte occasionali, ma successivamente controllate e domate dall’artista.
L’ occhio dell’osservatore davanti alle sue opere viene catturato dal colore e la percezione del “noir”, in esse presente e mai secondario, è quasi sempre tardiva.
L’ultima produzione dei due artisti registra e testimonia la contaminazione: il colore entra nei lavori di Angeli con l’integrazione dei rossi e la trama delle garze sulle superfici colorate nei lavori di Loseto.
Vedremo come il percorso, tornato parallelo, continuerà.

Sabato 18 Maggio è la NOTTE DEI MUSEI .. ۩ ♫♪♪ ♪ ♫♪ ♪ ۩ ۩ .. durante la quale visite ai musei, alle mostre, l’invito a concerti ed eventi sono aperti al pubblico.

La notte dei musei, che si svolge in contemporanea su tutto il territorio europeo, si allunga nella serata primaverile dalle 20:00 fino alle 2:00 del mattino tra arte e musica, danza e teatro, proiezioni, letture e visite guidate in siti artistici e archeologici eccezionalmente aperti per celebrare una serata tutta dedicata alla cultura.

Fondamentalmente rimarranno aperti in forma gratuita i musei civici e statali, spazi privati, biblioteche comunali, accademie e istituzioni culturali straniere, istituti e case di cultura oltre a numerosi siti archeologici della città.

Sarà possibile visitare gratuitamente oltre 30 mostre ospitate dai musei interessati, ed assistere a concerti e iniziative in programma, per un totale di circa 200 eventi.

Questi alcuni dei musei protagonisti dell’iniziativa:

MUSEI CAPITOLINI, CENTRALE MONTEMARTINI, CHIOSTRO DEL BRAMANTE, COMPLESSO DEL VITTORIANO, GALLERIA BORGHESE, GALLERIA NAZIONALE D’ARTE MODERNA, MACRO, MAXXI, MERCATI DI TRAIANO, MUSEO DELL’ARA PACIS, MUSEO DI CASTEL SANT’ANGELO, MUSEO DI ROMA IN TRASTEVERE, MUSEO DI ROMA PALAZZO BRASCHI, MUSEO NAZIONALE ETRUSCO DI VILLA GIULIA, MUSEO NAZIONALE ROMANO IN PALAZZO ALTEMPS, MUSEI DI VILLA TORLONIA, PALAZZO BARBERINI, PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI, LA PELANDA, SCUDERIE DEL QUIRINALE, MUSEO CIVICO DI ZOOLOGIA, PLANETARIO E MUSEO ASTRONOMICO.

L’elenco completo degli eventi, le specifiche di orari (come l’ultimo orario d’ingresso stabilito differentemente da luogo a luogo), e degli interventi di artisti, attori e musicisti che animeranno la serata è consultabile sul sito www.museiincomuneroma.it .

La selezione da operare non è semplice. Vi è davvero l’imbarazzo della scelta.

Qui un piccolo anticipo (per l’elenco completo consultare sempre il sito, specialmente per i luoghi dove per le visite è richiesta la prenotazione affinché sia regolato l’afflusso):

L’Esedra del Marco Aurelio nei Musei Capitolini ospiterà l’originale omaggio ai Beatles del jazzista Antonello Salis con il concerto pianoforte e fisarmonica SULLA ROTTA LIVERPOOL-LONDRA-ROMA (21.30, 23.00, 24.00).

I Mercati di Traiano ospiteranno ACOUSTIC GENESIS by Francesco Gazzara (20.30, 22.00, 23.30), un piano recital che oltre a reinterpretare le leggendarie composizioni dei Genesis, propone anche i temi più ispirati dei progetti pianistici di Gazzarra, in un viaggio acustico tra atmosfere oniriche e cinematografiche.

Al Museo dell’Ara Pacis la serata sarà dedicata all’universo dei Pink Floyd con l’esibizione del supergruppo FLOYDIANA (Davide Pistoni – tastiere, voce; Luca Velletri – voce; Phill Salera – chitarre; Fabio Servilio – chitarre, voce; Eric Daniel – sax & flauto; Nicola Casali – basso; Francesco Isola – batteria; Katia Caposotto – voce) che eseguirà brani tratti da i più importanti album dei Pink Floyd (Auditorium 21.40, 23.20, 00.30), e con lo spettacolo di teatro-danza DARK SIDE BALLETT, della Compagnia Echoes, in occasione del 40° anniversario dall’uscita dell’album The dark side of the moon (retro Ara – 21.15, 22.45, 23.45). Con Elettra Carangio, Stefania Di Donato, Matteo D’Alessio, Erika Iannello, Giuliana Maglia, Anna Sciavilla, Francesca Scoccia.

Alla PELANDA si svolge il concerto del Coro Mavra, diretto dal M° Piero Gallo, e del Quintetto Ottonidautore: TRA STRAWINSKY E RAVEL, LE ORIGINI DEL ’900 MUSICALE (21.00, 23.00, 00.30).

Nello spazio esterno al Museo Carlo Bilotti si svolgerà alle 23.00 il concerto dei MARTA SUI TUBI.

Sarà di scena alla Casa dell’Architettura la cantante SYRIA (20.30, 22.00, 23.30) mentre alla Galleria Alberto Sordi avrà luogo il concerto in quartetto acustico di TERESA DE SIO (ore 23.00), per un viaggio tra i sentieri folk degli inizi e il crescente impegno autoriale. Con Teresa De Sio – voce, chitarra, lettura; HER – violino; Pasquale Angelini – cajon, percussioni; Sasà – flauto, chitarra acustica.

Al Centro Culturale Aldo Fabrizi si esibirà in set acustico TIROMANCINO alle ore 21.00. Federico Zampaglione, voce e chitarra classica, si presenta con una formazione speciale, ideata ad hoc per l’evento, con cui rivisiterà in chiave acustica il suo repertorio, proponendo a sorpresa anche alcune cover di successo. Sarà accompagnato da Stefano Cenci alle tastiere.

In collaborazione con l’Accademia Filarmonica Romana e con la Provincia di Roma avrà luogo a Palazzo Incontro (ore 20.30, 21.30, 22.30) lo spettacolo INCURSIONI MUSICALI, gruppo vincitore della Open Session 2012 dell’Accademia Filarmonica Romana. Musiche, canti e balli del meridione, con Mauro Bassano (organetto, chitarra battente, flauto di canna, zampogna, lira calabrese), Silvano Boschin (voce, chitarra, mandola, violino, lira calabrese), Gianni Berardi (tamburi a cornice).

Il MACRO in via Nizza accoglierà l’evento SYNESTHESIA, in cui ensemble musicale Entropia, composto da Dr. Lops e Amptek Alex Marenga, dal batterista statunitense John Arnold e dal sassofonista jazz Maurizio Giammarco, intreccia le proprie sonorità con i movimenti dei danzatori Valentina Buffone, Antonio Marino e Laura Fantuzzo, per un’esperienza sensoriale tra danza, musica elettronica, jazz e immagini digitali (ore 21.30).

Il Casino Nobile – Musei di Villa Torlonia ospiterà OGNI PAROLA È MUSICA tra poesia, favola, cinema e popolare (20.30, 21.30, 22.30), il progetto musicale di Pino Ingrosso, poliedrico artista salentino noto al grande pubblico anche per la sua ventennale collaborazione con Nicola Piovani.
Nel cortile interno del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia si svolgerà L’IMMAGINARIO SONORO DEGLI ETRUSCHI – CONCERTO TRA SPERIMENTAZIONE E ARCHEOLOGIA di Francesco Landucci, Marina Mulopulos e Matteo Scarpettini, con l’ausilio di strumenti musicali ricostruiti e autoprodotti e con l’interpretazione di musiche ispirate a quelle etrusche (ore 21.00).

Durante la Notte dei Musei spazio anche per la cultura contro l’usura in collaborazione con l’A.I.R.P. (Associazione Italiana Riabilitazione Protestati – Prevenzione Fallimenti ed Usura). Alla Casa del Cinema ore 10.00 verrà proiettato un cortometraggio dal titolo “Italo”, ispirato alla storia personale del presidente dell’AIRP Italo Santarelli.
Presso il Centro Culturale Elsa Morante ore 16.00 si terrà lo spettacolo teatrale dal titolo “Storie di usura, storie di vita” di Alessio di Cosimo.
Nel Cortile dell’Apollo Sosiano, in piazza Campitelli, alle ore 19.00 Wilma Goich terrà un concerto dal titolo “Donne contro l’usura”, ispirato alla sua esperienza di vittima dell’usura.

Alla Centrale Montemartini sarà di scena lo spettacolo teatrale CANTAMI O MUSA DI SATIRI E NINFE (21.00, 22.00, 23.00) con Edoardo Siravo, Stefania Barca, Gabriella Casali, mentre al Chiostro del Bramante prenderà il via il concerto-spettacolo CINEMAGIA dedicato al cinema degli ultimi trent’anni, con il pianista Riccardo Biseo e l’attrice Simona Patitucci (ore 20.30 e 22.00).
La Galleria d’Arte Moderna di Roma Capitale propone la piece teatrale BUSTI, MEZZI BUSTI E BELL’IMBUSTE, di e con Barbara Abbondanza e Lucia Ciardo, liberamente tratto da “Letture da treno” di Barbara Alberti (21.00, 22.30, 23.15).
L’epica classica dell’Eneide sarà protagonista al Teatro di Palazzo Altemps con lo spettacolo MEDITERRANEIDE, tra miti, storie, arte e musica. Con gli attori Elsa Agalbato e Marco Marelli e le musiche di Marco Melia (ore 21.00, 22.00, 23.00)

In piazza del Campidoglio sarà proiettato il film IL MARCHESE DEL GRILLO (ore 21.00). La Casa del Cinema partecipa all’evento con la proiezione del film THE DREAMERS di Bernardo Bertolucci (ore 21.30) e di DOPO MEZZANOTTE di Davide Ferrario (ore 24.00).
Il MAXXI – aperto gratuitamente dalle 20 alle 02.00 (ultimo ingresso ore 01.00) – propone al pubblico la possibilità di assistere alle ore 20.00 nell’Auditorium alla prima visione italiana del film MUSTER (RUSHES) dell’artista Clemens Von Wedemeyer. Seguirà conversazione dell’artista con Avery Gordon.
L’evento L’ANTICA ROMA AL CINEMA, presso il Museo Pietro Canonica (ore 21.00), offre un particolare omaggio ai film storico mitologici degli anni sessanta, con ricostruzioni storiche tutte realizzate a Roma, negli stabilimenti di Cinecittà, De Paolis e Elios. Sarà proiettato un estratto del documentario Gli uomini forti, prodotto dall’Istituto Luce, e ci sarà un talk show che vedrà coinvolto Mimmo Palmara (attore molto presente in quei film) e Steve Della Casa (conduttore del programma radiofonico Hollywood Party su Rai-Radiotre)
Al Fimstudio a Trastevere sarà possibile vedere gratuitamente: alle ore 20.00 POETI, film di Toni D’Angelo sui poeti a Roma, alle ore 21.20 VICINO AL COLOSSEO… C’E’ MONTI, il documentario di Mario Monicelli dedicato al rione Monti, alle ore 21.50 ROMA di Federico Fellini, alle ore 24.00 VACANZE ROMANE (Roman Holyday) di William Wyler.

In occasione della Notte dei Musei, la SAPIENZA UNIVERSITÀ DI ROMA aprirà al pubblico il suo Polo Museale. Sarà possibile visitare il Museo di Chimica, i Musei di Geologia, Mineralogia e Paleontologia, il Museo di Storia della Medicina, il Museo di Anatomia Comparata, il Museo delle Origini, il Museo delle antichità etrusche e italiche, il Museo laboratorio arte contemporanea, il Museo di Antropologia, e assistere agli eventi all’interno delle sale espositive.
Alle 21.00, in Aula Magna del Rettorato, si svolgerà il Concerto MuSa Classica con l’Opera da tre soldi di Bertolt Brecht e musiche di Kurt Weill. In scena i cori e l’Orchestra MuSaClassica, sotto l’esperta guida di Francesco Vizioli. Maestri del coro Paolo Camiz e Giorgio Monari.
Alle ore 20.30 e 21.45 avrà luogo invece alla Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini il Concerto MuSa Jazz dedicato al grande Alberto Sordi nel decennale della sua scomparsa. La big band “MuSa Jazz” diretta da Silverio Cortesi proporrà le colonne sonore dei suoi film più popolari.

Ancora una volta ATAC, in occasione de La Notte dei Musei, apre al pubblico il proprio Polo Museale, in zona Piramide, dalle ore 20 alle 2 (ultimo ingresso ore 01.00). I cittadini potranno, gratuitamente, visitare la rara collezione di locomotori e tram e assistere ai concerti “Viva Verdi” dell’Apeiron Sax Quartet, in ricordo del bicentenario della nascita di Giuseppe Verdi. Inoltre, il Tram jazz, lo storico tram Ottofinestrini (907), si fermerà a Porta San Paolo alle ore 23.45 proponendo un programma musicale ispirato al jazz anni ’20 e ’30. Il tram rimarrà quindi a disposizione per le visite dei cittadini. In collaborazione con Atac, l’Associazione Brecce per l’Arte Contemporanea e il GRAF – Gruppo Amici della Ferrovia.

Le BIBLIOTECHE DI ROMA prenderanno parte alla Notte dei Musei con letture, spettacoli teatrali ed eventi musicali presso le biblioteche Enzo Tortora, Goffredo Mameli, Rispoli, e Villa Leopardi, Romana Sarti.

Sarà eccezionalmente aperto al pubblico, dalle 20.00 alle 02.00 (ultimo ingresso ore 01.00), Palazzo Farnese, sede dell’Ambasciata di Francia in Italia. Si tratta di un’occasione da non perdere poiché il sito è raramente visitabile. Si potrà vedere tra l’altro la Galleria dei Carracci, la stanza dell’Ambasciatore (sala dei Fasti farnesiani) e il Salone d’Ercole.

Saranno aperti al pubblico dalle 20 alle 24 anche l’Istituto Cervantes di Roma, e l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici, dove è in corso la mostra Soulages XXI Secolo.
Dalle 20.00 alle 02.00 sarà aperta la Casa di Goethe, con la proiezione di video e film.

In collaborazione con l’Ambasciata Argentina si svolgerà il concerto ADRIÁN IAIES & HORACIO FUMERO presso il Salone d’Onore del Museo di Roma Palazzo Braschi. I due noti musicisti ripropongono in chiave jazz un repertorio di tanghi classici, di brani di Astor Piazzolla e di folklore rurale argentino (ore 21.30 e 23.00).

Nello spazio esterno al Museo Carlo Bilotti – Aranciera di Villa Borghese si svolgerà alle 21.00 il concerto del cantante pakistano SHEZAD ROY, a cura dell’Ambasciata del Pakistan.

Presso l’Istituto Giapponese di Cultura sarà proiettato alle 20.30 il film in costume (jidaigeki) “Quando cessa la pioggia” di Takashi Koizumi.
Il Reale Istituto Neerlandese ospiterà il concerto in due atti DIE WINTERREISE di Franz Schubert, eseguito dal tenore Heine Prins e dal pianista Marjo van den Doel (ore 20.00).

Il Gioco del Lotto offrirà al pubblico dei Musei Capitolini, del Museo dell’Ara Pacis, e del Museo dei Fori Imperiali nei Mercati di Traiano, mediatori storici dell’arte per rispondere alle domande sulle opere esposte.

Il Palazzo Senatorio sarà aperto, per inconsuete visite serali, dalle ore 20 alle ore 2 (ultimo ingresso ore 01.45). I visitatori potranno entrare in gruppi di 30 persone alla volta con un intervallo di 10-15 minuti con ultimo ingresso alle ore 1.45.

L’Associazione Culturale Eos propone visite didattiche aventi ad oggetto la lettura di cinque capolavori contenuti nella Pinacoteca dei Musei Capitolini, con prenotazione obbligatoria.

Nell’ambito del progetto DREAMLAND, in collaborazione con Coopculture, nelle sale di Palazzo Nuovo ai Musei Capitolini e nel Chiostro di Michelangelo alle Terme di Diocleziano, alcuni storici dell’arte guideranno percorsi tematici mentre giovani disegnatori creativi dello IED realizzeranno, in estemporanea, disegni “creativi” interpretando in chiave del tutto personale le opere incontrate lungo il percorso. Inoltre, nella sede del Museo Nazionale Romano in Palazzo Massimo le opere d’arte di epoca romana verranno reinterpretate tramite una performance che utilizza dieci dadi alti oltre un metro, realizzati in cartotecnica fiorentina e decorati su ogni faccia con gli elementi caratterizzanti le opere esposte. Gli attori, studenti dello IED, elaboreranno in estemporanea un’opera d’arte attraverso la casualità del gioco dei dadi. Al MAXXI, infine, cinque mediatori culturali orienteranno i visitatori all’interno delle sale e saranno a disposizione del pubblico per spiegare ed interpretare i contenuti delle esposizioni in corso.

In collaborazione con la Provincia di Roma, sarà possibile visitare su prenotazione le Domus Romane di Palazzo Valentini, un percorso nel sottosuolo del Palazzo tra i resti di domus patrizie di età imperiale.

Saranno straordinariamente aperti al pubblico, con visite didattiche, alcuni suggestivi siti archeologici di pertinenza della Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, come l’Insula Romana Sotto Palazzo Specchi, l’Insula dell’Ara Coeli, il Ludus Magnus, l’Ipogeo di via Livenza, e il Sepolcro degli Scipioni (in collaborazione con il Touring Club Italiano).

Nell’ambito dell’iniziativa APPIA SOTTO LE STELLE, in collaborazione con Coopculture, giovani archeologi offriranno al pubblico percorsi didattici notturni presso i monumentali resti del Mausoleo di Cecilia Metella e la chiesa di San Nicola.

Buon sabato e buonanotte.. dei MUSEI .. a tutti !

Una giornata che entrerà nel vivo alle ore 19.00 a Palazzo Leoni Montanari con l’ultimo ospite di Dire poesia 2013: introdotto da Elisa Sartor, declamerà i propri versi lo spagnolo José María Micó, considerato dalla critica una delle voci più promettenti della lirica iberica contemporanea, filologo, traduttore e professore all’Università Pompeu Fabra di Barcellona. L’incontro vedrà la partecipazione dell’ensemble jazzistico composto da Massimo Barbiero (batteria, percussioni), Marcella Carboni (arpa, loop) e Maurizio Brunod (chitarra, loop), per una serata in collaborazione con il festival internazionale New Conversations Vicenza Jazz. Quella vicentina di Micó sarà una vera e propria performance, integrata dall’interazione con la musica del trio del percussionista piemontese Massimo Barbiero, che non solo sottolineerà le liriche ma anche intermedierà e costruirà una parallela via musicale assieme al chitarrista Maurizio Brunod e all’arpista Marcella Carboni, sulla linea del loro ultimo cd “Kandinsky”.

José María Micó, catalano, 52 anni, è un uomo di cultura noto e stimato, oltre che per la propria produzione in versi, per aver curato edizioni di classici spagnoli del Cinque e Seicento, per i suoi studi filologici e saggi letterari, e per le sue traduzioni di poesia catalana (Ausiàs March e Jordi de Sant Jordi) e italiana, soprattutto di Ariosto: la sua versione dell’Orlando furioso ha vinto in Spagna il Premio Nazionale per la Traduzione. Attualmente sta lavorando a una nuova traduzione spagnola della Commedia di Dante.

Dire poesia 2013 è un progetto del Comune di Vicenza – Assessorato alla Cultura e Intesa Sanpaolo, in collaborazione con il Dipartimento di Studi Linguistici e Culturali Comparati e il Dipartimento di Studi sull’Asia e sull’Africa Mediterranea dell’Università Ca’ Foscari di Venezia e con L’Officina arte contemporanea di Vicenza, per la cura di Stefano Strazzabosco.

José María Micó è nato a Barcellona nel 1961 ed è professore ordinario di Letteratura spagnola a l’Universitat Pompeu Fabra, dove dirige il Master in Creazione Letteraria. Ha pubblicato i libri di poesia La espera (1992, Premio Hiperión), Letras para cantar (Pamiela, 1997), Camino de ronda (Tusquets, 1998), Verdades y milongas (DVD, 2002) e La sangre de los fósiles (Tusquets, 2005). Ha vinto di recente il Premio Internazionale di Poesia “Generación del 27” con Caleidoscopio (Madrid, Visor, 2013). È stato tradotto in diverse lingue, tra cui l’italiano (Prima stazione. Poesie scelte 1990-2005, Pagliai Polistampa, Firenze 2008). Ha curato edizioni di classici spagnoli del Cinque e Seicento, ha scritto studi filologici e saggi letterari, e negli ultimi anni si occupa di traduzione di poesia catalana (Ausiàs March e Jordi de Sant Jordi) e italiana, soprattutto di Ariosto: la sua versione dell’Orlando furioso ha vinto in Spagna il Premio Nazionale per la Traduzione. Attualmente lavora a una nuova traduzione spagnola della Commedia di Dante.

Elisa Sartor è dottore di ricerca dell’Università di Verona e dell’Università di Granada, dove si è specializzata in poesia spagnola contemporanea. Si è occupata di autori della seconda metà del Novecento, tra cui Pablo del Águila, Javier Egea e Luis García Montero, e di forme metriche della tradizione spagnola. Ha curato l’edizione italiana di un quaderno di poesie di José María Micó per i tipi di Sinopia (Ai margini di questi nostri corpi). Attualmente sta lavorando alla traduzione di Blanco Spirituals del poeta Félix Grande.

Massimo Barbiero (Ivrea, 1963), fondatore dei progetti jazz Enten Eller, Odwalla e Water dreams, è considerato uno dei migliori batteristi italiani. Protagonista di numerose incisioni ben recensite dalla critica nazionale a internazionale, ha collaborato con musicisti come Tim Berne, Billy Cobham, Elton Dean, Markus Stockhausen, Hamid Drake, Alexander Balanescu, Javier Girotto, non trascurando l’insegnamento sul territorio e l’attività di composizione. Con M. Carboni e M. Brunod ha inciso recentemente il cd “Kandinsky”, Splasc(h) 2011, di cui Daniela Floris ha scritto che “è la musica più impalpabile, incorporea e magicamente immateriale che si possa desiderare”.

Marcella Carboni, arpista cagliaritana, si dedica principalmente al jazz, ma ha partecipato anche a progetti cinematografici e teatrali, inoltrandosi nei territori della musica contemporanea ed elettronica, del pop,  del soul. Il suo primo lavoro da solista è “Trame” (Blue Serge, 2010).

Maurizio Brunod (Ivrea, 1968) è un chitarrista e compositore in grado di spaziare dal rock al jazz passando per la musica classica e la world music. Ha inciso cd con varie formazioni e per chitarra sola, partecipando a molti festival in Italia e all’estero. Co-fondatore di Enten Eller, nel 2011 ha avviato il duo con Giovanni Palombo (“Tandem Desàrpa”, F-NET 2011) e quello con il contrabbassista Miroslav Vitous.

L’ingresso a tutti gli appuntamenti di Dire poesia è libero, fino ad esaurimento dei posti disponibili.

Per ogni appuntamento, l’artista Giovanni Turria de L’Officina Arte Contemporanea stamperà una plaquette numerata con un inedito dei poeti, da distribuire  gratuitamente al pubblico. 

Nei luoghi delle letture saranno inoltre disponibili i libri degli autori ospiti di Dire poesia.

Per informazioni:

Assessorato alla cultura del Comune di Vicenza tel. 0444.222101

Gallerie d’Italia – Palazzo Leoni Montanari tel. 800.578875

Blog > http://direpoesia.wordpress.com/

www.comune.vicenza.it – www.palazzomontanari.com

L’ambiente è un laboratorio. Un piccolo pensatoio. Dove i progetti sono appesi alle pareti e vengono utilizzati per verificare l’esecuzione, magari riappuntare una nota o variare un particolare. Sono i segni-disegni da seguire per eseguire.

E formano una strada, un insieme, un agglomerato. Si avvicinano le abitazioni: la vita diventa villaggio.

Dagli origami di un pensiero nascono i piccoli modelli. Verificano l’assetto, l’andamento, le proporzioni.

I disegni a matita modulano tutte le percentuali di durezza della grafite e suddividono le superfici con tonalità di grigio sapientemente ed accuratamente assegnate.

Ne nasce una composizione armoniosa. Che racconta. Di sé, e degli altri.

Su delle torri bianche, su dei piccoli altopiani, si costruiscono le cittadelle.

Sono un insieme stretto che riempie il volume dello spazio possibile, sono abitazioni che custodiscono la vita. Sono tutte simili con rispetto e vicinanza. Sono modulate con geometria sapiente e rese forti dal metallo che le costituisce.

In un leonardesco sentire tutto è lasciato alla creazione, all’immaginazione che si arricchiscono ancor di più nel costruire.

Coesione e ordine. Materializzano le strade, segnano la via .. tra le case ..

Rendere così essenziale un archetipo come la costruzione lascia il tempo alla riflessione.

L’arte di Primarosa è nel pensiero.

Little boxes
L’istantanea che fa da icona alla mostra lascia dormire le case alla sera e le sveglia al mattino con il levar del sole, sono i pensieri creativi sul tavolo dell’artista.

Sono il lavoro dell’arte. Sono l’arte a lavoro.

Fotografie di Sergio Kurhajec

<<Ci tengo, ci tengo>>.

Recitava Flavio Bucci/Don Bastiano nel Marchese del Grillo di Mario Monicelli, offrendo del cibo al suo nobile ospite capitato in compagnia di un “franzoso” alla sua corte dei miracoli, nei pressi delle rovine della Chiesa diroccata (S. Bonaventura a Canale Monterano).

Ecco, io ci tengo, con la stessa spontaneità e semplicità – perché ad un viaggiatore si deve sempre offrire ospitalità – a scrivere di Franz Borghese, che spero apprezzerà questo mio divertente punto di partenza, romano ed allo stesso tempo napoleonico come piaceva a lui.

Giullare o impegnato?

Artefice di una incessante, ironica e continua risata graffiante, o visionario ed attento fotografo di vizi e grottesche abitudini del genere umano?

Nel rivedere oggi certi suoi quadri, il dubbio rimane, o meglio, il duale “scambio” d’identità del suo autore, giano bifronte. Borghese pittore, inventore, creatore d’immagini, trova dei complici, dei compagni di strada, anche nella musica di quegli anni, a cavallo tra gli anni ’70 ed ’80, quando tutto ebbe inizio, come Rino Gaetano e Franco Califano.

Rino Gaetano, quel cantautore che, allo stesso modo, muovendosi sul confine d’identità tra giullare ed impegnato, denudava con le sue parole ed i suoi suoni, ritmi, un’ Italia bigotta, ipocrita e corrotta.

Franco Califano, quelle architetture di Roma che fece sue, la “maestà di Roma” che seppe narrare, raccontare, cantare, in tutta la sua tragica bellezza decadente, di magnifica incompiuta – fermata, arrestata prima di raggiungere l’ “ideale.

Naturale così accompagnare alle immagini dei quadri di Franz Borghese – i suoi coniugi a passeggio, generali e signore, fumatori ed oracoli, girotondi e folle, lottatori e duelli – le parole di Rino Gaetano:

<<Abbasso e alè, abbasso e alè, abbasso e alè con le canzoni, senza fatti e soluzioni, la castità, la verginità, la sposa in bianco il maschio forte, i ministri puliti i buffoni di corte, ladri di polli, super pensioni, ladri di stato e stupratori, il grasso ventre dei commendatori, diete politicizzate, evasori legalizzati, auto blu, sangue blu, cieli blu, amore blu, rock and blues, NUNTEREGGAEPIU’

………… onorevole eccellenza cavaliere senatore, nobildonna eminenza monsignore, vossia cherie mon amour, NUNTEREGGAEPIU’…>>

Così come ritrovare la grottesca rappresentazione della società di Franz Borghese nelle amatissime poesie umoristiche e lievemente licenziose di Franco Califano.

Certo erano indipendenti. Franz Borghese era indipendente: questo era il suo grande potere e fascino.

Benpensanti, critica, nomenclatura, salotto buono?

Ma lui aveva la gente, parlava direttamente con semplicità e, diremmo oggi, il pubblico lo seguiva.

Aveva conquistato il suo spazio celebre, con qualcosa di sano, che nessuno gli poteva togliere: il lavoro. Come lavoro dipingeva, e con la pittura parlava con semplicità.La gente, il pubblico, lo capiva, comprava i suoi quadri, le sue opere, e così l’artista riuscì a svincolarsi dalle maglie dell’omologazione, del salotto e della terrazza, della corte e della casta, e si costruì il proprio spazio di libertà, la propria “isola delle rose”: piccola – racchiusa nello spazio di una tela che per confini ha solo un telaio – ma dove con le immagini poteva dire quel che voleva in una magia che poteva continuare; e continuò.

Non doveva un equilibrio precario, come lo avevano altri artisti, al favore di qualche potente, politico o ricco, che lo sosteneva, o finanziava. Lui veniva dal basso, e come tutte le cose che vengono dal basso, poggiava su solide basi. Non sarebbe mai volavo via, caduto come un castello di carte, per un mancato favore di un potente. L’ apprezzamento per la sua opera – dal linguaggio semplice, diretto e pungente – gli garantì libertà ed indipendenza.

E per questo alcuni gangli dell’arte – quella parte del sistema rimasto feudale, che si muove ancora per nepotismo e fare clientelare, corporazioni e famiglie – lo hanno in qualche modo ostacolato, attaccato, aggredito, inviso, odiato, e soprattutto invidiato.

Artista dalle curiosità e dagli interessi diversi, alternava le sue passioni a vivere questa città nell’unico modo possibile: con delle passeggiate. Da sempre la “passeggiata” è il miglior percorso per trovare il ritmo di Roma e superarne, assimilandole, le difficoltà; un rimedio “omeopatico” che ogni vero romano fa suo per meglio sopravvivere.

Così l’artista passava dallo studio su Napoleone – aveva scritto anche un romanzo, Waterloo, battaglia immaginaria, in cui capovolgeva le sorti, ipotizzando la vittoria dell’imperatore – al gioco degli scacchi – dove raggiunse il massimo livello delle categorie nazionali – che spesso praticava al Caffè Fassi lungo la via Nomentana dopo Villa Torlonia, verso Porta Pia (ora purtroppo chiuso) ad amicizie vere che lo portavano a cenare una volta a settimana con l’amico/artista Edolo Masci al ristorante La Campana: l’ultimo che arrivava pagava il conto, questa era la loro regola.

<<Cari amici, io mi sentirò vecchio solo 5 minuti prima di morire ma penso di essere in grado di raccontarvi alcuni trucchi del mestiere.>> (da Il cuore nel sesso) e <<Giovani lo si è sempre, se lo si vuole>> scriveva Franco Califano.

Per i trucchi del mestiere e la gioventù, bisogna entrare nelle canzoni, nei quadri. Franz Borghese, per chi scrive, era tutto questo.”

Dalla presentazione di Fausto Fiume

Bi-personale di arte figurativa
Valerio de Filippis – Pasquale Nero Galante

… “Istituto Superiore Antincendi – Sala Caravaggio”
Via del Commercio 13 – Roma

01 Giugno – 15 Giugno 2013

Se esiste qualcosa di sacro, quel qualcosa è il corpo umano, diceva Walt Whitman; se per “sacro” si intende ciò che aggiunge significato e sostanzialità al dato ordinariamente fisico, ossia il profano, si può ben intendere la sacralità del corpo perché è attraverso esso che la nostra esistenza si manifesta. I segni che ogni essere umano porta sul proprio corpo sono testimonianza di vita, d’esperienze, di incontri, di letizia e di sacrifici, di traumi e di riconciliazioni. Il corpo umano, dunque, è la narrazione, silente e forzata, della storia personale, di una memoria implicita che non può cadere in oblio perché più veritiera del ricordo, che ci costringe a condividere ciò che siamo e il nostro passato con gli altri, fatalmente incidendo altri segni e sollecitando la coscienza anche quando il desiderio della dimenticanza sembra l’unica salvezza possibile.
La riflessione estetica degli artisti Pasquale Nero Galante e Valerio de Filippis è volta alla ricerca della memoria del corpo, come testimone crudele e magnifico del passato individuale, nel suo ineluttabile disfacimento, disperante e al tempo stesso così spettacolare da divenire essenza di pura bellezza, perché testimonianza di vita e di armonia con il suo scorrere. Il senso della mostra, composta da opere pittoriche che esibiscono una bellezza altra, fatta di varietas ed esclusività, contraria alle forme stereotipe che costituiscono il canone contingente e mutevole dei tempi, risiede nelle rughe, nelle pieghe dell’adipe, nelle cicatrici, nell’evidenza superficialmente definita come disfacimento, ma che in realtà è manifestazione della vita stessa.
Pasquale Nero Galante interpreta questo tema in senso spirituale, per cui il sacrificio di vivere che si manifesta nei piccoli e grandi segni del corpo costituisce la catarsi verso la libertà dell’anima. In Valerio de Filippis la trasformazione corporea rappresenta l’autocoscienza, l’affermazione di sé che separa l’essere umano, senziente, da tutte le altre forme di vita. Questa riflessione sugli effetti corporei della spiritualità trova giustificazione nella personale congiunta, esperienza di confronto sostenuta da suggestioni e affinità di due linguaggi pittorici figurativi.

Curatore: Cecilia Paolini

Programma in dettaglio:
“Derive”
Bi-personale di arte figurativa – Valerio de Filippis e Pasquale Nero Galante
Location: Istituto Superiore Antincendi (Sala Caravaggio) – Via del Commercio 13 – Roma (RM).
Periodo: 01 Giugno 2013 / 15 Giugno 2013
Orari d’apertura: tutti i giorni dalle 16.00 alle 20.00. Sabato e Domenica dalle 12.00 alle ore 20.00.
Vernissage: Sabato 01 Giugno 2013 – Ore 18.00
Ingresso Libero
Catalogo: Daphne Museum

Patrocini: Ministero dell’Interno
Regione Lazio
Roma Capitale

Ufficio Stampa: Angelo Andriuolo – ARS IMAGO DEI / Stefano Di Rienzo & Valeria Ottaviano – ASSOCIAZIONE G.A.P.
Telefono: 06.9360201
Mobile: 349.7782748
Fax: 06.233290877
Web:  www.associazionegap.it
E-mail: ufficiostampa@associazionegap.it

Organizzazione: ASSOCIAZIONE G.A.P.

Esposizione Collettiva di Arte Contemporanea: Decimo Ciclo Espositivo del Premio Art Caffè Letterario.

A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.

Coordinator: Valentina Marin.

Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Simona Bosco, Silvia Cicio, Alice Rigatti.

Artisti: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A. Peverieri, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Circuito Off: Esposizione Personale “Animaux Sauvages” di Schili.

Interventi: ore 19.30 Stefano Dominella Presidente della Maison Gattinoni Couture; ore 20,30 Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action.

Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide).

Quando: Dal venerdì 17 al giovedì 29 maggio 2013.

Orari: Dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 24.00 – Martedì dalle 14.00 alle 24.00 – Sabato dalle 18.00 all 24.00 – domenica 18.00 alle 24.00.

Inaugurazione: Venerdì 17 maggio, dalle ore 19.00 alle 22.00.

Info: 3492847925 – www.centoproduzioni.com – www.artcaffeletterario.com – www.caffeletterarioroma.it

Ufficio Stampa web: Federica Cammilloni.

Produzione: Caffè Letterario – Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.

Al Caffè Letterario, interessante spazio di incontri artistico-culturali, prosegue il Premio Art Caffè Letterario, arrivato al Decimo Step Espositivo. Il concorso artistico che in meno di otto mesi ha coinvolto quasi duecento artisti provenienti da tutta Italia, e la cui votazione online sta per raggiungere la soglia delle cinquemila votazioni, prevede dal 17 al 25 maggio l’esposizione delle opere d’arte di: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A.  Peverieri, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Per il Circuito Off del Premio Art Caffè Letterario, l’Esposizione Personale “Animaux Sauvages” dell’artista Schili: una esposizione centrata sull’ecologia e la dimensione dell’ambiente animale. Il grande interesse per la natura, l’ecologia, i problemi ambientali, l’affascinante influenza ricevuta da frequenti viaggi naturalistici in Africa equatoriale (Uganda, Congo, Camerun, Zambia, Tanzania etc, ) hanno portato Schili ad elaborare variegati microcosmi iconografici. Da un orizzonte costituito da idoli fantastici, totem primitivi, maschere tribali, influenzato dall’arte del Congo e del Mali, Schili è giunto a rappresentare con sempre maggiore assiduità e passione un mondo abitato da animali selvaggi, in parte con occhio naturalistico, in parte con uno sguardo simbolico-idealizzante. La riflessione sulla condizione di oggettiva fragilità alla quale molte specie animali sono esposte, conduce Schili a darne una rappresentazione solenne, ieratica e sacrale (le figure animali emergono da uno sfondo policromo quasi pseudo-bizantino) per ricordare all’ umanita’ la responsabilità della conservazione di tale straordinario patrimonio faunistico.

Nelle opere di Schili gli animali ci guardano con uno sguardo triste, spaurito e rassegnato e ci trasmettono la nostalgia per una condizione passata di totale libertà e un subconscio presente di paura, retaggio di secoli di caccia e bracconaggio.

Il Caffè Letterario, fin dalla sua nascita, ha sempre promosso incontri con personaggi di spicco della cultura italiana, per parlare e affrontare  importanti tematiche sociali, culturali e artistiche. Una promozione politica, trasversalmente partitica, per avvicinare progetti alle persone.

Il 17 maggio i visitatori del Caffè Letterario potranno ascoltare i brevi interventi,  riguardanti la Cultura, l’ Arte e la Creatività, di Stefano Dominella (alle ore 19.30 circa) e di Andrea Alzetta (alle 20,30 circa).

Stefano Dominella tra i numerosi incarichi che ricopre, o ha ricoperto, è stato per diversi anni Presidente di Alta Roma ScpA, società consortile per azioni nata nel 2002 con lo scopo di promuovere la città di Roma come palcoscenico privilegiato della Moda Italiana, per la promozione e lo scouting di giovani talenti, ed  attualmente è Presidente della Maison Gattinoni Couture. Durante il suo intervento al Caffè Letterario ci illustrerà il Progetto “Roma Officina della Creatività per nuove opportunità di lavoro” avente come principale obiettivo quello di Roma capitale europea della giovane creatività, del design e della cultura attraverso la rivalutazione dell’artigianato. Idea principale del Progetto è istituire “l’Officina della creatività”. Uno spazio multimediale dove la moda si incontra con la tecnologia e l’artigianato. Quindi cultura, nuove opportunità,  formazione, nuovi input. Per una Capitale al passo con i tempi e con le nuove esigenze. Uno spazio al servizio dei cittadini e non solo pensato anche per un pubblico fruitore internazionale con conseguente incremento del turismo. Dare avvio, inoltre, a corsi di formazione, al recupero delle botteghe artigiane nelle periferie di Roma, alla valorizzazione della creatività nelle periferie urbane in particolar modo per alcuni mestieri artigianali abbandonati e dimenticati che invece rappresentano il punto di forza anche per la possibile creazione di nuovi posti di lavoro.

Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action, porterà un intervento in merito alla questione cultura sociale e cultura artistica centrando il discorso sull’importanza della destinazione di edifici e strutture dismessi o convertiti nell’ utilizzo. Uno dei tanti impegni di Andrea Calzetta nel Consiglio Comunale è stato infatti di condurre una lotta in merito alle caserme dismesse e in dismissione e sul futuro utilizzo di queste ultime: “Non si può pensare”, afferma, “che le caserme dismesse vengano destinate solo per una riconversione prettamente commerciale e finanziaria, attraverso la realizzazione di abitazioni residenziali di lusso, centri commerciali o alberghi. Sarebbe opportuno che le caserme dismesse venissero destinate da una parte ad alloggi di edilizia sociale, o canone sociale, dall’altra, destinate a spazi culturali, centri aggregativi e formativi. E’ necessario, anche per rimettere in moto l’economia, promuovere la cultura, il contemporaneo, e tutti i linguaggi e generi artistici. Altro aspetto che si deve iniziare a studiare e a valutare è la questione del gioco d’azzardo. In questo tempo assistiamo con una progressione costante, al cambio di destinazione d’uso di ex cinema o spazi di architettura industriale in sale bingo e casino’. Interi quartieri ormai, come la Tiburtina, si stanno trasformando, somigliando sempre più  alla Las Vegas dei poveri. Iniziare a ragionare su questo, promuovere una delibera che imponga un limite, anche uno stop al dilagare del gioco, è necessario per rimettere al centro del dibattito politico la cultura, l’arte e tutte le forme di espressione degli uomini e delle donne.”

UFFICIO STAMPA

Federica Cammilloni – 3278118016 – cammilloni.f@gmail.com

QUARTA EDIZIONE COLLETTIVA “ARTE SACRA”
Dall’11 al 26 Maggio 2013

Quarta edizione della collettiva d’arte “ARTE SACRA”

Si rinnova per il quarto anno consecutivo l’esposizione rivolta all’Arte Sacra .Nel mese di Maggio lo spazio della galleria viene dedicato alla mostra in oggetto.
Sacro, non si intende solo quello che riguarda la nostra religione, ma tutto ciò che è sacro nelle altre forme,
e nelle altre forme di credo Sacro è un termine storico religioso fenomenologico religioso e antropologico che indica una categoria di attributi e realtà che si aggiungono o significano ulteriormente il reale ordinariamente percepito e indicato come profano
Il termine “sacro” deriva dal termine latino arcaico sakros rinvenuto sul Lapis Niger, sito archeologico romano risalente al VI secolo a.C.[2] e, in un significato successivo, indica anche ciò che è dedicato alla divinità e al suo culto.
A ragione di questo, abbiamo raccolto in questa mostra, sia la parte religiosa cattolica, con la rappresentanza del Gesù di Naxareth , di Gabrielli Giorgio e Shtanko Vitaly ,in due importanti momenti della sua vita, ai santi, “Padre Pio” alle varie elaborazione di Madonne, alla forma ironica della croce di Armellin, ad un Gesù Bambino cosmico di Foster Grazy, alle quattro formelle in legno di Racchi Mauro dove si evidenzia il cammino di Siddharta, per finire la città Sacra di Mando Papaioannou un piccolo lavoro di grande levatura.
Il vernissage sabato 11 maggio ore 17,30
La collettiva si apre il giorno 11 e si chiude il 26 maggio 2013 con orario :
dal lunedì al venerdì – 15,00/19,00 – sabato 9,30-12,00/15,00-19,00 chiuso domenica
Il Presidente maria Grazia Frassetto
ACAF-Artemisia Gallery
Via Moroni 124 – 24122 Bergamo
035241481- 3895563828
m.frassetto@libero.it – www.galleryartemisia.com

Le strade del Paesaggio: dai primi passi alle nuove visioni

TORINO, SALONE DEL LIBRO

Sabato 18 maggio 2013 ore 19,00

Padiglione Ospite

Sarà presentato sabato 18 maggio in occasione del Salone del Libro di Torino il libro Le strade del Paesaggio: dai primi passi alle nuove visioni.

Il testo, raccoglie, attraverso molteplici testimonianze le 6 Edizioni del Festival, che hanno visto la Provincia di Cosenza, promotore dell’evento, impegnata nel settore della cultura e dello sviluppo del territorio, e orientata verso un processo di rinnovamento che ha prodotto in questi anni cultura, istruzione e divertimento.

Una raccolta di fotogrammi, esperienze e voci di un’avventura iniziata nel 2007 e che, in prossimità della nuova edizione, vedrà protagonista uno straordinario ed inedito Dylan Dog raccontato, come per i personaggi che lo hanno preceduto (da Tex ad Andrea Pazienza), con entusiasmo e analisi critica.

L’incontro presso gli spazi del Salone del Libro sarà, inoltre, un’occasione per illustrare il Progetto Art In Progress, altra importante iniziativa della Provincia di Cosenza, giunta alla sua seconda edizione con un articolato e intenso programma, frutto di una felice coesistenza fra cultura locale, arte, musica e performance. La Rassegna vede, per questa nuova edizione, ancora protagonista dopo il successo riscosso, il Festival Urban Superstar curato da David Vecchiato e l’inaugurazione della mostra Arte&vita a cura di Dores Sacquegna che porta, per la prima volta a Cosenza, nomi d’eccellenza come Vito Acconci, Matteo Basilè e molti altri ancora.

PROGRAMMA

Conduce e modera:

Mariuccia De Vincenti – Ufficio Stampa Provincia di Cosenza

Interventi

Giovanni Soda – Dirigente della Provincia di Cosenza e Direttore Tecnico di Art in Progress. Cantieri del

Contemporaneo;

Fabio De Chirico – Soprintendente Bsae Calabria

Maria Francesca Corigliano – Assessore alla Cultura della Provincia di Cosenza

Pasquale Ruju – fumettista e doppiatore italiano

Per informazioni e materiale

ALESSANDRA FINA

sandrafina@gmail.com

t.             +39 06 88543958

+39 331 8380604

Questa nuova realtà nel panorama espositivo triestino si pone l’intento di avvicinare il pubblico ad artisti emergenti e non dell’arte contemporanea passando dalla pittura alla scultura e dalla fotografia al design.

Gli obiettivi principali sono di dare l’opportunità di creare nuove sinergie tra artisti, collezionisti e fruitori d’arte e far apprezzare e godere dell’arte anche coloro che hanno poca esperienza o poca conoscenza sviluppata in questo settore, ma che per curiosità e sensibilità personale sono attratti dal mondo dell’arte e della creatività.

In questa mostra antologica David Pompili, in arte Davil, evidenzia quello che è stato il suo percorso e soprattutto la sua evoluzione artistica. Le sue opere in tecnica mista e collage, con un richiamo sia alla pop art che alla tecnica dei writers e della street art, nascono però dallo studio di quella corrente dei cartellonisti di un tempo che davano una direzione dell’estetica mutuando uno spirito innovativo e un vocabolario sintetico. “La sua costante è la denuncia sociale che riprende anche nella veste grafica e richiama una produzione minore e povera, ma di grande diffusione negli anni della contestazione, di cui qualche eco sembra vedersi anche nelle colature cromatiche. Vi si rappresenta un mondo imperfetto, i cui piani comunicativi si confondono e si frammentano nella sovrapposizione fra messaggi pubblicitari, immagini e graffiti. Fusione di culture e controculture, la comunicazione moderna accetta la contraddizione e mistifica il dramma dell’ingiustizia e della violenza che invade anche il mondo della provincia e non risparmia i più deboli. Ricordarselo e ricordarlo è un bene”.

A rafforzare la sia la tematica della mostra che dello spazio espositivo ci sarà la partecipazione straordinaria di ArsMusiva/ by Elena Gentili. La peculiarità della designer umbra è la rivalutazione dell’antica tecnica decorativa del mosaico e la riproduzione in chiave moderna di monili unici nel loro genere che prendono ad ispirazione i più grandi ed importanti pittori che hanno lasciato un’indelebile impronta nell’arte figurativa ed astratta ….e per l’occasione interpre David Pompili. Ogni creazione è un pezzo unico e viene montata a mano su piccole basi di alabastro o di argento e rifinita sempre a mano con materiali pregiati, ma facili da indossare.

La mostra sarà visitabile sino al 29 giugno 2013 dal giovedì al sabato dalle ore 17 alle ore 20 e gli altri giorni su appuntamento.

Esposizione Personale: “Animaux Sauvage”.

Artista: Schili.

A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.

Coordinator: Valentina Marin.

Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Simona Bosco, Silvia Cicio, Alice Rigatti..

Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide).

Quando: Da venerdì 17 maggio a giovedì 29 maggio 2013.

Inaugurazione: venerdì 17 maggio, dalle ore 19.00 alle 22.00.

Orari: Dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 24.00 – Martedì dalle 14.00 alle 24.00 – Sabato dalle 18.00 all 24.00 – domenica 18.00 alle 24.00.

Info: 3492847925 – www.schili.it – www.artcaffeletterario.com – www.caffeletterarioroma.it

All’interno del Circuito Off del Premio Art Caffè Letterario, l’Esposizione Personale “Animaux Sauvages” dell’artista Schili: una esposizione centrata sull’ecologia e la dimensione dell’ambiente animale.

Il grande interesse per la natura, l’ecologia, i problemi ambientali, l’affascinante influenza ricevuta da frequenti viaggi naturalistici in Africa equatoriale (Uganda, Congo, Camerun, Zambia, Tanzania etc, ) hanno portato Schili ad elaborare variegati microcosmi iconografici. Da un orizzonte costituito da idoli fantastici, totem primitivi, maschere tribali, influenzato dall’arte del Congo e del Mali, Schili è giunto a rappresentare con sempre maggiore assiduità e passione un mondo abitato da animali selvaggi, in parte con occhio naturalistico, in parte con uno sguardo simbolico- idealizzante. Infatti, la riflessione sulla condizione di oggettiva fragilità alla quale molte specie animali sono esposte conduce Schili a darne una rappresentazione solenne, ieratica e sacrale (le figure animali emergono da uno sfondo policromo quasi pseudo-bizantino) per rammentare all’umanita’ la responsabilità della conservazione di tale straordinario patrimonio faunistico.

Nelle opere di Schili gli animali ci guardano con uno sguardo triste, spaurito e rassegnato e ci trasmettono la nostalgia per una condizione passata di totale libertà e un subconscio presente di paura, retaggio di secoli di caccia e bracconaggio. Dietro quello sguardo c’e’ tutta una storia di emigrazione forzata e costrizione nelle riserve naturalistiche africane.

L’Africa, con le sue realtà urbanistiche degradate e le sue risorse naturali depredate da secolare sfruttamento,  conserva ancora, ma chissà per quanto,  un immenso ed unico patrimonio naturale e  faunistico.

“La pittura di Schili è”, afferma Pierluigi Graziani, “ una pittura “metropolitana” intesa come priva degli orpelli stilistici e celebrativi presenti in tanta parte della pittura comtemporanea “colta” e/o di “maniera”. Una pittura forte per intuizione, segno e rigore, che si manifesta per immagini di piccoli “microcosmi”. Microcosmi sono infatti sia quelli presenti nelle opere del periodo iniziale (1997 – 1998), legati ad un immaginifico mondo di “Kats”, così simili eppure così alternativi nella sostanza al “radiant boy” di Keith Haring, (autore che insieme a tutti gli artisti del graffitismo e della cosiddetta “arte di frontiera”, ha affascinato e influenzato l’arte di Schili), che quelli del periodo successivo aventi come riferimento l’arte povera del Sud America, con il suo universo di maschere, uccelli fantastici, animali multicolori…….Dal 2008 nuovi iconografie suscitano la curiosità di Schili; l’interesse e l’attenzione che rivolge alla natura, all’ecologia e a problemi ambientali, lo portano a catturare e a trasferire sulla tela, sotto forma di visionari ed immaginari graffiti, immagini di idoli fastastici, di totem primitivi, di maschere tribali. Scriveva Francesca Alinovi che “i graffiti” o certo genere di graffiti, provengono dalla elaborazione di  una forma di cultura superiore, o patafisica, o fantascientifica, o surreale. Così Schili, dopo aver navigato attraverso i miti e le icone della contemporaneità, abbandona questi miti e queste icone, alla ricerca di una nuova stesura artistico culturale, di una dimensione onirica della tribalità della pittura come scoperta-rivalutazione degli stilemi primitivi ed incontaminati dell’arte, quasi una sorta di “revenge” di un’arte che sembra non contare e che si potrebbe definire “no logo and no profit”. Stilisticamente, la pittura di Schili si muove attraverso immagini di calligrafia scorrevole, che parte dall’idolo o dal totem o dalla maschera tribale, per arrivare ad una gestualità fluida e veloce, riportata sulla tela attraverso composizioni e scomposizioni che tra loro si incrociano, si intersecano, si confondono. In definitiva una mostra interessante e stimolante, al tempo stesso didascalica e comunicativa, dove tra i continui rimandi estetici, dal graffitismo all’art brut, e ancora molti altri, il “nomadismo” pittorico ed intellettuale di Schili trova completa interpretazione” (Pierluigi Graziani, 2010).

UFFICIO STAMPA

Info: 3278118016 – cammilloni.f@gmail.com

Esposizione Collettiva di Arte Contemporanea: Decimo Ciclo Espositivo del Premio Art Caffè Letterario.

A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.

Coordinator: Valentina Marin.

Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Simona Bosco, Silvia Cicio, Alice Rigatti.

Artisti: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A. Peverieri, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Circuito Off: Esposizione Personale “Animaux Sauvages” di Schili.

Interventi: ore 19.30 Stefano Dominella Presidente della Maison Gattinoni Couture; ore 20,30 Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action.

Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide).

Quando: Dal venerdì 17 al giovedì 29 maggio 2013.

Orari: Dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 24.00 – Martedì dalle 14.00 alle 24.00 – Sabato dalle 18.00 all 24.00 – domenica 18.00 alle 24.00.

Inaugurazione: Venerdì 17 maggio, dalle ore 19.00 alle 22.00.

Info: 3492847925 – www.centoproduzioni.com – www.artcaffeletterario.com – www.caffeletterarioroma.it

Ufficio Stampa web: Federica Cammilloni.

Produzione: Caffè Letterario – Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.

Al Caffè Letterario, interessante spazio di incontri artistico-culturali, prosegue il Premio Art Caffè Letterario, arrivato al Decimo Step Espositivo. Il concorso artistico che in meno di otto mesi ha coinvolto quasi duecento artisti provenienti da tutta Italia, e la cui votazione online sta per raggiungere la soglia delle cinquemila votazioni, prevede dal 17 al 25 maggio l’esposizione delle opere d’arte di: M. Amadei, L. Antognozzi, G. Baldazzi, L. Cacucciolo, D. D’Agostini (donatadag), A. Esposito, E. La Marca, M. Mariotti, A. C. Medorini, M. Mulè, M. Muzi, A. M. Peverini, Pigotta 08, S. Rossi, N. Serrano, E. Torre.

Per il Circuito Off del Premio Art Caffè Letterario, l’Esposizione Personale “Animaux Sauvages” dell’artista Schili: una esposizione centrata sull’ecologia e la dimensione dell’ambiente animale. Il grande interesse per la natura, l’ecologia, i problemi ambientali, l’affascinante influenza ricevuta da frequenti viaggi naturalistici in Africa equatoriale (Uganda, Congo, Camerun, Zambia, Tanzania etc, ) hanno portato Schili ad elaborare variegati microcosmi iconografici. Da un orizzonte costituito da idoli fantastici, totem primitivi, maschere tribali, influenzato dall’arte del Congo e del Mali, Schili è giunto a rappresentare con sempre maggiore assiduità e passione un mondo abitato da animali selvaggi, in parte con occhio naturalistico, in parte con uno sguardo simbolico-idealizzante. La riflessione sulla condizione di oggettiva fragilità alla quale molte specie animali sono esposte, conduce Schili a darne una rappresentazione solenne, ieratica e sacrale (le figure animali emergono da uno sfondo policromo quasi pseudo-bizantino) per ricordare all’ umanita’ la responsabilità della conservazione di tale straordinario patrimonio faunistico.

Nelle opere di Schili gli animali ci guardano con uno sguardo triste, spaurito e rassegnato e ci trasmettono la nostalgia per una condizione passata di totale libertà e un subconscio presente di paura, retaggio di secoli di caccia e bracconaggio.

Il Caffè Letterario, fin dalla sua nascita, ha sempre promosso incontri con personaggi di spicco della cultura italiana, per parlare e affrontare  importanti tematiche sociali, culturali e artistiche. Una promozione politica, trasversalmente partitica, per avvicinare progetti alle persone.

Il 17 maggio i visitatori del Caffè Letterario potranno ascoltare i brevi interventi,  riguardanti la Cultura, l’ Arte e la Creatività, di Stefano Dominella (alle ore 19.30 circa) e di Andrea Alzetta (alle 20,30 circa).

Stefano Dominella tra i numerosi incarichi che ricopre, o ha ricoperto, è stato per diversi anni Presidente di Alta Roma ScpA, società consortile per azioni nata nel 2002 con lo scopo di promuovere la città di Roma come palcoscenico privilegiato della Moda Italiana, per la promozione e lo scouting di giovani talenti, ed  attualmente è Presidente della Maison Gattinoni Couture. Durante il suo intervento al Caffè Letterario ci illustrerà il Progetto “Roma Officina della Creatività per nuove opportunità di lavoro” avente come principale obiettivo quello di Roma capitale europea della giovane creatività, del design e della cultura attraverso la rivalutazione dell’artigianato. Idea principale del Progetto è istituire “l’Officina della creatività”. Uno spazio multimediale dove la moda si incontra con la tecnologia e l’artigianato. Quindi cultura, nuove opportunità,  formazione, nuovi input. Per una Capitale al passo con i tempi e con le nuove esigenze. Uno spazio al servizio dei cittadini e non solo pensato anche per un pubblico fruitore internazionale con conseguente incremento del turismo. Dare avvio, inoltre, a corsi di formazione, al recupero delle botteghe artigiane nelle periferie di Roma, alla valorizzazione della creatività nelle periferie urbane in particolar modo per alcuni mestieri artigianali abbandonati e dimenticati che invece rappresentano il punto di forza anche per la possibile creazione di nuovi posti di lavoro.

Andrea Alzetta, Consigliere Comunale Roma in Action, porterà un intervento in merito alla questione cultura sociale e cultura artistica centrando il discorso sull’importanza della destinazione di edifici e strutture dismessi o convertiti nell’ utilizzo. Uno dei tanti impegni di Andrea Calzetta nel Consiglio Comunale è stato infatti di condurre una lotta in merito alle caserme dismesse e in dismissione e sul futuro utilizzo di queste ultime: “Non si può pensare”, afferma, “che le caserme dismesse vengano destinate solo per una riconversione prettamente commerciale e finanziaria, attraverso la realizzazione di abitazioni residenziali di lusso, centri commerciali o alberghi. Sarebbe opportuno che le caserme dismesse venissero destinate da una parte ad alloggi di edilizia sociale, o canone sociale, dall’altra, destinate a spazi culturali, centri aggregativi e formativi. E’ necessario, anche per rimettere in moto l’economia, promuovere la cultura, il contemporaneo, e tutti i linguaggi e generi artistici. Altro aspetto che si deve iniziare a studiare e a valutare è la questione del gioco d’azzardo. In questo tempo assistiamo con una progressione costante, al cambio di destinazione d’uso di ex cinema o spazi di architettura industriale in sale bingo e casino’. Interi quartieri ormai, come la Tiburtina, si stanno trasformando, somigliando sempre più  alla Las Vegas dei poveri. Iniziare a ragionare su questo, promuovere una delibera che imponga un limite, anche uno stop al dilagare del gioco, è necessario per rimettere al centro del dibattito politico la cultura, l’arte e tutte le forme di espressione degli uomini e delle donne.”

UFFICIO STAMPA

Federica Cammilloni – 3278118016 – cammilloni.f@gmail.com

Anna Di Matteo anna.dimatteo88@gmail.com

“Milano anni ’70 una retrospettiva” è il titolo che accompagna l’esposizione che si inaugurerà DOMANI 11 maggio dalle ore 18 alla galleria Marcantoni di Pedaso (FM) via Manzoni 21. La mostra sara’ visitabile fino al 16 giugno tutti i giorni dalle 17alle 20. Un appuntamento molto importante dal punto di vista storico-artistico. Incontro pensato e preparato in maniera scientifica , ricco di documentazione storica vuole presentare al pubblico una collettiva di nomi che hanno vissuto e creato arte in un decennio ,quello che va dal 1965 al 1975, vivace dal punto di vista sociale, tumultuoso e ricco di cambiamenti e nuove ricerche artistiche. L’esposizione ospitata in galleria vede protagonisti cinque artisti che a Milano si sono formati,hanno artisticamente lottato e si sono storicamente affermati. Paolo Baratella, Umberto Mariani, Giangiacomo Spadari, Fernando de Filippi, Sergio Sarri ,il cosiddetto “Gruppo dei Milanesi”, sono stati compagni di lotte artistiche ,ognuno a suo modo. Protagonisti di un’arte che ha raccontato la societa’ anni settanta in maniera sociologica, vera , a tratti cruda. Il gruppo rappresenta, senza intenti di convergenze formali, una delle piu’ interessanti esperienze artistiche culturali di quegli anni. Le tele presentante raccontano un arco di tempo ben determinato e circoscritto. Il periodo piu’ importante, piu’ museale, la testimonianza storica del Gruppo. Come di consuetudine la Galleria ospitera’ nel periodo della mostra tre appuntamenti musicali. Il vernissage vedra’ la presenza di docenti del Conservatorio “Pergolesi” di Fermo.

Vi aspettiamo! Inoltre sarà presente la fotografa Paola Panicola per realizzare scatti ai tattoo realizzati da Loris, a quanti fossero mancati all’appuntamento precedente!

“GUSTO degli altri” inteso come “quello che piace”. Arte In Voce, associazione culturale, promotrice della prima edizione della rassegna d’arte contemporanea tirAR•Tardi 2013, invita gli artisti, protagonisti del terzo appuntamento, a esprimere il proprio talento nel suscitare il senso del gusto nelle vesti del “piacere” per il cibo, la moda, gli stati d’animo, i desideri e molto altro ancora. Il 22 Maggio 2013, nella suggestiva e raffinata atmosfera del TClub Lounge Bar, nel quadrilatero romano di Torino in Via Sant’Agostino 23/Q, l’avventura del tirAR•Tardi approderà alla luce delle opere di quattro prestigiosi artisti locali:

Francesco Marinaro, giovane scultore le cui opere nascono “passo passo” attraverso un lavoro di ideazione e preparazione tecnica. Con “Cioccolata non toccare”, Marinaro, inviterà, con dolcezza, lo spettatore, nel mondo dell’artificioso visivo, stimolando la contaminazione dei sensi nella percezione. Sinestesia pura!

Rossana Bossù, illustratrice, professionista dell’incanto nelle immagini, ispirandosi liberamente alla favola per adulti “Io sono febbraio” di Shane Jones, presenterà il proprio lavoro che racconta ed esplora il cammino verso il gusto per la libertà d’espressione.

Marco Giammarinaro, in un gioco, quasi una magia tra fotografia e arte, rivelerà scatti innovativi e sperimentali con l’obiettivo di far assaporare l’opera e il gusto dell’illusione. Oltre la realtà, alla scoperta di qualcosa di più, chiamato  Esperimentazione.

Ornella Silvestri e Clara Placido, in un lavoro a quattro mani, interpreteranno l’universo femminile e maschile nell’opera “Eva e Adamo” . Un’occasione di moda e stile che farà incontrare somiglianze e diversità in un’unica, esclusiva e inedita mise.

Arte In Voce alla guida del “GUSTO degli altri” tutto in una notte. Il viaggio continua sulle strade dei Cinque Sensi + 1.

Opening h. 19-24

Ingresso Libero

Per partecipare come artista: www.arteinvoce.it  info@arteinvoce.it

Comunicazione, ufficio stampa AndEventi Comunicare è arte alessandra@andeventi.it

If You do Not Live, Can Not Die

Mostra di Luca Turchi

SPAZIO ZERO, via Ronchetti n. 6 Gallarate VA

tel./fax 0331.777472

Dal 25 maggio al 9 giugno 2013

Inaugurazione sabato 25 maggio alle ore 18.00

Orario: da martedì al sabato  17.00-19.00
domenica 10.00-12.30/17.00-19.00; lunedì chiuso

“If You do Not Live, Can Not Die” è il titolo della mostra personale di Luca Turchi organizzata da Metamusa Arte ed Eventi allo Spazio Zero di Gallarate dal 25 maggio al 9 giugno 2013.

Artista poliedrico, autoironico, estroverso, distratto, fuori dagli schemi, Luca Turchi fin dagli anni novanta libera la sua indole artistica in opere controtendenza nell’interpretare tutto ciò che lo circonda. Per molti anni ha scelto di non esporre al pubblico vivendo la sua idea artistica come intima ricerca personale.

Allo Spazio Zero presenta la sua prima mostra personale con una selezione di opere che spaziano dalla tela, alla scultura, all’installazione.

Egli crea in totale indipendenza da scuole o correnti di pensiero, ama sperimentare la contaminazione di stili e materiali prediligendo per lo più il processo di recupero di ciò che è necessario all’opera. Dalla tela, al colore, al legno. Il lavoro di ricerca dei materiali utili diventa dunque interessante e parte fondamentale dell’oggetto creato. Aziende tipografiche per il colore, ditte più diverse per  i differenti materiali quali colle, piastrelle, acciaio, tessuto ecc.

Il risultato finale è un amalgama di materiali riciclati che concilia arte e design, secondo una definizione che lo stesso artista sceglie per raccontare le sue opere “Contemporary art recycled and design”.

La mostra sarà visitabile fino al 9 giugno.

Luca Turchi nasce nel 1964 a Senigallia, è un artista nato per caso  che  ha scelto di non esporre  al pubblico le sue opere fino a questo momento.

Per ogni informazione
METAMUSA
via C. Battisti, 9 – 21013 Gallarate VA

T/F  0331 777472
info@metamusa.it

www.metamusa.it

www.facebook.com/metamusa.eventi

Giovedì 16 maggio alle ore 18 il Museo Nazionale Archeologico aprirà le porte alla cretività under 35 anni. Per l’occasione tre artisti invitati al progetto, Pablo Chiereghin, Emmanuele Panzarini, Giorgia Severi, racconteranno la loro avventura a DeltArte.
In particolare, Pablo Chiereghin realizzerà la performance All the times that I told the story of my place. In questo caso l’io narrante coincide con lo stesso autore che descrive, all´interno della narrazione, le intercapedini e i fraintendimenti trascorsi nel raccontare la storia della sua città d’origine. L’opera presentata in una personale alla Das Weisse Haus a Vienna e ad una mostra alla Kunstverein di Schattendorf (AT), ritorna alle sue origini portando con sé tutte le volte che è stata raccontata.
Museo Archeologico Nazionale di Adria
Via Giacomo Badini 59 – 45011 Adria (RO) Tel. Fax 0426 21612
Orari 8.30-19.30.

Segreteria Organizzativa
Centro Studi Agnese Baggio
Via de’ Ronconi 11 – 45011 Adria (RO)
MR Comunicazione
Dott.ssa Melania Ruggini

Mobile 349 2595271
eMail melaniaruggini@gmail.com
MR Comunicazione
Dott.ssa Melania Ruggini

La mostra presente è un ideale prosecuzione e sintesi di due mostre precedenti: “Di luce e di ombra (Le ragioni del sentimento)”, doppia personale di Boldrini e Facchinetti a Venezia, Palazzo Zenobio, nell’ottobre 2012 e “Orizzonti”, doppia personale di Boldrini e Patarini alla Galleria Vista di Roma nel marzo 2013.

“Spazi carichi di attese, di energia rappresa, trattenuta, in cui si gioca l’eterna partita tra l’istinto e la riflessione, tra la ragione e il sentimento. C’è la forza del gesto che si esprime attraverso pennellate decise, evidenti, ma poi c’è un’incessante ricerca di equilibri, in un gioco di pesi e contrappesi.”

Virgilio Patarini

Per ulteriori informazioni galleria.zamenhof@gmail.com

Zamenhof Art via Breno, 1 – Milano tel 02.83660823

Inaugurazione Sabato 18 Maggio 2013 ore 18,00

dal  18 al 29  Maggio  2013

Cura ed allestimento di Massimiliano Sbrana

Artisti presenti :  MAURIZIO CARGIOLLI, SILVANA FRANCO, VEZIO MORICONI, PIER LUIGI PUCCINI

Promosso da: GAMeC CENTROARTEMODERNA di PISA

Sede : GAMeC CentroArteModerna – Lungarno Mediceo, 26 Pisa – www.centroartemoderna.com – tel. 050542630

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Versiliesi sulle rive dell’Arno

Si inaugura Sabato 18 maggio  alle ore 18,00 presso il GAMeC CentroArteModerna di Pisa  (sul Lungarno Mediceo al numero 26) la mostra “Versiliesi sulle rive dell’Arno”, curata  e ordinata da Massimiliano Sbrana, che ospiterà per la prima volta a Pisa, nel secondo appuntamento con il progetto “Itinerari Artistici d’Italia”,  le opere di 4 noti ed apprezzati artisti versiliesi ossia MAURIZIO CARGIOLLI, SILVANA FRANCO, VEZIO MORICONI, PIER LUIGI PUCCINI.

Maurizio Cargiolli nasce a Carrara nel 1963 e si avvicina alla pittura nel 1978 frequentando la studio di un noto pittore prima e poi il circolo culturale di Sarzana con le prime collettive. Dopo gli studi all’Accademia di belle arti di Carrara si trasferisce a Milano collaborando con una nota galleria.  Nelle sue ultime opere il paesaggio della memoria anche se presente regredisce per l’imperiosa ricerca di uno spazio interiore libero da canoni estetici. Il suo risulta quindi non essere un mero esperimento ma una scelta ed un modo di veder secondo la forma essenziale del disegno misurato, intento a cogliere il particolare delle proprie emozioni.

Silvana Franco è nata a Troia (FG) nel 1950.  Da qualche anno, sono cominciate “le stagioni versiliane” della pittrice e nei suoi dipinti si sono perfezionate le pennellate rapide in successione, i colpi di spatola senza ripensamenti, e le scelte cromatiche riflettenti il momento e il periodo dell’emozione sempre controllata. La spiaggia e gli spazi boschivi, i fossi, le Alpi Apuane in lontananza con le ferite marmoree delle cave, il lago di Massacciuccoli, di pucciniana memoria, i chiari delle paludi massarossesi e l’argento olivato delle colline, fanno parte di un inesauribile serbatoio cui l’artista attinge.

Vezio Moriconi (Camaiore 1971) si laurea all’Accademia di Belle Arti di Carrara. Si forma poi con approfonditi studi sull’arte della scultura, muovendo i primi passi proprio in questa disciplina. La sua ricerca si muove fin dall’inizio quindi su binari paralleli della linguistica scultoria e pittorica che è dettata dal fatto che non tutto è scontato, ne tanto meno è suggerita da episodi occasionali, ma piuttosto dalla originalità della propria escursione interiore.  Nel suo lavoro più attuale l’ironia si propaga repentina e colpisce inesorabilmente i “buffi personaggi” che abitano le sue opere che altro non sono che una trasposizione di noi stessi, nelle nostre piccole nascoste mostruosità, dei nostri ingenui travestimenti e delle nostre fragilità.

Pier Luigi Puccini (Lucca 1948)  noto ed apprezzato illustratore di libri e manifesti ha da sempre  trovato il suo campo di attività preferito nella la pittura, cui ha affiancato  dal 1980 la scenografia e la grafica. Nell’arte di Puccini la narrazione resta elemento primario e fondamentale. Il suo linguaggio infatti, attingendo ad un espressionismo personalizzato, in cui la presenza di situazioni iperbolicamente esaltate, anche come tristi memorie generazionali, diventa emblema di una realtà di cui l’artista è, di volta in volta, ora osservatore dissacrante e aggressivo, ora protagonista discreto e ironico, ora artefice di armonie ritrovate.

Altre informazioni disponibili al più presto sul sito: www.Centroartemoderna.com . Per appuntamenti tel 050542630 o email: mostre@centroartemoderna.com

La mostra proseguirà fino al 29 Maggio 2013 con (ingresso libero).

Orari: 10-12,30/16,30-19,00 (feriali); Domenica 19 maggio 2013 17,00-19,30 (festivi telefonare) ;  chiuso lunedì mattina.

Ufficio stampa:
Massimiliano Sbrana
mobile +39 3393961536
e-mail mostre@centroartemoderna.com

Si autorizza la pubblicare testi e immagini relativi alla mostra IN OGGETTO. Si dichiara che per le immagini e per i testi contenuti nel predetto comunicato non esistono  VINCOLI SIAE NE’ VINCOLI DI ALCUN TIPO.

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In ottemperanza alla Decreto Legislativo 30 giugno 2003, n. 196   “Codice in materia di protezione dei dati personali”, art. 13 si dichiara che i dati raccolti, verranno trattati per il solo scopo di invio mail promozionali (altre info sono reperibili sul sito www.CentroArteModerna.com ). Secondo quanto previsto dal DLs, è possibile modificare o cancellare i dati in qualsiasi momento in modo del tutto gratuito e autonomo.
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The setting is a sparkling Venice city, which is already vibrating for the 55th edition of the Biennale d’Arte, curated by Massimiliano Gioni. The title chosen by Massimiliano Gioni for the 55th International Art Exhibition is: Il Palazzo Enciclopedico / The Encyclopedic Palace. Massimiliano Gioni introduced the choice of theme evoking the self-taught Italian-American artist Marino Auriti who, on November 16, 1955, filed a design with the US Patent Office depicting his Palazzo Enciclopedico (The Encyclopedic Palace): an imaginary museum that was meant to house all worldly knowledge, bringing together the greatest discoveries of the human race, from the wheel to the satellite. Auriti’s plan was never carried out, of course, but the dream of universal, all-embracing knowledge crops up throughout history, as one that eccentrics like Auriti share with many other artists, writers, scientists, and prophets who have tried – often in vain – to fashion an image of the world that will capture its infinite variety and richness.

These personal cosmologies, with their impossibility to catalog the omniscience, shed light on the constant challenge of reconciling the self with the universe, the subjective with the collective, the specific with the general, the individual with the culture of its time. A fully imaginative scenery of human acknowledgments will back Cueva’s quest about “Sapere Aude”, becoming the spark for the Illuminist manifesto: an excitement about feeding oneself without shame; the need of knowledge, the bravery of using our own intelligence.

To transpose this concept in the Venetian environment, this becomes an invitation to expose and confront with the world without having to bend oneself to the system’s rules and regulations. To express one’s creativity and imagination free from universal contamination and traditional academic schemes. The connection then stems from “pure liberty”. “Liberty to dare” allows a brave artist to express thoughts, styles and art capturing each and every one’s time; reinterpreting through forms and colors dedicated to the language of our souls.

SAPERE AUDE

A fare da cornice una Venezia in fermento per il tradizionale appuntamento con la Biennale d’Arte. La 55ma edizione è curata da Massimiliano Gioni che porterà in laguna il sogno dell’artista italo americano Marino Auriti: “Il Palazzo enciclopedico”. «La sfida – spiega il curatore – è di conciliare il sé con l’universo, il soggettivo con il collettivo, il particolare con il generale, l’individuo con la cultura del suo tempo. Oggi, alle prese con il diluvio dell’informazione, questi tentativi di strutturare la conoscenza in sistemi omnicomprensivi ci appaiono ancora più necessari. La biennale indagherà proprio queste fughe dell’immaginazione in una mostra che, come il Palazzo Enciclopedico di Auriti, combinerà opere d’arte contemporanea e reperti storici, oggetti trovati e artefatti.»

Un museo immaginario del sapere umano universale. Questo lo scenario che farà da sfondo all’indagine che Cuevas propone partendo, invece, dal motto kantiano “Sapere Aude”, divenuto incipit del manifesto illuminista: un’esortazione a “dissetare senza remore” il desiderio di conoscenza, ad avere il coraggio di servirsi della propria intelligenza.

Calato nel contesto veneziano diviene un invito a confrontarsi con il mondo senza attenersi alle regole dettate dal sistema, a esprimere la propria creatività ed immaginazione, liberate da contaminazioni universali e da tradizionali schemi accademici.

Il fil rouge diviene quindi la “pura”  libertà che si ritrova nel coraggio dell’artista nell’ “osare”, esprimere pensieri, stile e arte, catturando l’essenza del proprio tempo, reinterpretandola attraverso forme, colori, linguaggi consoni all’anima.

Curated/Curatela by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

Artists/Artisti: Massimo Casagrande, Salvatore Scafiti, Luis Cuevas, Claudio Grandinetti, Marco Bottin, Luis Cuevas, Francesco Mangiaracina, Monica Michelotti, Susan Dorothea White, Andrea Angeli, Manuel Casellas, Alba Francesca Battista, Adolfina De Stefani, Antonello Mantovani, Daniele Sartori, Antonio D’Amato, Vania Broccoli, Federico Meneghello, LoV, The Cool Couple, Valentina Furian, Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic.

SAPERE AUDE SPECIAL EVENTS

Vernissage Venerdi 31 maggio ore 18.30

Preview “Sapere Aude” by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

LUNAPARK FOR GHOSTS (1). Performance and video installation  by LoV

Domenica 2 Giugno ore 18.30

GUARDARE LE COSE PRESENTI IN VISTA DI COSE ASSENTI. Video installation by Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic

Venerdi 7 Giugno ore 18.30

IL TERZO SCIMPANZÉ. Video installation by The Cool Couple

Sabato 15 Giugno ore 18.30

UNTITLED. Interactive video and sound wall installation by Valentina Furian

Sabato 22 Giugno ore 20.00

VENTAGLIO E SOGGETTO SOTTOVENTO.Performance by Chiara Vighetto &Flavio Moro

WHAT ABOUT ALICE? Video art by Daniele Sartori

VERNICE CONTEMPORANEA  Art Night Party

Finissage Sabato 29 Giugno ore 18.30

LUNAPARK FOR GHOSTS (2) EVOLUTION including HEART the EARTH). Performance and  video installation by LoV

Open:Saturday, 01 June 2013

Close:Sunday, 30 June 2013

Opening hour: Tue – Sun | 11am – 6pm

Address: Palazzo Storico Ca’ Zanardi-Calle Zanardi,4132-Canareggio

Phone: +39 041 241 3305 / ++39 348 29 18 251

Mail: vernicecontemporanea@gmail.com

Web: www.vernicecontemporanea.it   http://www.facebook.com/vernicecontemporanea

How to get

From Piazzale Roma or the Railway Station take the vaporetto (water bus) n°1 and get off at the Ca doro stop. Exit the small street until you reach the main walkway Strada Nuova. Turn right and proceed for 20 meters, before reaching Campo Santa Sofia, turn left into Calle dei Priuli. Cross the bridge and turn right. Proceed alond Ruga Due Pozzi, cross the S.Andrea bridge and turn left. You’ll immediately see the main gate of Ca Zanardi Palace on the left ( Street Number 4132).

Come arrivare

Da Piazzale Roma o dalla Stazione Ferroviaria prendete il vaporetto n°1 e scendete alla fermata di Ca’ d’Oro, percorrete tutta la calle situata davanti all’imbarcadero fino a trovarvi in Strada Nuova. Girate a destra e avanzate per circa 20 metri: prima di Campo Santa Sofia, girate a sinistra per Calle Priuli, quindi attraversate il ponte e girate a destra percorrete tutta la Ruga 2 pozzi attraversate il ponte S. Andrea 10m e al civico 4132 troverete Ca’ Zanardi.

Download the map:

http://www.cazanardi.eu/images/stories/mappacazanardi.pdf

SAPERE AUDE

A fare da cornice una Venezia in fermento per il tradizionale appuntamento con la Biennale d’Arte. La 55ma edizione è curata da Massimiliano Gioni che porterà in laguna il sogno dell’artista italo americano Marino Auriti: “Il Palazzo enciclopedico”. «La sfida – spiega il curatore – è di conciliare il sé con l’universo, il soggettivo con il collettivo, il particolare con il generale, l’individuo con la cultura del suo tempo. Oggi, alle prese con il diluvio dell’informazione, questi tentativi di strutturare la conoscenza in sistemi omnicomprensivi ci appaiono ancora più necessari. La biennale indagherà proprio queste fughe dell’immaginazione in una mostra che, come il Palazzo Enciclopedico di Auriti, combinerà opere d’arte contemporanea e reperti storici, oggetti trovati e artefatti.»

Un museo immaginario del sapere umano universale. Questo lo scenario che farà da sfondo all’indagine che Cuevas propone partendo, invece, dal motto kantiano “Sapere Aude”, divenuto incipit del manifesto illuminista: un’esortazione a “dissetare senza remore” il desiderio di conoscenza, ad avere il coraggio di servirsi della propria intelligenza.

Calato nel contesto veneziano diviene un invito a confrontarsi con il mondo senza attenersi alle regole dettate dal sistema, a esprimere la propria creatività ed immaginazione, liberate da contaminazioni universali e da tradizionali schemi accademici.

Il fil rouge diviene quindi la “pura”  libertà che si ritrova nel coraggio dell’artista nell’ “osare”, esprimere pensieri, stile e arte, catturando l’essenza del proprio tempo, reinterpretandola attraverso forme, colori, linguaggi consoni all’anima.

Curated/Curatela by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

Artists/Artisti: Massimo Casagrande, Salvatore Scafiti, Luis Cuevas, Claudio Grandinetti, Marco Bottin, Luis Cuevas, Francesco Mangiaracina, Monica Michelotti, Susan Dorothea White, Andrea Angeli, Manuel Casellas, Alba Francesca Battista, Adolfina De Stefani, Antonello Mantovani, Daniele Sartori, Antonio D’Amato, Vania Broccoli, Federico Meneghello, LoV, The Cool Couple, Valentina Furian, Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic.

SAPERE AUDE SPECIAL EVENTS

Vernissage Venerdi 31 maggio ore 18.30

Preview “Sapere Aude” by Miguel Ángel Cuevas (Seville)

LUNAPARK FOR GHOSTS (1). Performance and video installation  by LoV

Domenica 2 Giugno ore 18.30

GUARDARE LE COSE PRESENTI IN VISTA DI COSE ASSENTI. Video installation by Antonia Bonura, Enkelejd Doja, Spela Volcic

Venerdi 7 Giugno ore 18.30

IL TERZO SCIMPANZÉ. Video installation by The Cool Couple

Sabato 15 Giugno ore 18.30

UNTITLED. Interactive video and sound wall installation by Valentina Furian

Sabato 22 Giugno ore 20.00

VENTAGLIO E SOGGETTO SOTTOVENTO.Performance by Chiara Vighetto &Flavio Moro

WHAT ABOUT ALICE? Video art by Daniele Sartori

VERNICE CONTEMPORANEA  Art Night Party

Finissage Sabato 29 Giugno ore 18.30

LUNAPARK FOR GHOSTS (2) EVOLUTION including HEART the EARTH). Performance and  video installation by LoV

Open:Saturday, 01 June 2013

Close:Sunday, 30 June 2013

Opening hour: Tue – Sun | 11am – 6pm

Address: Palazzo Storico Ca’ Zanardi-Calle Zanardi,4132-Canareggio

Phone: +39 041 241 3305 / ++39 348 29 18 251

Mail: vernicecontemporanea@gmail.com

Web: www.vernicecontemporanea.it   http://www.facebook.com/vernicecontemporanea

How to get

From Piazzale Roma or the Railway Station take the vaporetto (water bus) n°1 and get off at the Ca doro stop. Exit the small street until you reach the main walkway Strada Nuova. Turn right and proceed for 20 meters, before reaching Campo Santa Sofia, turn left into Calle dei Priuli. Cross the bridge and turn right. Proceed alond Ruga Due Pozzi, cross the S.Andrea bridge and turn left. You’ll immediately see the main gate of Ca Zanardi Palace on the left ( Street Number 4132).

Come arrivare

Da Piazzale Roma o dalla Stazione Ferroviaria prendete il vaporetto n°1 e scendete alla fermata di Ca’ d’Oro, percorrete tutta la calle situata davanti all’imbarcadero fino a trovarvi in Strada Nuova. Girate a destra e avanzate per circa 20 metri: prima di Campo Santa Sofia, girate a sinistra per Calle Priuli, quindi attraversate il ponte e girate a destra percorrete tutta la Ruga 2 pozzi attraversate il ponte S. Andrea 10m e al civico 4132 troverete Ca’ Zanardi.

Nella contemporanea società liquida l’arte è diventata sfuggente, leggera, modulare, estremamente movibile. Il gioco, l’applicazione, l’associazione, l’interconnessione sono i paradigmi dello stile di vita della modernità liquida dove è più importante la velocità di movimento che la capacità di sostare a lungo in un determinato luogo. La capacità di modulare il proprio lavoro e distribuirlo in un ampio spazio e in breve tempo ricomporlo in un unico luogo assurge a nuovo valore, così come rappresentare la realtà con il gioco e con gli elementi costitutivi le nuove realtà virtuali. Il gioco e il bitmap che disegna il “virtual game”, sono connettibili e trovano il proprio naturale spazio nelle applicazioni che aiutano a sopravvivere in un mondo ormai liquidamente individualista. Alla decontestualizzazione di tali elementi, di cui l’attuale modernità è intrisa/assuefatta, ci pensa l’artista/designer di oggetti senza funzione, o con una funzione puramente rappresentativa, che punta alla presa di coscienza di un mondo ormai proiettato verso un nuovo stile di vita, dove conta più la capacità di interazione che quella di costruzione.

Liquid connections

In the contemporary liquid society the art is changed and now is light, receding, modular, extreme moved. The game, the application, the association, the interconnection are the paradigms of the style of life of the liquid modernity where is more important the speed of move who the capacity of stay much in a determinate place. The capacity of modular the own work and distribute it in a great space and in little time recompose it in a only place is a new valor, that as represent the realty with the games and with the constitutive elements the new virtual reality. The game and the bitmap who draws the “virtual game”, are connecting between their to find the own natural space in the applications who help the survival in a world now liquidly individualist. At the decontextualization of this elements, of which the actual modernity is addicted, there think the artist/designer of objects without function, or with a function pure representative, who mire at the catch of consciousness of a world now projected to a new style of life, where is more important the capacity of interaction who that of costruction.

The artists in exhibition
Marta ALESSIO
Stefano BOLCATO
Luciano FABALE
Francesca FINI
Micaela LATTANZIO
Dunia MAURO
Veronica MONTANINO
Chris NIX
Luciano PERROTTA
Cristiano PETRUCCI
Fabio PISTILLO
Maria Manuela POCHETTI
Valerio RICCI
Gloria SECHI

pagina evento facebook

Sabato 25 dalle ore 15.00 alle 19.00 e Domenica 26 Maggio dalle 10.00 alle 19.00, Vi aspettiamo per la tradizionale manifestazione annuale di cantine aperte, nella Azienda vitivinicola “il Colle”  a San Pietro di Feletto, situata nel cuore della celebre strada del Prosecco e vini dei Colli Conegliano Valdobbiadene.

La giornata si prospetta piacevole sia per la degustazione degli ottimi vini prodotti, sia per l’interessante visione delle opere del maestro Roberto Piaia, che presenta dipinti olii su tela e in anteprima alcune opere di bronzo e il ‘busto di Fabio’ in marmo di Carrara.

Roberto Piaia, pittore e scultore, partecipa esponendo alcune sue opere nella caratteristica ‘barricaia’, evento  divenuto oramai un consueto appuntamento alla quale aderisce con piacere sia per l’amicizia con i titolari, sia per il legame con la sua amata terra d’origine dalla quale trae ispirazione osservando il riverbero di luci e colori che solo la natura offre, trasferendoli poi, con la sua magistrale abilità sulla tela avvolgendo i soggetti e gli oggetti della sua narrazione artistica.

L’artista vive e lavora a Pieve di Soligo (TV) e a Pietrasanta (LU), rinomata cittadina toscana sede prediletta da Michelangelo, ricca di fonderie artistiche a due passi da Carrara, dove Piaia crea le opere scultoree che si distinguono, come la sua modalità di dipingere, attraverso creazioni che mantengono la base classica, espressione di maestria nell’esecuzione, ma nel contempo esprimono idee nuove di contemporaneità.

Si prospetta quindi una giornata piacevole ed interessante la visita alla cantina, oltre che degustare ottimi vini si offre la possibilità di contemplare le opere del maestro ed entrare attraverso  le sue delucidazioni nell’affascinante mondo artistico.

In anteprima l’artista presenta il ‘busto di Fabio’, ritratto del titolare della Cantina eseguito in marmo di Carrara.

L’Azienda vitivinicola “Il Colle” è nata nel 1978 ed è sorta nell’incantevole scenario  delle verdi colline della Marca Trevigiana, dove la bellezza, il rispetto per i valori antichi ed il progresso si congiungono senza attriti, dove la tipica accoglienza veneta si riscontra nei signori Gianna e Fabio Ceschin titolari dell’azienda trasmettendola ai loro figli e al personale specializzato, con cordialità, vi accompagneranno nella visita della cantina; l’itinerario parte  dalla  suggestiva ‘bottaia’ dove è spiegato il processo di vinificazione delle uve provenienti dai vigneti di proprietà e da storici fornitori, si prosegue in sala degustazione, dove si possono assaporare le qualità dei  vini prodotti, dal rosso, al passito, al celebre Prosecco Dogc e all’innovativo Prosecco Biologico ‘Colle Baio’, frutto della continua evoluzione dell’azienda, consapevole che il vero ‘progresso’ si basa soprattutto nel pieno rispetto della salute e dell’ambiente. Il tutto è offerto accompagnato da  stuzzichini e prodotti tipici della Marca Trevigiana.

Patrocini: Provincia Treviso, Comune San Pietro di Feletto

Incontro tra Arte&Prosecco

Roberto Piaia espone a Cantine Aperte

Sabato 25 Maggio ore 15,00-19.00         

Domenica 26 Maggio 2013  ore 10,00 19,00

Azienda vitivinicola “Il Colle”

Via Colle 15

San Pietro di Feletto (TV)

www.proseccoilcolle.it

Info:

Tel:  (+39) 0438 48 69 26

Fax: (+39) 0438 78 79 58

info@proseccoilcolle.it

Roberto Piaia

www.robertopiaia.com

carmen@robertopiaia.com

Mob:   (+39) 339 20 64 275

Tel/Fax: (+39) 0584 710 20

Nuovo grande premio messo in palio da Un Palco per Tutti

Un altro grande partner ufficiale si aggiunge alla lista di quelli di MArteLive. In occasione della Biennale di ottobre 2013, LOCUSTA, un punto di riferimento nel mondo del booking, in Italia e all’estero, firmerà un contratto di almeno un anno con uno dei gruppi finalisti di Un Palco per Tutti, che si va affermando come il concorso per band emergenti più importante del paese.

Locusta è un’agenzia di booking che opera nel campo degli eventi musicali e artistici in genere, con speciale attenzione a ciò che è più innovativo. Attiva dal 1998, ha organizzato tour in Italia e in tutta Europa, lavorando con alcuni dei più importanti ed interessanti artisti dell’area indipendente, spaziando dal puro intrattenimento alla sperimentazione, fino a diventare riconosciuta e stimata in Italia e nel mondo.

Un palco per Tutti darà l’opportunità ad una band scelta tra i finalisti nazionali di entrare a far parte del roster dell’agenzia, che attualmente è composto da:
A Toys Orchestra, Giorgio Canali e Rossofuoco, The Zen Circus, Criminal Jokers, Le Luci della Centrale Elettrica, Virginiana Miller, Il Pan del Diavolo, A Classic Education, Alessandro Fiori, Appaloosa, Appino, Bad Love Experience, Buzz Aldrin, Claudia is on the sofa, Cut, Drink to Me, Edda, Eveline, Fast Animals and Slow Kids, Flora&Fauna, His Clancyness, Jackie o’s Farm, La notte dei lunghi coltelli, Malfunk, Mariposa, Mimes of Wine, Movie Star Junkies, My Awesome Mixtape, Nada, Ninos du Brasil, Ovo, Piet Mondrian, Simona Gretchen, The Black Friday, The Crazy Crazy World of Mr. Rubik, Thony, Tying Tiffany, UfoDJ, Uochi Toki, Vincenzo Fasano.
Iscrizioni ancora aperte in tutta Italia al sito: www.marteawards.it/musica

MAURIZIO TAIOLI

Via crucis

TURI RAPISARDA

Nigredo

MARIA TERESA ROSA

La donna che diventerò

La nuova stagione espositiva del Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea prende avvio con tre mostre personali nella parte occidentale del complesso. Verrà infatti eccezionalmente aperto lo storico ingresso pedonale al parco, situato su Piazza Sillano e progettato negli anni Settanta dell’Ottocento da Alfredo d’Andrade, giunto al castello con Carlo Pittara, capofila dei paesaggisti della Scuola di Rivara.

A testimonianza del grandioso e tormentato progetto redatto dall’architetto portoghese per realizzare nel parco una seconda via d’accesso ad ovest – rimasta incompiuta a causa dell’ingente impegno economico che il nuovo assetto monumentale avrebbe comportato – rimane una serie di strutture lucidamente distribuite e visibili in quest’occasione: il portale d’ingresso, la salita adiacente all’antica torre civica e gli ampi terrazzamenti.

Accoglie il visitatore e lo accompagna nell’ascesa alla Villa Neobarocca, la Via crucis di  Maurizio Taioli. L’artista veronese ha raccolto suggestioni dai diversi media per ampliare il suo campionario di silhouette in lamiera che parlano di aggressività e di labilità nel confine tra realtà e finzione, tra immaginario e vita quotidiana. Novelle stazioni del dolore, esse conducono al culmine della (sacra) rappresentazione: sette tele col martirio di San Sebastiano, tra i santi cristiani più rappresentati nell’arte e immagine per eccellenza – dopo Cristo – della Passione.

In questi acrilici su lino – d’après Botticelli, Antonello da Messina, Mantenga, Perugino, Rubens, Guido Reni, Mattia Preti – Taioli ancora rielabora informazioni visive, ma non più in meri contorni come per le sagome metalliche. Nelle dimensioni di tradizionali pale d’altare, nell’assenza di dettagli anatomici, nelle campiture piatte di colori chiassosi, si moltiplica e perpetua una brutalità lontana ma attualissima: Sebastiano è icona senza tempo e senza spazio.

I soggetti dei ritratti fotografici di Turi Rapisarda emergono dalla tenebra, colpiti da un fascio luminoso duro e accecante, che disegna chiaroscuri impietosi, dal quale si difendono come da una forza metafisica e dis-velatrice di storie e di sensi. Un’installazione in divenire, che si storicizza nella parallela trasposizione su carta da parati in convivenza con la boiserie storica della Villa Neobarocca.

Il vaso-bottiglia in terracotta è una delle cifre figurative di Maria Teresa Rosa e, per il Castello di Rivara, marca il legame secolare con la tradizione ceramica di Castellamonte. Questa serie di donne-bottiglia si colloca al crocevia tra arte decorativa, scultura e fiction narrativa e segna uno scarto nella produzione dell’artista. L’aspirazione ad offrire un destino alternativo a consolidati stereotipi femminili -letterari, artistici, cinematografici, mitologici e religiosi – ha infatti indotto il ribaltamento del processo creativo: dodici donne d’oggi hanno partecipato all’affrancamento dalla prigionia inventando altrettante vite ‘altre’, suggestioni e guide per la successiva plasmazione. Emancipate dal peso del proprio nome, queste figure sperimentano oggi un’ulteriore liberazione: allestite nella Sala Egizia, conversano in ieraticità con i geroglifici di fantasia della Scuola di Rivara, tanto cari al gusto decorativo ottocentesco squisitamente torinese, a partire dalla confluenza in città, dall’inizio del secolo, di reperti egizi.

quando: 12 maggio – 6 ottobre 2013

dove: Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea

Piazza Sillano 2 – 10080 Rivara (TO)

info: www.castellodirivara.it – info@castellodirivara.it – +39 0124 31122

domenica 26 maggio

dalle ore 11

Due installazioni di Davide Dormino si inseriscono nelle Scuderie del Castello di Rivara con la medesima carica di invasione energetica ribelle e virale.

Al piano terra L’origine della Trama, presentata durante l’edizione 2012 di Altaroma e nel luglio successivo a Dresda per Ostrale, e al piano terra Magnetism, realizzata per questa personale.

Entrambi i lavori sono in ferro, di grandi dimensioni e, secondo lo stile artistico di Dormino, sfuggono su linee e segni grafici da superfici rigide e precise come la piastra di ferro o lo scheletro dell’ago magnetico. Occupano lo spazio, lo invadono nel momento in cui si ribellano ad una funzione o ad un ordine precostituito, seguono il disegno voluto dall’artista solo perchè lui celebra, assecondandola, la loro anarchia.

Davide Dormino lavora a Roma ad opere pubbliche e private, concentrando la sua ricerca formale sul rapporto con la materia, piegandola alle proprie necessità espressive fino a stravolgerne la natura. E’ scultore prima di ogni altra cosa, impiega la forza fisica come gli scultori della nostra immaginazione, lavora il marmo ma soprattutto il ferro, che sceglie per disegnare nello spazio. Il suo disegno racconta sempre l’energia spontanea, l’andamento magnetico naturale del coraggio di trasgredire e cambiare strada.

A rafforzare il progetto, l’importante trascrizione visiva di Mustafa Sabbagh, considerato tra i più grandi fotografi contemporanei che, per la prima volta si concentra sulla rappresentazione dell’opera di un altro artista.

26 maggio – 5 ottobre 2013

Ven 14.30-18.00 – sab e dom 10.30-12.30 / 14.30-18.00

Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea

Piazza Sillano 2 – Rivara (Torino)

Tel. +39 0124 31122 – info@castellodirivara.it – www.castellodirivara.it

Uff. stampa:

Alessio de Navasques

+39 3774206239 – adenavasques@gmail.com

www.davidedormino.com

Con il passare degli anni (Con)Fusioni ha assunto un’ulteriore dimensione, questo perché abbiamo deciso di allargare la sfida a più discipline: se il mosso e sfocato rappresentavano, nella mente comune, lo “scarto” o l’indefinito nella fotografia, allora si è pensato bene di partire da questo concetto e ridefinirlo per altre materie (arti figurative, scultura, design, musica, teatro, narrativa e altro ancora) concependolo come “incompiuto”, “non completo”, “indefinito” o semplicemente “non concluso” come nuovo tema proposto.

(Con)Fusioni diventa una sfida per ogni artista disposto a esporsi in maniera non compiuta, esponendo così opere in corso d’opera e, in alcuni casi, anche a spiegare la stessa opera al pubblico, cercando di accorciare così la distanza tra chi crea l’opera e chi ne vuole usufruire.

Invitare le persone a immedesimarsi o a capire il procedimento creativo in corso d’opera o in prototipo è quantomeno affascinante, soprattutto se si parla di “arte contemporanea”.

(Con)Fusioni vuole essere anche un evento-test per quei creativi che hanno voglia di dare un assaggio iniziale delle proprie opere al pubblico.

(Con)Fusioni si terrà i giorni del 17, 18, 19 maggio 2013 presso i locali del Diocleziano, il foyer del Teatro Fenaroli e Piazza Plebiscito a Lanciano.

In mostra: 7C, Erica Abelardo, Luciana Aiudi, Maurizio Alonzo, Ettore Altieri, Simone Angelini, Nicola Antonelli, Marco Appicciafuoco, Arago Design, ArkilabO, Associazione Culturale Social Photography Street 6212, Francesco Astolfi, Stefano Barbati, Lorenza Bendotti, Alessandra Bequadro, Andrea Berardinucci, Marco Biondi, Blow Up Studio di Alessandra Galloppa, Domenico Bomba, Giancarlo Bomba, Icks Borea, Stonino Bosco, Marco Buccione, Gae Campana, Manuela Campitelli, Emanuela Campolese, Sabrina Caramanico, Simona Caramanico, Saverio Carinci, Igor Cascella, Agnese Casolani, Marco Casucci, Anna Maria Cavaliere, Pedro H. Cavuti, Lara Celenza, Daniel Ceroli, Federico Cervigni, Luca Cicchitti, Davide Cocozza, Francesca Colacioppo, Roberto Colacioppo, Giovanni Colaizzi, Giuseppe Colangelo, Collettivo Botticelli, Compagnia Imago, Silvia Compagnoni, Colleen Corradi Brannigan, Fabiola Corvaia, Marco Costantini, Cromaticoro, Davide Cruciata, Andrea Cutelli, Alessandra D’Alessandro, Vittoria D’Incecco, Pietro D’Isanto, Ernesto Cecco D’Ortona, Anton Dada, Marco De Archangelis, Alessandra De Laurentiis, DeZign Studio, Federica Di Berardino, Francesco Di Bernardo, Cristian Di Clemente, Beatrice Di Croce, Paola Di Diego, Matteo Di Dionisio, Luciano Di Gregorio, Giovanni Di Iacovo, Davide Di Ilio, Maurizio Di Marco, Alessia Di Martino, Gaetano Di Nella, Mirko Di Nella, Danilo Di Nicola, Giuseppe Di Piero, Antonella Di Stefano, Mariano Di Tommaso, Alessandra Diodoro, Paolo Dongu, Marco Doria, Dry Design di Paolo Gentili con Silvia Isidori, Duo Maclé, Giovanna Eliantonio, Sandra Faggiano, Andrea Falasca, Valeria Falcone, Carlo Federico, Pierfrancesco Fimiani, Christian Fossati, Brunella Fratini, Silvia Gonzales, Antonella Grue, Jörg Grünert, Hur Guy Group, Massimo Iannetti, Igers Abruzzo, Sandra Ippoliti, Olivier Jules, Gabriele Lacché, Lapis Design di Antonella Spelozzo con Daniela Giuliani, La mia paura è bianca, Eva Laudace, Cam Lecce, Barbara Leone, Tibor Loiotila, Antonio Luciani, Giammarco Lupi, Sonia Maccari, Vanni Macchiagodena, Luca Madonna, Anna Mancini, Pep Marchegiani, Vittorio Marconi, Marian&Fran, Chiara Micacchioni, Roberto Micolucci, Missili, Michele Montanaro, Cristina Mosca, Daniela Nativio, Luciana Neri, Federica Nico, Marco Pace, Luigi Pagliarini, Marco Pallini & sketchers, Alessio Pancella, Nicola Papotti, Emilio Pasquale, Roberta Pavone, Federica Pellicciotta, Pietro Pagliro, Lucia Polito, Stefano Pollio, Davide Pompeo, Angelo Presenza, Reginafernanda Recchione, Reset, Alessandro Rietti, Barbara Righetti, Maurizio Righetti, Rodolfo Righetti, Filomena Rizzi, Alessio Romano, Silvia Romano, Laura Rosati, Stefano Rossoni, Cinzia Russo, Nadia Russo, Giacomo Sabatini, Anna Maria Sala, Max Sanvitale, Irene Sartorelli, Lilia Scandurra, Gianluca Scerni, Marco Sciame, Antonio Sciolé, Flavio Sciolé, Mirko Scolaro, Scuola Internazionale di Comics, Erika Secondino, Settimo Senso, Alessandra Silverio, Beatrice Sirolli, Debora Smith, Piergiorgio Sorgetti, Enzo Staniscia, Silvia Staniscia, Simona Stivaletta, Marco Taddei, Guerino Taresco, Enzo Francesco Testa, Pamela Testa, Valentina Tirelli, Michela Tobiolo, Francesco Toppeta, Walter Trabucco, Francesco Trivilino, Amedeo Troiani, Mauro Voccia.

Presenta Giuliano Gomez.

CALENDARIO (CON)FUSIONI

VENERDÌ 17 MAGGIO
MOSTRA ESPOSITIVA dalle ore 16.00 alle ore 21.00
presso il Foyer del Teatro, i locali del Diocleziano e Piazza Plebiscito

(Con)Fusi nel bianco diffuso. Nel pomeriggio performance live in città a cura di Marco Sciame.

ArkilabO design performance & shooting ore 21.30 presso il Foyer del Teatro

(CON)FUSIONI OFF dalle ore 22.30 in poi presso Atlantide (via Valera vico 3).
DRINK per veri (Con)Fusi. Musica dei 7C con presentazione in anteprima del disco “Red Spider”. Mostra fotografica di Pamela Testa e mostra di pittura di Alessandra De Laurentiis.

SABATO 18 MAGGIO
MOSTRA ESPOSITIVA dalle ore 9.00 alle ore 13.00 e dalle ore 16.00 alle ore 21.00 presso il Foyer del Teatro, i locali del Diocleziano e Piazza Plebiscito

Illustrazioni in corso, nel pomeriggio, presso i Portici con Marco Pallini & sketcher

Performance danze urbane ore 18.30, a cura di Alessandra Bequadro e Jacopo Paone, presso i locali del Diocleziano
Storie brevi e senza pietà racconti illustrati in estemporanea nei paesaggi sonori oscuri e onirici di Mu dalle ore 15.00 alle 18.30 a cura di Simone Angelini, Marco Taddei e Stonino Bosco presso il Diocleziano con presentazione del libro a fumetti, edito dalla Bel-Ami Edizioni, alle ore 19.00.

Musica & Reading dalle ore 21.00 alle ore 24.00 presso il Diocleziano, presenta Giuliano Gomez, apertura con performance di Nicola Antonelli
e a segure: Paola di Diego, Federico Cervigni, Silvia Gonzales, Vittoria D’Incecco, Maurizio Di Marco, Cromaticoro, Alessandra Diodoro, Cristina Mosca, i Missili, Anton Dada, Alessio Romano, Duo Maclé, Max Sanvitale, Icks Borea, Lilia Scandurra, Sandra Ippoliti, Marco De Archangelis, Gae Campana, Stefano Barbati, Saverio Carinci, Guerino Taresco, Luigi Friotto

(CON)FUSIONI OFF dalle ore 22.00 in poi presso Atlantide (via Valera vico 3).
DRINK per veri (Con)Fusi. Musica dei Reset. Mostra fotografica di Pamela Testa e mostra di pittura di Alessandra De Laurentiis.

DOMENICA 19 MAGGIO
MOSTRA ESPOSITIVA dalle ore 9.00 alle ore 13.00 e dalle ore 16.00 alle ore 21.00 presso il Foyer del Teatro, i locali del Diocleziano e Piazza Plebiscito

Corpo (Con)Fuso. Nel pomeriggio performance live in città a cura di Marco Sciame.

Proiezioni corti e audiovisivi dalle ore 21.30 presso il Diocleziano presenta Giuliano Gomez le produzioni di: Lara Celenza, Luca Madonna, Davide Pompeo, Pierfrancesco Fimiani, Marian&Fran e 4 corti presenti nell’edizione precedente di Settimo Senso – Festival del Cinema.

Esposizione Collettiva di Arte Contemporanea: ARTITALY.
A Cura: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.
Coordinator: Katrin Hupke (DomagkAteliers), Valentina Marin (Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione).
Staff: Eleonora Santonocito, Federica Cammilloni, Anna Di Matteo, Silvia Cicio.
Artisti: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.
ARTITALY WINE: Esposizione e degustazione prodotti vinicoli delle cantine di nicchia italiane.
A Cura: Federica Marzoli.
Dove: DomagkAteliers, Domagkstr.33 städtisches Atelierhaus 50/Halle50, Monaco di Baviera, 80807 – Germania.
Quando: Da sabato 11 maggio a domenica 19 maggio 2013.
Inaugurazione: sabato 11 maggio, dalle ore 19.00 alle ore 22.00.
Finissage: domenica 19 maggio, dalle ore 15,00 alle ore 19,00.
Orari: dal sabato alla domenica dalle ore 15,00 alle ore 18,30, o su appuntamento.
Info: +39 3492847925 – +39 3665049211 – www.centoproduzioni.com.
Produzione: Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.
L’Esposizione ArtItaly coinvolge circa trenta artisti provenienti da tutta Italia per una Esposizione in cui confluiscono differenti linguaggi e generi artistici per mostrare all’estero quello che oggi è l’arte emergente in Italia. In esposizione opere di Pittura, Fotografia e Arte Digitale. Saranno in esposizione le opere degli artisti: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.
ArtItaly si svolge dal sabato 11 a domenica 19 maggio 2013 presso l’ esclusiva Halle50 della DomagkAteliers.
Domagkateliers è una delle più grandi e antiche colonie di artisti mai sviluppatasi in Europa e che fa riferimento al Ministero degli Affari Culturali della Germania; dal 1990 è ubicata sul sito della ex Funkkaserne. Nel 2010, gli edifici della vecchia caserma lasciano il posto a un nuovo quartiere, infatti il Consiglio Comunale della città di Monaco di Baviera vuole crearci presto “Halle50″, quello che si vorrebbe diventasse il più grande edificio mai esistito, dedicato all’arte e agli artisti. Così dal 2007 comincia il restauro e con l’ulteriore espansione dell’ala sud con un investimento complessivo di LHM dalle 5.35 milioni, nel 2009 questo enorme complesso dedicato all’arte e alla creatività viene finalmente realizzato! La Halle50 è dunque attiva dal 2009 nel nuovo complesso nato nell’edificio dell’ex caserma sul sito del più grande Domagkstraße della città di Monaco di Baviera. Dopo la ristrutturazione e l’ampliamento in totale si sono costruiti 101 studi d’artista, in cui lavorano 140 artisti. Tutto il complesso è organizzato dal Dipartimento Cultura del Comune di Monaco di Baviera.
Il giorno del finissage di ArtItaly coincide con l’evento dell’apertura, da parte della DomagkAtelier, dei propri studi d’artista, gli studi e l’esposizione ArtItaly saranno visitati, con l’ausilio di una guida, da collezionisti, galleristi, critici e appassionati d’arte.
Nel giorno di apertura e nei giorni successivi del 18 e 19 maggio, ArtItaly porta oltre che l’arte visiva anche l’arte del gusto e dei colori del vino con ArtItaly Wine, esposizione e degustazione di prodotti vinicoli delle cantine di nicchia italiane a cura della Sommelier Federica Marzoli.
Una Esposizione totale, per mettere in mostra le eccellenze dell’Italia fatte ad arte.
UFFICIO STAMPA
Federica Cammilloni – cammilloni.f@gmail.com

Gruppenausstellung zeitgenössischer Künstler: ARTITALY.
Kuratoren: Pamela Cento, Sonia Mazzoli.
Koordinatoren: Katrin Hupke (DomagkAteliers), Valentina Marin (Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione).
Mitarbeiter: Eleonora Santonocito, Federica Cammillon, Anna Di Matteo, Silvia Cicio.
Künstler: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.
ARTITALY Wein: Präsentation und Verkostung italienischer Weine aus ausgewählten Kellereien.
Betreuung: Federica Marzoli.
Ort: Domagkstr.33 städtisches Atelierhaus 50/Halle50, Monaco di Baviera, 80807 – Germania.
Zeitraum: Von Samstag 11. Mai bis Sonntag 19. Mai 2013.
Vernissage: Samstag11. Mai von 19.00 bis 22.00 Uhr.
Finissage: Sonntag 19. Mai von 15,00 bis 19,00 Uhr.
Öffnungszeiten: von Samstag bis Sonntag von 15,00 bis 18,30 Uhr, oder nach Vereinbarung.
Info: +39 3492847925 – +39 3665049211 – www.centoproduzioni.com.
Produktion: Mazzoli & Cento Produzioni Arte e Comunicazione.

Die Ausstellung ArtItaly zeigt dreißig junge Künstler aus ganz Italien, die ihre künstlerische Position, in verschiedenen Sprachen und Medien im Ausland ausdrücken und zeigen möchten. Es werden Werke der Malerei, Fotografie und der digitalen Kunst zu sehen sein. Folgende Künstler stellen aus: Francesco Antonelli – Lorenzo Arnoldi – Alessandro Barbati – Giorgio Berardi – Mario Bonini – Mariagrazia Borhy – Rubina Brugugnoli – Nino Caltabiano – Stefania Casellato – Aldo Crovetto – Antonio D’Antoni – David Di Pasquale – Rosa Dragonetti – Mariangela Forcina – Enrico Frusciante – Silvia Garzonotti – Carlo Giuliano – Marilena La Mantia – Rossana Liberalesso – Jacopo Luciani – Dianella Madrigrano – Umberto Malatesta – Gianluca Marconato – Sabrina Marconi – Sonia Mazzoli – Giacomo Modolo – Barbara Pensa – Giulia Sargenti – Federica Scoppa – Massimo Silvotti – Stereomapo (Massimiliano Poggioni ) – Giovanni Vittiglio.

Artitaly findet von Samstag, 11. bis Sonntag, 19. Mai 2013 exklusiv in der Halle50 der Domagkateliers statt.
Die DomagkAteliers sind eine der größten und ältesten Künstlerkolonien in Europa, die sich seit 1990 auf dem ehemaligen Gelände einer Funkkaserne entwickelt haben und weit über Münchens Grenzen hinaus bekannt geworden sind. Mitte der 2010er Jahre, beschloss der Stadtrat der Landeshauptstadt München den Erhalt und Ausbau von “Haus 50″, dem größten Gebäude, des Areals das zukünftig als städtisches Atelierhaus einen dauerhaften Atelierstandort sichern sollte und heute ein exklusiver Ort für Kunst und Kreativität ist. Schon ab 2007 erfolgte die Sanierung von “Haus 50″ mit einer Investitionssumme der LHM von 5,35 Mio. Nach der Sanierung und dem Ausbau des Südflügels stehen 101 Arbeitsateliers unterschiedlichen Typs zur Verfügung, in denen ca. 140 Künstlerinnen und Künstler arbeiten, zusätzlich zwei Gastateliers und ein großer Ausstellungsraum, mit ca. 160 Quadratmetern, die Halle50. Aus mehreren Kunstvereinen der ehemaligen Künstlerkolonie hat sich 2009 die DomagkAteliers gemeinnützige GmbH gegründet, die im Auftrag des Kulturreferats der Stadt München die Ateliers von Haus 50 verwaltet und in Zusammenarbeit mit den Künstlerinnen und Künstlern das Programm des Ausstellungsraumes plant.
Die Finissage von Artitaly fällt mit dem Künstlersonntag der DomagkAteliers zusammen, an dem ein Teil der Künstlerateliers geöffnet und ein geführter Atelierundgang mit Künstlergesprächen für Kunstinteressierte, Galleristen und Sammler angeboten wird. Am Tag der Vernissage und den folgenden Tagen am 18. Mai und 19. Mai, öffnet Artitaly seine Tür nicht nur für die bildende Kunst, sondern auch für die Kunst des Weines. Angeboten wird eine Präsentation und Verkostung italienischer Weine aus Qualitätskellereien mit der Sommelier Federica Marzoli von ArtItalyWine.
So ist ArtItaly ein exklusives Gesamtkunstwerk italienischer Kunst, das für eine Woche in München zu erleben sein wird.
Presseabteilung
Federica Cammilloni – cammilloni.f@gmail.com

Intervista di Anna Di Matteo e Federica Cammilloni all’artista J.D Doria:

 L’Israele è un paese dalla travagliata situazione socio-politica, quanto le tue origini hanno influenzato la tua attività artistica e come vivi il confronto con realtà culturali molto diverse, essendo tu un artista cosmopolita che espone a livello internazionale?

Non e’ una domanda facile, questa. Come artista seleziono con attenzione quali contenuti della realta’ enfatizzare perche’ sono quelli che poi di fatto impattano sul mio lavoro.

Credo che i contenuti di una realta’ e il vigore che le attribuiamo non sono cosa scontata e data a priori. La realta’ ha una sua plasticita’ e muta con le sfumature e attraverso i contesti, varia a seconda degli individui e della profondita’ del livello di interazione. Ogni tempo si focalizza su certi aspetti e su certe competenze. In questo senso anche la complessa e difficile realta’ di Israele non fa eccezione.

Pretendere che una tale realta’ informi ciascuno dei miei lavori, la ridurrebbe a una condizione superficiale. Io scelgo di non animare i miei lavori sulla base di una sfera politica generale, ne’ a livello locale ne’ a livello internazionale. Come artista metto in atto la passione che ho di tracciare cio’ che e’ vero, reale, qualsiasi sia il livello che mi permette di poterlo incontrare.

 Il tuo retroterra di esperienze culturali parte da ambiti diversi come il Cinema, lo spettacolo, o la scrittura. Quanto è stato importante questo tipo di background nel tuo lavoro più recente?

Il punto d’interesse cruciale per me risiede sul confine d’incontro  tra la coagulazione di una storia personale, il background, che inevitabilmente influenza sia il nostro essere che le nostre scelte ,e l’attimo generativo invece, in cui la ‘realta’ prende forma, l’attimo in cui l’opera d’arte emerge e inizia un divenire.

Come artista aspiro ad un processo creativo che possa anche essere ‘libero’ dalle costrizioni di un percorso passato. In questo senso e’ un gioco in divenire in cui le due parti sono sviluppate simultaneamente. Da una parte un insieme di capacita’, intelligenze e intuizioni dalle quali scaturisce l’opera d’arte, e dall’altra l’impegno ad affinare continuamente uno stato della mente piu’ leggero, in qualche modo libero e consapevole di non sapere, che mi consenta di scoprire o di essere riscoperto dal processo creativo.

Sicuramente l’abilita’ di lavorare con il movimento, con il tempo e con un team di menti affini, ha risvegliato in me la sensibilita’ al processo ed il desiderio di esplodere la mia opera verso una multidimensionalita’ temporale e plurale.

Le opere esposte per la mostra Organic Memory tenutasi presso il Caffè Letterario di Roma, sono frutto di un processo tecnico veramente particolare ed elaborato. Vorresti spiegarcelo brevemente?

Di solito comincio con un piccolo lavoro su carta, utilizzando materiali liquidi (colori) come l’inchiostro, pitture a vetro e acrilico. Mentre elaboro la composizione e depongo queste sostanze, tengo conto del processo caotico. Durante il processo, le pitture non si amalgamano completamente, ma mantengono le loro identità ben distinte, mentre l’interazione chimica tra i colori crea forme e processi che generano immagini che mantengono qualità frattali.

La tecnologia viene incorporata nei lavori attraverso due tecniche principali.  La prima comprende l’applicazione di uno scanner in 3D sul dipinto, per estrarre un’immagine digitale ad alta risoluzione. L’immagine prodotta diviene la base di partenza per un processo di selezione volto a catturare (attraverso una manipolazione di scale) una serie di altre immagini che giacciono racchiuse all’interno del dipinto base. Le immagini estrapolate vengono infine ingrandite e stampate su diversi mezzi.

La seconda tecnica riguarda l’uso della macchina fotografica digitale durante il processo di pittura. La macchina fotografica espone e cattura brevemente le immagini nel loro divenire, che successivamente si dipanano per poi giungere ad un punto di riposo nel tempo. Queste immagini (che di solito scompaiono senza lasciare traccia) prendono forma in varie aree dell’opera, mentre il processo di pittura sta ancora avvenendo, come risultato dell’interazione tra i diversi materiali di pittura.

Alla fine del processo il lavoro emerge come una moltitudine, una serie di immagini che sono sia la forma plurale dello stato base del dipinto originario, sia una serie di immagini tra loro indipendenti.

Per le opere di Organic MemoryTu hai parlato di “un interesse nel Futuro e nella lettura radicale dell’Estetica”. Spiegaci cosa intendi con questa espressione: come riesci a rintracciare una forma estetica attraverso quello che infondo è l’azzeramento della forma stessa?

Vedo l’estetica come un verbo. Attraverso il mio lavoro cerco di liberarla dall’essere relegata ad aspetto, non ha importanza se dell’ “oggetto” finale, oppure del soggetto che la contempla. L’estetica in quanto verbo risiede nelle dinamica di interazione, nel punto d’incontro, ‘nel mezzo”, nella relazione tra l’evento consapevole e il processo di divenire, in una conversazione costante e ininterrotta.

Vettore di un’avventura consapevole volta a influire sul processo dell’essere in divenire.

E’ quell’attivita’ che si basa sull’intuizione che la realta,’ fondamentalmente, e’ aperta, anche se ‘quasi’ vincolata dal suo stato attuale. Al di la’ delle percezioni quotidiane, liberare le espressioni dall’immediatezza della forma rivela questa intuizione di apertura, sensuale, quasi erotica, che evoca uno stato di plasticita’.

La tecnologia rende questo aspetto ancora piu’ visibile.

Interagiamo in modo sempre piu’ esteso con la capacita’ di modificare la realta’ in cui esistiamo, ed in un futuro prossimo come interagiremo con la possibilita’ di alterare noi stessi dalle fondamenta? Il concetto di ‘curare il divenire’, il nostro stesso divenire, e’ una realta’ gia’ attuale e presente, che sta assumento una vasta gamma di implicazioni.

Raccontaci come si è evoluto il tuo percorso artistico prima di arrivare a questo connubio tra arte e scienza.

Sono molti ormai gli artisti che si avvalgono della tecnologia, tu quale pensi che sia il reale punto di incontro tra questa e l’arte?

Nel momento in cui ho compreso chiaramente il ruolo cruciale che la tecnologia ha assunto e continua ad assumere e ho realizzato quale funzione svolge nello sviluppo sia del nostro futuro che di noi stessi, si e formulata nella mia mente l’esigenza di introdurre la tecnologia anche nella mia opera artistica.  Certamente il mio background nel Cinema mi facilita, in quanto il Cinema e’ un’arte realizzata con e attraverso la tecnologia.  Ho cominciato a fare esperimenti ispirato da questo concetto, finche’ non ho trovato un percorso che mi sembrasse interessante, nella combinazione tra il mezzo della pittura e quello della tecnologia. E’ chiaro che usiamo la tecnologia  per modificare le nostre limitazioni riguardo al modo in cui percepiamo o interagiamo con il mondo. Ai miei occhi, l’uso della tecnologia ci consente anche di espandere la nostra immaginazione; se utilizzata con successo, ci consente di  colmare i divari e di collegare diverse realta’ fra loro, permettendoci di esporre ed evidenziare cio’ che emerge ‘tra’ le parti, ‘nel mezzo’ ed e’ altrimenti invisibile, il continuo sconfinare di un mezzo nel successivo, di una mente nell’altra. In questo senso l’interazione con la tecnologia ci fornisce al momento una “base” percettiva transitoria, fino a che non riusciremo ad integrarla pienamente in una nuova visione e comprensione del mondo.

Israel is a country with a troubled socio-political situation. How have your origins influenced your artistic activity and, you being a cosmopolitan artist that exhibits at an International level, how do you live the confrontation and comparison with realities that are so culturally diverse?

This is not a simple question. As an artist I select carefully the contents of reality that i emphasize, since they indeed, affect my work.

I believe that the content of reality and how you make it alive within you is not an a priori given. Reality is plastic, it changes with nuances and context, with individuality and depth of interaction, any timing brings its focus and competence, in this sense, the complex and difficult reality of Israel is not an exception.

Pretending to have it hovering above every work I do would render it a superficial condition. I chose not to animate my work on the ground of the general political sphere, neither locally nor internationally, as an artist I enact the passion to trace the real, whichever the plane that allows me to meet it.

Your background of cultural experiences takes origin from different contexts such as Cinema, dance theatre and writing. How important has this kind of background been for your more recent works?

For me the core interest lays at the meeting point between the ‘background’, which inevitably influences us, our work, our being, our choices, and the moment in which ‘reality’ is formed. In particular the borderline with the moment when the artwork emerges and coagulates.

As an artist I aspire to a creative process that can as well be ‘free’ from the constraints of an historical path. In this sense it is an ongoing game; I develop both: a milieu of skills, intelligences and intuitions from which the artwork is coming out, and the engagement to iterate a state of mind which is lighter, free in a way and not knowing, out of which I can happen upon something new or be rediscovered by the creative process.

Surely the ability to work with motion, time and teams of like-minded humans, awakened my sensibility to processes, and my desire to explode painting into the multidimensionality of time and plurality.

The works you exhibited  at the Organic Memory exhibition held at Caffe’ Letterario in Rome are the outcome of a very particular and elaborate technical process. Would you like to explain it to us briefly?

I usually begin with a small work on paper, using liquid materials (colors) such as ink, glass paints and acrylic. When working out a composition and laying out these materials, I take into account the chaotic process. In the process, the paints do not merge entirely but maintain their disparate identities, the chemical interaction between the colors creates forms and processes, which generate images that retain fractal qualities. Technology is incorporated into the works through two main techniques. The first involves the use of a 3D scanner on the painting, to extract a high-resolution digital image. The out coming image provides the basis for a process of selection, to capture (through a manipulation of scales) a series of other images, that lie locked in the base painting. The images extracted are then finally blown up and printed on various mediums.

The second technique involves the usage of a digital camera during the painting process, The camera exposes and briefly captures the images in the making that subsequently crystallize into a resting point in time. These images (that are usually lost without trace) take form while the painting process is taking place. At the end of the process, the work comes out as a multitude, a series of images that are both a plural form of the base state of the painting and also independent images of their own accord.

For the works of Organic Memory,  you spoke of “an interest in the Future and in a radical reading of Aesthetics”. Explain to us what you intend with this expression: how can you manage to retrace an aesthetic form through that which is basically the zeroing of form itself?

I look at aesthetic as a verb. Through my work I try to release aesthetics from being tucked away either as an aspect of the final ‘object’ or as a quality of the subject beholding it, and to allow it to reside in the dynamics of interaction, ‘between’, in the relation among the conscious event and the process of becoming, a never-ending conversation.

Aesthetic is the creative mode of affecting while being affected. It carries for me the conscious adventure of affecting the process of becoming.

It is the activity based upon the intuition that the reality is open at core, yet ‘almost’ constrained by its current state. Form exists beyond that which we recognize in our daily perceptions, freeing expressions from the immediacy of it reveals this sensual almost erotic intuition of openness evoking a state of plasticity.

Technology is making this ever so visible, how do we interact with the ability to fundamentally alter ourselves? the concept of curating becoming, our own becoming, is a present reality soon to enter a whole new depth of implications.

Tell us how your artistic motion or development  evolved before coming to this combination between art and science.

There are by now many artists making use of technology. Which do you think is the real point of encounter between technology and art?

The moment the critical role of technology became clear to me, and I realized the function it performs in the development of our future and of ourselves, a demand to introduce technology in my artistic work took shape in my mind. Indeed my background in Cinema makes it simple for me, as Cinema is art realized with and through technology. I began to experiment around it until I found a path that was interesting for me in combining the media of painting and technology. It is clear that we use technology to alter our limitations in the way we perceive, understand and interact with the world. In my eyes the use of technology expands our imagination. It allows us to bridge gaps and realities, that when done successfully, exposes the ‘middle’, the constant leaking of medium into medium, and mind into mind, opening by that a corridor into a new transitory ‘home’ for perception. Until we can integrate it into our view and understanding of the world.

Testo ed intervista: Anna Di Matteo e Federica Cammilloni.

Traduzione: Airleas.

www.jd-doria.com

Intervista di Anna Di Matteo e Federica Cammilloni all’artista J.D Doria:

 L’Israele è un paese dalla travagliata situazione socio-politica, quanto le tue origini hanno influenzato la tua attività artistica e come vivi il confronto con realtà culturali molto diverse, essendo tu un artista cosmopolita che espone a livello internazionale?

Non e’ una domanda facile, questa. Come artista seleziono con attenzione quali contenuti della realta’ enfatizzare perche’ sono quelli che poi di fatto impattano sul mio lavoro.

Credo che i contenuti di una realta’ e il vigore che le attribuiamo non sono cosa scontata e data a priori. La realta’ ha una sua plasticita’ e muta con le sfumature e attraverso i contesti, varia a seconda degli individui e della profondita’ del livello di interazione. Ogni tempo si focalizza su certi aspetti e su certe competenze. In questo senso anche la complessa e difficile realta’ di Israele non fa eccezione.

Pretendere che una tale realta’ informi ciascuno dei miei lavori, la ridurrebbe a una condizione superficiale. Io scelgo di non animare i miei lavori sulla base di una sfera politica generale, ne’ a livello locale ne’ a livello internazionale. Come artista metto in atto la passione che ho di tracciare cio’ che e’ vero, reale, qualsiasi sia il livello che mi permette di poterlo incontrare.

 Il tuo retroterra di esperienze culturali parte da ambiti diversi come il Cinema, lo spettacolo, o la scrittura. Quanto è stato importante questo tipo di background nel tuo lavoro più recente?

Il punto d’interesse cruciale per me risiede sul confine d’incontro  tra la coagulazione di una storia personale, il background, che inevitabilmente influenza sia il nostro essere che le nostre scelte ,e l’attimo generativo invece, in cui la ‘realta’ prende forma, l’attimo in cui l’opera d’arte emerge e inizia un divenire.

Come artista aspiro ad un processo creativo che possa anche essere ‘libero’ dalle costrizioni di un percorso passato. In questo senso e’ un gioco in divenire in cui le due parti sono sviluppate simultaneamente. Da una parte un insieme di capacita’, intelligenze e intuizioni dalle quali scaturisce l’opera d’arte, e dall’altra l’impegno ad affinare continuamente uno stato della mente piu’ leggero, in qualche modo libero e consapevole di non sapere, che mi consenta di scoprire o di essere riscoperto dal processo creativo.

Sicuramente l’abilita’ di lavorare con il movimento, con il tempo e con un team di menti affini, ha risvegliato in me la sensibilita’ al processo ed il desiderio di esplodere la mia opera verso una multidimensionalita’ temporale e plurale.

Le opere esposte per la mostra Organic Memory tenutasi presso il Caffè Letterario di Roma, sono frutto di un processo tecnico veramente particolare ed elaborato. Vorresti spiegarcelo brevemente?

Di solito comincio con un piccolo lavoro su carta, utilizzando materiali liquidi (colori) come l’inchiostro, pitture a vetro e acrilico. Mentre elaboro la composizione e depongo queste sostanze, tengo conto del processo caotico. Durante il processo, le pitture non si amalgamano completamente, ma mantengono le loro identità ben distinte, mentre l’interazione chimica tra i colori crea forme e processi che generano immagini che mantengono qualità frattali.

La tecnologia viene incorporata nei lavori attraverso due tecniche principali.  La prima comprende l’applicazione di uno scanner in 3D sul dipinto, per estrarre un’immagine digitale ad alta risoluzione. L’immagine prodotta diviene la base di partenza per un processo di selezione volto a catturare (attraverso una manipolazione di scale) una serie di altre immagini che giacciono racchiuse all’interno del dipinto base. Le immagini estrapolate vengono infine ingrandite e stampate su diversi mezzi.

La seconda tecnica riguarda l’uso della macchina fotografica digitale durante il processo di pittura. La macchina fotografica espone e cattura brevemente le immagini nel loro divenire, che successivamente si dipanano per poi giungere ad un punto di riposo nel tempo. Queste immagini (che di solito scompaiono senza lasciare traccia) prendono forma in varie aree dell’opera, mentre il processo di pittura sta ancora avvenendo, come risultato dell’interazione tra i diversi materiali di pittura.

Alla fine del processo il lavoro emerge come una moltitudine, una serie di immagini che sono sia la forma plurale dello stato base del dipinto originario, sia una serie di immagini tra loro indipendenti.

Per le opere di Organic MemoryTu hai parlato di “un interesse nel Futuro e nella lettura radicale dell’Estetica”. Spiegaci cosa intendi con questa espressione: come riesci a rintracciare una forma estetica attraverso quello che infondo è l’azzeramento della forma stessa?

Vedo l’estetica come un verbo. Attraverso il mio lavoro cerco di liberarla dall’essere relegata ad aspetto, non ha importanza se dell’ “oggetto” finale, oppure del soggetto che la contempla. L’estetica in quanto verbo risiede nelle dinamica di interazione, nel punto d’incontro, ‘nel mezzo”, nella relazione tra l’evento consapevole e il processo di divenire, in una conversazione costante e ininterrotta.

Vettore di un’avventura consapevole volta a influire sul processo dell’essere in divenire.

E’ quell’attivita’ che si basa sull’intuizione che la realta,’ fondamentalmente, e’ aperta, anche se ‘quasi’ vincolata dal suo stato attuale. Al di la’ delle percezioni quotidiane, liberare le espressioni dall’immediatezza della forma rivela questa intuizione di apertura, sensuale, quasi erotica, che evoca uno stato di plasticita’.

La tecnologia rende questo aspetto ancora piu’ visibile.

Interagiamo in modo sempre piu’ esteso con la capacita’ di modificare la realta’ in cui esistiamo, ed in un futuro prossimo come interagiremo con la possibilita’ di alterare noi stessi dalle fondamenta? Il concetto di ‘curare il divenire’, il nostro stesso divenire, e’ una realta’ gia’ attuale e presente, che sta assumento una vasta gamma di implicazioni.

Raccontaci come si è evoluto il tuo percorso artistico prima di arrivare a questo connubio tra arte e scienza.

Sono molti ormai gli artisti che si avvalgono della tecnologia, tu quale pensi che sia il reale punto di incontro tra questa e l’arte?

Nel momento in cui ho compreso chiaramente il ruolo cruciale che la tecnologia ha assunto e continua ad assumere e ho realizzato quale funzione svolge nello sviluppo sia del nostro futuro che di noi stessi, si e formulata nella mia mente l’esigenza di introdurre la tecnologia anche nella mia opera artistica.  Certamente il mio background nel Cinema mi facilita, in quanto il Cinema e’ un’arte realizzata con e attraverso la tecnologia.  Ho cominciato a fare esperimenti ispirato da questo concetto, finche’ non ho trovato un percorso che mi sembrasse interessante, nella combinazione tra il mezzo della pittura e quello della tecnologia. E’ chiaro che usiamo la tecnologia  per modificare le nostre limitazioni riguardo al modo in cui percepiamo o interagiamo con il mondo. Ai miei occhi, l’uso della tecnologia ci consente anche di espandere la nostra immaginazione; se utilizzata con successo, ci consente di  colmare i divari e di collegare diverse realta’ fra loro, permettendoci di esporre ed evidenziare cio’ che emerge ‘tra’ le parti, ‘nel mezzo’ ed e’ altrimenti invisibile, il continuo sconfinare di un mezzo nel successivo, di una mente nell’altra. In questo senso l’interazione con la tecnologia ci fornisce al momento una “base” percettiva transitoria, fino a che non riusciremo ad integrarla pienamente in una nuova visione e comprensione del mondo.

Israel is a country with a troubled socio-political situation. How have your origins influenced your artistic activity and, you being a cosmopolitan artist that exhibits at an International level, how do you live the confrontation and comparison with realities that are so culturally diverse?

This is not a simple question. As an artist I select carefully the contents of reality that i emphasize, since they indeed, affect my work.

I believe that the content of reality and how you make it alive within you is not an a priori given. Reality is plastic, it changes with nuances and context, with individuality and depth of interaction, any timing brings its focus and competence, in this sense, the complex and difficult reality of Israel is not an exception.

Pretending to have it hovering above every work I do would render it a superficial condition. I chose not to animate my work on the ground of the general political sphere, neither locally nor internationally, as an artist I enact the passion to trace the real, whichever the plane that allows me to meet it.

Your background of cultural experiences takes origin from different contexts such as Cinema, dance theatre and writing. How important has this kind of background been for your more recent works?

For me the core interest lays at the meeting point between the ‘background’, which inevitably influences us, our work, our being, our choices, and the moment in which ‘reality’ is formed. In particular the borderline with the moment when the artwork emerges and coagulates.

As an artist I aspire to a creative process that can as well be ‘free’ from the constraints of an historical path. In this sense it is an ongoing game; I develop both: a milieu of skills, intelligences and intuitions from which the artwork is coming out, and the engagement to iterate a state of mind which is lighter, free in a way and not knowing, out of which I can happen upon something new or be rediscovered by the creative process.

Surely the ability to work with motion, time and teams of like-minded humans, awakened my sensibility to processes, and my desire to explode painting into the multidimensionality of time and plurality.

The works you exhibited  at the Organic Memory exhibition held at Caffe’ Letterario in Rome are the outcome of a very particular and elaborate technical process. Would you like to explain it to us briefly?

I usually begin with a small work on paper, using liquid materials (colors) such as ink, glass paints and acrylic. When working out a composition and laying out these materials, I take into account the chaotic process. In the process, the paints do not merge entirely but maintain their disparate identities, the chemical interaction between the colors creates forms and processes, which generate images that retain fractal qualities. Technology is incorporated into the works through two main techniques. The first involves the use of a 3D scanner on the painting, to extract a high-resolution digital image. The out coming image provides the basis for a process of selection, to capture (through a manipulation of scales) a series of other images, that lie locked in the base painting. The images extracted are then finally blown up and printed on various mediums.

The second technique involves the usage of a digital camera during the painting process, The camera exposes and briefly captures the images in the making that subsequently crystallize into a resting point in time. These images (that are usually lost without trace) take form while the painting process is taking place. At the end of the process, the work comes out as a multitude, a series of images that are both a plural form of the base state of the painting and also independent images of their own accord.

For the works of Organic Memory,  you spoke of “an interest in the Future and in a radical reading of Aesthetics”. Explain to us what you intend with this expression: how can you manage to retrace an aesthetic form through that which is basically the zeroing of form itself?

I look at aesthetic as a verb. Through my work I try to release aesthetics from being tucked away either as an aspect of the final ‘object’ or as a quality of the subject beholding it, and to allow it to reside in the dynamics of interaction, ‘between’, in the relation among the conscious event and the process of becoming, a never-ending conversation.

Aesthetic is the creative mode of affecting while being affected. It carries for me the conscious adventure of affecting the process of becoming.

It is the activity based upon the intuition that the reality is open at core, yet ‘almost’ constrained by its current state. Form exists beyond that which we recognize in our daily perceptions, freeing expressions from the immediacy of it reveals this sensual almost erotic intuition of openness evoking a state of plasticity.

Technology is making this ever so visible, how do we interact with the ability to fundamentally alter ourselves? the concept of curating becoming, our own becoming, is a present reality soon to enter a whole new depth of implications.

Tell us how your artistic motion or development  evolved before coming to this combination between art and science.

There are by now many artists making use of technology. Which do you think is the real point of encounter between technology and art?

The moment the critical role of technology became clear to me, and I realized the function it performs in the development of our future and of ourselves, a demand to introduce technology in my artistic work took shape in my mind. Indeed my background in Cinema makes it simple for me, as Cinema is art realized with and through technology. I began to experiment around it until I found a path that was interesting for me in combining the media of painting and technology. It is clear that we use technology to alter our limitations in the way we perceive, understand and interact with the world. In my eyes the use of technology expands our imagination. It allows us to bridge gaps and realities, that when done successfully, exposes the ‘middle’, the constant leaking of medium into medium, and mind into mind, opening by that a corridor into a new transitory ‘home’ for perception. Until we can integrate it into our view and understanding of the world.

Testo ed intervista: Anna Di Matteo e Federica Cammilloni.

Traduzione: Tel Airleas.

BIENENTREU Acqua memoria

Sbarcano a Venezia, in contemporanea alla 55° Biennale Internazionale d’Arte, gli specchi profondi dell’artista e performer tedesco Rolf Bienentreu.

Dal 2 al 30 giugno il visitatore potrà vedere/guardare queste tavole laccate e interagire con esse specchiando se stesso nel loro incunabulo visivo.

Con la partnership di Arte in Bragora e i patrocini della Provincia di Venezia e del Comune di Venezia, Acqua memoria propone una doppia matrice, artistica, perfettamente inserita nel circuito della Biennale di Arti Visive; e psicologica, considerata la natura introspettiva delle opere di Bienentreu.

Dedicata a un pubblico eterogeneo, la mostra è leggibile su più piani.

Ideata e organizzata da Anna Caterina Bellati affronta, nell’Anno Internazionale della condivisione dell’Acqua, il tema fondamentale e terribile del bene più prezioso a disposizione di ogni organismo vivente, oggi a rischio di totale depauperamento.

L’acqua matrice di vita è sempre meno pulita e presente in quantità sempre minore per una popolazione di uomini in continuo aumento. Bienentreu coglie la necessità di attenzione/rispetto/risparmio energetico che questo elemento primario merita.

Ma l’acqua è anche Memoria. Del passato organico di ogni singolo essere, perché nell’acqua veniamo concepiti e cresciamo prima di venire al mondo, perché il nostro corpo è per due terzi composto di acqua. Del passato emotivo di ogni persona. L’acqua diventa veicolo capace di trasportare sensazioni, ricordi, suoni, passioni, sentimenti, preghiere, speranze. Può essere scura, tomba di dolore e situazioni sprofondate nella parte segreta della coscienza; chiara, strumento di scambio e vita nel presente, viaggio, vacanza, gioco del quotidiano.

Una ventina di tavole specchianti nei colori dal cilestrino al blu-nero, passando per i verdi chiari della battigia e i verdi profondi dei canali di Venezia, fino ai blu oltremare di quello che gli antichi chiamavano il Pelago, il dio Mediterraneo che dispensava ricchezze e possibilità di sopravvivenza.

E un cortometraggio di 15 minuti, nel quale Bienentreu fissa la macchina da presa in riva al Canal Grande e sorprende ogni minimo movimento delle onde specchiate in uno dei suoi lavori.

A raddoppiare la valenza della memoria che diventa da personale a corale.

Specchi profondi
di Anna Caterina Bellati

Il primo specchio che s’incontra nella vita è quello in cui vediamo riflessa la nostra immagine stando in braccio alla mamma. “Quello sei tu”, dice e tu impari piano piano a riconoscerti. Il primo specchio che s’incontra nella letteratura è invece quello della matrigna di Biancaneve e anche questo ha a che fare con lo sviluppo della personalità e il riconoscimento dell’io. Nella fiaba si racconta che la regina crudele, distrutta dalla gelosia, non sa accettare il fatto che la figliastra la superi in bellezza. Come non pensare all’Edipo re e alla tragedia che travolge tutti i protagonisti: intanto la madre Giocasta, quindi Laio, il padre che ha il terrore di essere soppiantato dal figlio, ed Edipo, il ragazzo il cui destino è segnato e quindi necessario. Ma c’è un altro personaggio, questa volta preso dalla mitologia, al quale rimanda subito l’idea dello specchio. Si tratta del bellissimo Narciso e del proprio innamoramento-ripiegamento su di sé che il giovanetto pagherà con la morte cadendo nell’acqua dello stagno.

Ora, il nodo su cui s’incentra l’indagine svolta da Bienentreu intorno allo specchio tiene conto di tutti questi elementi che si può dire stiano alla base della percezione che ciascuno ha di sé, in particolare quando questo “sé” è sogguardato da una distanza privilegiata, il riflesso dello specchio.
Non a caso le tavole dipinte di Bienentreu si chiamano Specchi profondi. Profondi per un motivo tecnico, i molti strati di vernice creano l’illusione della profondità; e profondi perché impongono allo spettatore uno sguardo autentico.

Quando la mattina ci si guarda allo specchio per farsi la barba o truccarsi gli occhi, in realtà non si bada a quello che nello specchio accade. Ci si limita a fissare una piccola porzione del proprio viso della quale ci stiamo occupando. Invece gli Specchi profondi obbligano a uno sguardo non distratto. Intanto l’immagine, derivante da un gioco di luci che s’incrociano sulla superficie riflettente delle tavole, non è quella cui siamo abituati. Siamo noi ma più larghi, o più lunghi, o più magri. E la nostra faccia non è proprio così, non è proprio quella che ci viene incontro. Questo gioco di domande mette in campo sia l’abitudine alla propria immagine, sia la soddisfazione di scoprirsi dentro un oggetto lucido e brillante. Le tavole di Bienentreu sono in genere rosse, verdi o blu i suoi colori preferiti, ma in realtà su chi le guarda impongono una speciale attenzione-attrazione. Sono invitanti e pieni di vita le rosse, sono riposanti le verdi e le blu. Il piacere e la calma. Ma c’è un secondo elemento del quale tenere conto.

C’è l’occhio dell’artista. Lui sa che nelle sue tavole si specchierà il mondo che passa loro davanti e sa che questo mondo sarà costretto non a vederle, ma a guardarcisi dentro. Ecco, il gioco di Narciso raddoppia e diventa l’esercizio di un potere. E non è ininfluente che Bienentreu sia un pediatra. Conosce perfettamente i meccanismi che muovono la curiosità di un bambino e smuove quei medesimi meccanismi sopiti, anche nell’adulto.

Questa specie di sottile violenza esercitata sullo spettatore diventa ancora più forte nelle fotografie. La realtà non viene ritratta, fotografata, fissandola attraverso l’obiettivo, ma viene fermata quasi capovolta, cogliendone un ritaglio dentro la tavola dipinta. Le forme si liquefanno, i contorni si sciolgono, niente è più come normalmente appare. Il mondo intero diventa d’acqua e in tal caso “riconoscersi” comporta un atto di fede. Quando lo specchio profondo è usato come una quinta scenografica dentro cui una macchina da presa filma l’esistente, tutto quello cui siamo abituati assume un aspetto diverso. Tutto quello che di solito compone la nostra vita diventa un’altra cosa.

E allora lo specchio che ha tradito le immagini abituali diventa strumento per indicare la precarietà del nostro essere nel mondo.
Anna Caterina Bellati

Sede: Scoletta della Bragora, Campo Bandiera e Moro, Castello 3011 B, Venezia

Inaugurazione: Sabato 1 Giugno, ore 18

Patrocini: Provincia di Venezia e Comune di Venezia

In collaborazione con Bellati Editore e Arte in Bragora

Ufficio Stampa: Bellati Editore, info@bellatieditore.com, www.bellatieditore.com

Curatore: Anna Caterina Bellati

Artista: Rolf Bienentreu

Alla galleria d’arte contemporanea “Studio C” di via G. Campesio 39 si è inaugurata nei giorni scorsi la mostra collettiva dal titolo “La magia dell’Informale”.
Si tratta della seconda rassegna d’arte interamente dedicata all’Informale, l’importante movimento sorto in Europa nei primi anni della seconda metà del novecento.
L’informale non fu propriamente una corrente pittorica, ma piuttosto la risposta artistica che tutta l’Europa diede alla profonda crisi morale, politica e ideologica che derivò dagli orrori messi in luce proprio dalla seconda guerra mondiale.
Così gli artisti, negando ogni forma, ogni elemento di contatto con il mondo reale, si rifugiarono esclusivamente sull’esaltazione del colore, del gesto e della materia. Non più descrizione o imitazione della realtà, dunque, ma fuga verso l’interiorità e l’emozione, verso il gesto liberatorio e l’intima riflessione.
Tra gli artisti più rappresentativi dell’Informale sono senza dubbio da ricordare H. Hartung, J. Fautrier, J. Dubuffet, A. Tapies e gli italiani Alberto Burri ed Emilio Vedova. Ma la forza esplosiva di questi artisti e il contenuto del loro messaggio artistico non si sono affatto esauriti con il passare del tempo, anzi si sono ulteriormente sviluppati e potenziati fino a diventare i linguaggi preferiti di tanti artisti contemporanei.
Questi gli artisti selezionati per la rassegna e le città di provenienza: Michele Callai (LI), Fabio Capitanio (BS), Venere Chillemi (TO), Renzo Eusebi (BG).
Michele Callai:
La fonte principale della sua ispirazione è certamente la natura, o meglio, la realtà nella quale ci troviamo a vivere la nostra quotidianità. Paesaggi, situazioni, squarci improvvisi di luce, vedute e quant’altro costituiscono, per lui, il punto di partenza e il pretesto per fare pittura, per raccontare, per riversare sulla tela, con sicurezza e determinazione, le proprie emozioni e i propri sentimenti, ma stanno anche a rappresentare una potente opera di scavo all’interno dell’animo umano, dentro la coscienza di ognuno, si fanno monito e richiamo alla verità, ai valori autentici e universali contro l’appiattimento contemporaneo del pensiero, contro il relativismo diffuso dei nostri giorni. Pittura, dunque, fortemente evocativa, basata sulla memoria
e il ricordo, sul riaffiorare di suggestioni e stati d’animo, sulla rilettura di cose, fatti e avvenimenti che nel tempo si sono via via sedimentati e interiorizzati. Ecco perché, ogni tanto, dai suoi dipinti sembrano emergere dati reali e oggettivi. I suoi segni e le sue incisioni, che percorrono la superficie cromatica come ricami, incisioni o ferite, e poi ancora la sua interpretazione esecutiva, hanno infatti evidenti richiami alla realtà e anche quando le sue opere si fanno più libere e sintetiche perché fatte solo di colore e gesto, rimandano inevitabilmente a visioni concrete, alla città e alle sue luci, a cieli azzurri e profondi, a paesaggi che sanno di campi e terra, a spazi cosmici.
Fabio Capitanio :
Fabio Capitanio si esprime con immagini di grande forza e potenza e dai fondi monocromi e generalmente scuri partono improvvise “fiammate” di colori caldi che tracciano figure, sagome umane, volti, corpi, crisalidi. Pittura di forte impatto scenografico, tutta legata all’uomo e all’esistenza che induce senza dubbio alla riflessione perchè affronta tematiche di carattere universale.
La sua espressione surreale percorsa dal gesto e dal colore, dal simbolo e da una appena accennata atmosfera onirica, diventa così introspettiva, psicologica, strumento che indaga l’animo umano e le sue emozioni, si fa ricerca interiore, anelito al trascendente.
Espressione intensa e sentita, questa, e che procede per cicli o tematiche e dove tutto ciò che è umano ed esistenziale diventa motivo di approfondimento. L’artista mette così a nudo le debolezze umane (la superficialità, l’egoismo, l’arroganza, la voglia di apparire, l’ignoranza) e i suoi dipinti diventano un’impietosa fotografia dei nostri giorni, delle ansie e delle solitudini sempre più diffuse e dilaganti all’interno di una società, quella contemporanea, che sembra aver perduto ogni punto di riferimento.
Le sue opere, emblematiche e potenti, inducono l’osservatore a guardare oltre il visibile, al di là degli umani confini per individuare finalmente verità e certezze di valore assoluto.
Venere Chillemi :
Artista introspettiva, raffinata indagatrice dell’animo umano e sempre tesa alla ricerca del “grande equilibrio interiore”, nel 1998 fonda una vera e propria scuola “I Semi di Sesamo” improntata sulla sua particolare visione dell’arte intesa come terapia e conoscenza, come grande strada per riscoprire origini e identità, per superare limiti e confini. Una ricerca continua, quella dell’artista piemontese, che non conosce soste e che oggi è pervenuta ad una maturità straordinaria che si manifesta attraverso una gestualità istintiva e spontanea di matrice informale supportata da una scala cromatica luminosa e potente. Da fondi scuri e raccolti si dipartono vere e proprie esplosioni di colore, improvvise aperture e squarci di profondità che aprono a mondi sconfinati e sconosciuti, che diventano simbolo e metafora dell’ignoto e dell’inconscio. Sono
paesaggi interiori, visioni dell’anima, emozioni intense e sentite espresse con rapidità e immediatezza seguendo il libero istinto, la pura creatività, l’ispirazione del momento. Così facendo, colore e gesto vengono a costituire intime e suggestive atmosfere di un simbolismo ancora e sempre presente all’interno del quale, spesso, permangono tracce leggere ed evanescenti di realtà capaci di creare un ponte di comunicazione tra il visibile e il non visibile, tra spirito e materia. Straordinario e di grande effetto l’uso quasi costante dell’oro, magico elemento di unione tra l’umile natura umana e il sovrannaturale.
Renzo Eusebi :
Una vita artistica intensissima, quella di Renzo Eusebi, iniziata tanti anni fa all’Accademia di Belle Arti di Roma sotto la guida di insigni esponenti dell’arte contemporanea (ricordiamo tra l’altro la sua amicizia e collaborazione artistica con Monachesi) e proseguita poi attraverso un lungo e interessante periodo di ricerca e sperimentazione all’interno delle Avanguardie Storiche con particolare riguardo ad Espressionismo, Astrattismo, Informale e Spazialismo.
Così dopo vari periodi espressivi, Renzo Eusebi è giunto all’attuale espressione, un “unicum” di straordinario fascino e resa pittorica. Nei suoi dipinti esplode, con straordinaria forza e vitalità, tutta la magnificenza della dimensione cosmica e l’artista sembra letteralmente affascinato dai misteri siderali, dagli abissi profondi e inesplorati degli infiniti spazi. Spesso l’artista interviene poi su questi grandi dipinti sezionandoli in purissime forme geometriche ottenendo colorati polittici ri-composti in forme orizzontali o verticali, quasi un desiderio di ordine dopo il caos, le deflagrazioni, l’effervescenza del magma.
Ma il suo carattere è troppo esuberante e sanguigno per cedere definitivamente all’ordine e alla calma e così, molto spesso l’artista marchigiano torna a sorprendere tutti presentando grossi dipinti carichi di materia dove sacchi, sabbia e varie colature si amalgamano attraverso l’uso sapiente del colore riportandoci nuovamente allo spazio e alle sue pirotecniche esplosioni. “ritorno” alla sua vera e grande tematica, ritorno allo spazio e ai suoi insondabili misteri. Il suo nominativo è stato ufficialmente inserito nella “Storia dell’arte del 900” ed. Bora, curatore Prof. Giorgio Di Genova, illustre critico e storico dell’arte.

Una mostra di straordinaria forza e potenza e certamente da non perdere, soprattutto per coloro che amano la forza del gesto e la musica del colore.
La rassegna terminerà il 16 maggio.

Luciano Carini

“Per un concerto di musica Jazz, il miglior modo di dipingere una scenografia è di farlo alla maniera della musica jazz. Una scenografia Jazz quindi, ma in che senso? E’ noto come una delle caratteristiche principali della musica Jazz sia l’improvvisazione di ogni singolo elemento dell’orchestra armonizzata nell’insieme della composizione. Molto spesso si decide di basare un tema musicale su un prestabilito giro di accordi o su un tempo e una ritmica precisi sui quali poi effettuare le variazioni o meglio le improvvisazioni. La scenografia che presento per il concerto della big band del conservatorio di Latina è stata pensata e composta con gli stessi principi. Ho radunato una piccola orchestra di pittori ai quali ho chiesto di improvvisare con la propria fantasia, dipingendo contemporaneamente sulla grande superfice. Ogni pittore ha improvvisato cosi il suo “pezzo” intervenendo però anche sulla pittura del suo compagno “d’orchestra” al fine di armonizzare il tutto. Il risultato è una grandissima composizione in cui simboli, colori, segni astratti e fumetti si intersecano fra loro senza mai “stonare”.” ( Filippo Saccà)

La Fondazione, da sempre attenta ai rapporti internazionali, alla promozione di eventi con l’intento di favorire la circolazione ed il confronto delle diverse anime della cultura europea, attraverso l’evento “Harmonies de Printemps” promuove un incontro interculturale all’insegna del dialogo con l’altro.

La manifestazione prevede un incontro con il Rettore Serghini Farissi dell’Università Sidi Mohamed Ben Abdellah di Fès, una delle più frequentate del mondo arabo (oltre ottantamila studenti), concerti della tradizione musicale marocchina ed italiana, Malhoun dell’Ensemble Fassi e Pop Songs dell’Ensemble du Sud diretta dal Maestro Marcello Panni; due esposizioni d’arte, “Le fil spirituel” di Elena Bordacconi, e  “L’art du silence” di Driss Rahhaoui caratterizzate da una pittura che rende omaggio alla vita, alla bellezza come un valzer di luci.

A conclusione della manifestazione, a sottolineare hegelianamente che “del dialogo con l’altro ne va della vita stessa”, un’affascinante visita guidata alla storica città di Sefrou, dove da mille e cinquecento anni convivono in armonia comunità musulmane, ebree e cristiane.

Michela Dionisi

Direttrice Artistica

Fondazione Ducci

www.fondazioneducci.org

Palazzo Cisterna – Via Giulia 163 Roma

Sede di Rappesentanza

ph. 0039 06 6821 0015

Via Francesco Denza 21 00197 Roma

Sede operativa

ph.  0039 06 6479 0465

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L’artista quebecchese – in concomitanza alla sua partecipazione nella 55 Biennale di Venezia con un’inedita performance curata da Louise Déry, direttrice della Galleria de l’UQAM a Montréal – presenta una nuova serie di lavori, dopo la precedente personale Il volto interiore (2007).

Premiata nel 2012 col prestigioso premio artistico Sobey, il suo lavoro è incentrato intorno al concetto di archiviazione ed è legato a vari contesti di ricerca che si sviluppano nel corso di incontri con persone e comunità, spesso chiamate a partecipare attivamente.

Le opere di de Groot prendono la forma di azioni, oggetti, immagini e documentazione. Un aspetto centrale nella sua ricerca sono le performance che esplorano le modalità in cui l’arte viene creata e percepita attraverso la messa in scena di alcune costrizioni – come ad esempio la cecità, abiti limitanti o la soppressione della faccia – che creano una condizione di espropriazione e perdita: perdita di riferimenti, perdita di controllo e dell’immagine di sé.

Dal 2009, Raphaëlle de Groot lavora sul progetto Le poids des objets (Il peso degli oggetti) che ruota intorno ad una collezione di circa 1780 oggetti che ha raccolto in un certo numero di comunità in Canada e altrove (Stati Uniti, Messico, Italia). Durante mostre, viaggi e residenze l’artista offre alle persone che lo desiderano la possibilità di donare oggetti ormai obsoleti, inutili, conservati in fondo a un armadio. De Groot offre quindi una seconda vita a queste tracce quotidiane dando loro un posto nelle sue opere. Questi oggetti comuni, vittime del disinteresse e del rifiuto, paradossalmente contengono in sé l’attaccamento e le emozioni dei loro proprietari. Diventando custode di questi oggetti, l’artista narra la loro storia e ne garantisce la conservazione materiale e il loro divenire simbolici. Infatti, al di là della loro funzione fisica originale, questi oggetti raggiungono una forte dimensione simbolica perché tornano ad una seconda vita e vengono riassegnati.

Gli oggetti divengono gradualmente dei compagni, in qualche modo si umanizzano e farli sfuggire all’inerzia è un punto focale della ricerca dell’artista.

La réserve, che dà il titolo alla mostra, è il nuovo video dell’artista presentato per la prima volta al pubblico.

In questo lavoro sono collegati diversi spazi che evocano luoghi dimenticati: un deposito museale, un magazzino, un tetto. L’artista raffigura il movimento di un personaggio che indossa un mantello reversibile con diverse tasche; il mantello rappresenta una forma di abitazione transitoria per una collezione di oggetti che il personaggio trasporta da un luogo ad un altro.

La mostra si avvale del contributo della Délégation du Québec à Rome/Delegazione del Québec a Roma.

La mostra presenta una serie di ritratti fotografici in bianco e nero pubblicati sul volume “La Thonet delle Eumenidi”. Il libro, con testi di Tino Vittorio, Stefania Mazzone e Carlo Guarrera, sarà presente in mostra.

La mostra proseguirà fino al 16 maggio 2013, tutti i giorni dalle ore 15.00 alle 19.00 e la domenica dalle ore 11.00 alle 19.00. Ingresso libero.

 “Una scelta di donne comuni, non selezionate secondo particolari caratteristiche: una galleria tutta al femminile di musiciste, scrittrici, attrici, studentesse, danzatrici del ventre e anche fotografe. (…)

Vittorio Graziano le fotografa in bianco e nero, com’è d’uso nella più tradizionale iconografia della ritrattistica. Definisce uno sfondo che si presenta sempre lo stesso: una specie di box naturale, un quadrato scuro (come il formato delle foto e del volume che le contiene), dove si alternano in una scena minimalista, le ragazze e le donne: accanto a una vittoriana sedia Thonet o su essa sedute, con in mano una chitarra, un violino, un libro aperto o una macchina fotografica. (…)

Quelli di Vittorio Graziano sono ritratti che intendono raccontare una quotidianità, ma una quotidianità rituale e organizzata intorno ai vagheggiamenti dei soggetti raffigurati; una normalità che evidenzia un atteggiamento contemplativo, quasi di attesa. Queste figure sembrano illustrare le aspirazioni, i desideri, la vanità femminile e, in taluni casi, si mostrano come una semplice presenza, una testimonianza in uno studio fotografico.”

Carlo Guarrera

EVENTO: Vernissage mostra fotografica di Giacomo Pompanin
DESCRIZIONE: Stefano Zardini presenta la mostra fotografica di Giacomo Pompanin: Eclats | Frammenti
OPENING:  sabato 11 maggio ore 18.00
PERIODO: 11 maggio – 9 giugno 2013
SEDE:    Villa Ceccato | Via Fontana Alta, 27 | Montecchio Maggiore (VI)
info@villaceccato.it | www.villaceccato.it | 0444 696015
ORARI:sabato e domenica 10-12 | 16-19
  altri giorni su appuntamento scrivendo a info@villaceccato.it o chiamando lo 0444 696015
INGRESSO LIBERO

Sabato 11 maggio , presso Villa Ceccato in via Fontana Alta, 27 a Montecchio Maggiore, inaugura la mostra fotografica di Giacomo Pompanin: Eclats | Frammenti.

Eclats | Frammenti potrebbe sembrare un azzardo, pensando al titolo di un’esposizione fotografica. Un azzardo perché ci nasconde – almeno nell’uso italiano comune – una fatale idea di incompletezza. Eclats invece è di traduzione difficile, quanto meno non immediata. Sono Eclats i frammenti, sì, ma anche le schegge, le cose splendide, quelle fulgide. Qualcosa di momentaneo, forse bello, ma di breve durata. Un po’ come l’effimero. Forse anche quel frammento, quell’incompletezza che noi notiamo, ha un senso nell’avvenire. Un frammento, come un inizio.

Giacomo Pompanin seguendo le orme del padre ha il suo primo impegno con la fotografia attraverso  la digitalizzazione e il restauro di vecchie fotografie per il museo della Grande Guerra di Cortina d’Ampezzo – luogo dove è nato nel febbraio del 1985. Espone per la prima volta a Treviso con una mostra fotografica dal titolo “Sasso di Stria, restauro della Prima Guerra Mondiale, Estate 2006”. Nello stesso anno si vede impegnato in un’altra mostra a Calalzo di Cadore.
Molto importante per la sua formazione è stato l’incontro con Stefano Zardini: nel luglio 2007 è stato con lui a Calcutta e Delhi per tre reportage fotografici: il primo dedicato alla fatica dei lavori che l’uomo; il secondo  sui tiratori di risciò; il terzo sulle prostitute di un bordello a Calcutta. Ha collaborato poi con lo studio di comunicazione Omnia Relations e con la redazione di Bologna Trendy, mensile del Resto del Carlino.  Ha fondato la rivista N.B. – Nero su Bianco, mensile di  cultura e informazione da Cortina d’Ampezzo. Ha partecipato inoltre a: Toscana Photographic Workshop con Claudio Amadei; India Photographic Workshop con David Alan Harvey Toscana Photographic Workshop – Workshop avanzato in fotografia digitale con Bob Sacha e Bruno Stevens

http://www.giacomopompanin.com/

DESCRIZIONE:personale di Mario Sughi aka nerosunero

INAUGURAZIONE:  Giovedì 9 maggio, ore 18.30, presso la galleria Yvonneartecontemporanea

PERIODO:  9 – 31 maggio 2013

SEDE: YvonneArtecontemporanea

Contrada Porti, 21 – 36100 Vicenza
Tel. 393 9060790 email: info@yvonneartecontemporanea.com

www.yvonneartecontemporanea.com-
ORARI: Martedì-Sabato 15.30/19.30 o su appuntamento

IL CATALOGO edito da Vanilla Edizioni verrà presentato al FINISSAGE

OPERE IN MOSTRA >>>
INVITO >>>
COMUNICATO STAMPA >>>

INGRESSO LIBERO 

Giovedì 9 maggio, alle ore 18.30, apre presso la galleria Yvonneartecontemporanea in contrà Porti 21 a Vicenza, la mostra IL COLORE DEL TEMPO, personale di Mario Sughi.

Mario Sughi, artista italiano che da molti anni vive a Dublino disegna e dipinge tutto al computer facendo uso di una tavoletta digitale. L’utilizzo di una “macchina” per la realizzazione della sua “pittura” è assolutamente coerente con un raffreddamento del mezzo espressivo in grado di ridefinire un ordine di rapporto tra l’artista e i soggetti che rappresenta. Figure, per lo più femminili, perse nello spazio. Figure concentrate in sé in ogni azione che compiono.

Ama, lo scrive lui stesso, Francis Bacon e David Hockney  e dunque da una parte riflette sulla solitudine, l’ossessione, il vuoto, dall’altra muove da una diretta critica alla società, alle sue convenzioni. L’artista però dialoga anche con alcuni altri artisti, e prima di tutto con Peter Blake del quale coglie l’impaginazione sensibile, la capacità di gestire i vuoti insieme con i pieni delle figure.

In Mario Sughi c’è un segno tagliente, nuovo, ricondotto ai contorni, un’invenzione del colore di una tensione costante attraverso il quale l’artista crea gli spazi, i possibili movimenti, le profondità.

“Credo, scrive Arturo Carlo Quintavalle, che nella dimensione del nuovo racconto figurativo dell’arte inglese, ma anche dell’arte italiana, la ricerca di Mario Sughi sia importane anche e proprio per la sua capacità di arricchire la vecchia lingua della pittura con le novità di linguaggi diversi, originali, inconfondibili, di grande qualità.” Infatti Mario Sughi apre un dialogo con la Pop Art inglese rifondandone alcuni statuti attraverso il ricorso alle strategie linguistiche del fumetto, dell’affiche e dell’illustrazione. Osserviamo composizioni semplici, pulite, con pochi elementi, spesso con un affascinante orizzonte nel background. In ogni opera si apre uno spazio che continua oltre il limite del quadro, è sempre uno spazio infinito da cui risalta ancora di più l’importanza della figura umana e del suo “smarrimento-ritrovamento”.

Il titolo IL COLORE DEL TEMPO è suggestivo e apre al nostro pensiero innumerevoli possibilità di sviluppo. Il tempo nelle opere di Mario Sughi è anche dato dal colore, da sfumature e velature in eleganti e suggestivi accostamenti. A volte è un colore pastello, a volte è un colore più forte. E’ il colore del nostro tempo.

Mario Sughi, nato a Cesena nel 1961, vive e lavora a Dublino. Presentato in diverse gallerie di tutto il mondo: da Los Angeles a New York, da Roma a Milano, da Bruxelles a Berlino, i suoi lavori hanno disegnato le illustrazioni di innumerevoli riviste e siti web includendo Mario Sughi tra i 200 migliori illustratori mondiali. Nel 2011 è stato protagonista alla 54^maBiennale di Venezia nel progetto “The Italian Pavilion in the Word ”presso l’istituto italiano di Cultura a Dublino ed è stato selezionato in prestigiose rassegne internazionali tra cui l’” Annual American Illustrators”, l’ “Aesthetica Magazine – Creative Works” di Londra e “200 Best Illustrators worldwide 2009/2010”

COMUNICATO STAMPA

ARTE CONTEMPORANEA E TERRITORIO

progetto curato dal

CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea | Liceo Artistico Statale Bruno Munari

con la collaborazione e il contributo

dell’Assessorato alle Politiche Educative, Giovanili e della Famiglia del Comune di Cremona

LET’S BODY TALK

CREMONA | CASTELLEONE 17 | 18 MAGGIO 2013

A cura di Isabella Falbo

Soren Dahlgaard (DK), Sergio Dagradi (IT), Marc Giloux (FR)

Jette Hye Jin Mortensen & Sif Jessen Hymøller (DK), Emanuele Serafini (IT), Mona Lisa Tina (IT)

Organizzazione,coordinamento, produzione: Dino Ferruzzi, Puccio Chiesa, Nicola Cazzalini

Con la collaborazione di: Umberto Bellodi, Andrea Grandi, Massimo Guerci, Sara Passerini, Marcello Zuccotti Coordinamento per la didattica: Gianna Paola Machiavelli

Ufficio stampa: Stefania Bianchi

Grafica: Rebecca Bianchi

Supporto logistico: Comune di Cremona Assessorato alle Politiche Giovanili, NAG NewArtGeneration | Liceo artistico Bruno Munari

promosso da:

Comune di Cremona Assessorato alle Politiche Educative, Giovanili e della Famiglia

CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea | Liceo Artistico Statale Bruno Munari di Cremona

Associazione culturale Alice nella città, Castelleone (CR)

con il contributo di:

Comune di Cremona Assessorato alle Politiche Educative, Giovanili e della Famiglia

Associazione culturale Alice nella città, Castelleone (CR)

Fondazione Cariplo

con il patrocinio di:

Provincia di Cremona, Ufficio Scolastico per la Lombardia, GAI Giovani Artisti Italiani

International Association for Art and Psychology sezione di Bologna

Nell’ambito del programma Arte contemporanea e territorio, si svolgerà venerdì 17 e sabato 18 maggio 2013 presso il CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea, Cremona, Alice nella città, Castelleone (CR), Teatro Monteverdi, Cremona, la rassegna LET’S BODY TALK, a cura di Isabella Falbo.

Attraverso un ricco programma dedicato alle tecniche performative, sviluppato con performance, workshop, talk e una tavola rotonda dedicata alla Critica Performativa,Let’s Body Talk indaga il concetto di performance art nell’ambito della ricerca artistica contemporanea.

Gli artisti invitati sono accumunatida una processualità artistica caratterizzata dall’utilizzo di linguaggi visivi multipli dove il corpo, mezzo primario della performance, diventa strumento intellettuale in dialogo con la pittura, la fotografia, l’installazione e il teatro.

Soren Dahlgaard utilizza la performance come elemento integrante della sua pratica artistica, utilizzando il corpo e sviluppando proprie metodologie performative per indagare la pittura, la sua storia e i suoi metodi. Portrait painting performance by Dough Warrior è un progetto itinerante nato nel 2008 che vedrà a Cremona un nuovo interessante sviluppo in cui il “guerriero di pane” combatterà per creare la sua opera d’arte, rivelando gli aspetti spesso incontrollabili del processo artistico, e conducendo il pubblico all’interno del suo universo. In collaborazione con l’artista, seguirà l’intervento di critica performativa di Isabella Falbo An ice cream palette for the Dough Warrior che, estrapolando gli elementi caratteristici del lavoro di Dahlgaard tra cui l’indagine sulla pittura attraverso un approccio dissacrante, ironico e divertente in linea con le attitudini Dada e Fluxus, ne evidenzia e amplifica le specifiche.

Marc Giloux attraverso una pratica interdisciplinare indaga le interferenze e i cortocircuiti connessi alle infinite possibilità d’interpretazione. I suoi interventi si sviluppano principalmente in spazi pubblici ed attivano sempre un legame con il luogo specifico. L’artista francese si esibisce nella performance Marc Antonio Ingegneriin cuirappresenta l’“impronta identitaria” del compositore omonimo, maestro di Monteverdi ma personalità quasi sconosciuta della città di Cremona.

Jette Hye Jin Mortensen. in collaborazione con Sif Jessen Hymøller presenta la performance in tre atti I. Towards the Mirror; II Towards the Landscape; Session III. Towards the Mind, che dialoga con il “teatro povero” concettualizzato da Eugenio Barba e Jerzy Grotowski e il teatro giapponese Bunraku. Una “meditazione collettiva” in cui le due artiste guidano il pubblico coinvolgendolo spiritualmente e fisicamente, con l’intento di “dare vita” a 6 marionette. Il suo lavoro può essere visto come “scenografie performative” dove lo spazio tra le nozioni d’identità individuale e identità collettiva è concettualmente, emozionalmente e spiritualmente re-immaginato attraverso antiche e recenti idee esoteriche.

Emanuele Serafini attraverso una processualità interdisciplinare che prevede l’utilizzo del linguaggio performativo, video e fotografico, sviluppa una ricerca basata sulle possibilità di “ristrutturazione del quotidiano”. Serafini terrà un workshop con gli studenti, aperto al pubblico in cui presenterà la performance Perchè le manifestazioni le puoi solo esporre, sulsenso della “manifestazione” e del “manifestare” oggi, modalità che appare perlopiù inutile ai fini politici e sociali, spesso estrapolata dalla quotidianità ed elevata ad opera d’arte.

Mona Lisa Tina pone al centro di tutte le sue riflessioni il Corpo come luogo di continui processi trasformativi psichici e fisici. Le sue azioni incarnano rituali entro cui esso è coerentemente proposto come asessuato, mutante e contaminato e dove il luogo adibito all’azione è spesso modificato nelle sue coordinate spaziali. Con la performance Fragments, l’artistaindaga l’interazione tra quattro dimensioni: il corpo, lo spazio, il tempo e lamemoria, attraverso la contaminazione di linguaggi visivi e sonori.

Sergio Dagradiattraverso inedite pratiche musive e pittoriche, sviluppa da un ventennio un’indagine sul corpo e la pelle umana attraverso una riflessione orientata nello specifico sui colori dell’incarnato, dove il corpo diviene colore e la pelle metafora della condizione umana nel sociale contemporaneo.

L’artista presenta Preview, una serie di opere che diventano soggetto d’indagine in Vinylic Skin, intervento di critica performativa diIsabella Falbo dove in una logica di contaminazione fra critica d’arte e performance in cui “l’occhio critico” diviene “corpo critico” e strumento artistico, interviene trasponendo visivamente ed amplificandoli elementi e concetti alla base della poetica dell’autore pavese.

Unitamente gli eventi performativi degli autori, il programma di Let’s Body Talk si arricchisce di tre stimolanti appuntamenti:

Perché le manifestazioni le puoi solo esporre, workshop di Emanuele Serafini, con gli studenti e aperto al pubblico.

Sense 1+1, talk condotto da Mona Lisa Tina e Giovanni Gaggia, dedicato alla presentazione dell’omonimo progetto di video e audio performance, realizzato in collaborazione con Domenico Buzzetti, Tiziana Contino e Roberto Paci Dalò.

Critica performativa:dalla critica scritta alla critica visiva,tavola rotonda sulla processualità di indagine non convenzionale ufficializzata da Isabella Falbo nel 2012 in cui, in una logica di contaminazione fra critica d’arte e tecniche performative, “l’occhio critico” diviene “corpo critico”. Parteciperanno Isabella Falbo, Sergio Dagradi, Soren Dahlgaard, Massimo Festi, Stefano Scheda, Emanuele Serafini, Mona Lisa Tina.

Informazioni:

CRAC Centro Ricerca Arte Contemporanea | Liceo Artistico Statale “Bruno Munari”

Via XI Febbraio 80 – Cremona TM. 347 7798839 crac.cremona@artisticomunari.it; www.crac-cremona.org

Servizio Politiche Giovanili del Comune di Cremona C/o Teatro Monteverdi – Via Dante 149 – Cremona

Tel. 0372 407785/753 – ufficiogiovani@comune.cremona.it – www.comune.cremona.it

Associazione Culturale Alice nella Città Via Cappi 26Castelleone, CR – alicenellacitta@gmail.com

L’esposizione rimarrà aperta fino al 31 maggio, secondo il seguente orario: dal martedì al venerdì dalle 17,00 alle 20,00.

La mostra è il quinto appuntamento di Itinerari per viaggiatori distratti, ciclo di approfondimento, ideato dal critico Loredana Rea con l’intento di riflettere sul ruolo dell’arte, sul suo valore e sul suo campo d’azione.

Nell’arco di tempo compreso tra febbraio e giugno sette artisti – Grazia Sernia, Rita Mele, Margherita Levo Rosenberg, Maurizio Cesarini, Enzo Cursaro, Riccarda Montenero e Immacolata Datti – differenti per formazione e scelte operative, si confrontano per evidenziare l’importanza di una pratica di continuo e ricercato sconfinamento, strettamente connessa alle metodologie di lavoro e agli strumenti di espressione, suggerendo un itinerario complesso nella sua multiforme articolazione.

Per questa esposizione Grazia Sernia presenta una serie di raffinatissimi fogli incisi a creare una polifonia di segni che si inseguono per costruire equilibri formali sempre diversi, in cui emerge prepotente la stringente coerenza del suo sviluppo e anche il desiderio di sempre nuove sperimentazioni, che inevitabilmente si innestano sulle esperienze di altri linguaggi. Sono infatti opere recenti eppure riassuntive di un lungo percorso di ricerca in cui le tecniche calcografiche sono sempre state centrali, anzi fondanti di ogni necessità espressiva.

Osservando con attenzione questi lavori, in cui il bianco si rapporta dialetticamente al colore, quando lo sguardo si appaga di spaziare di segno in segno è possibile sentire la forza e la delicatezza dei gesti che regolano l’azione del bulino o del brunitoio, ma anche la paziente attesa legata ai tempi delle morsure, utilizzati con la sagacia di chi conosce i segreti di una tecnica antica ma sempre di grande attualità.

Letizia MARABOTTINI “Oblio” digital photo – 2012 cm80x120

Letizia Marabottini in mostra personale presso la Mondriansuite contemporaryartspace di Roma – via dei Piceni, 41/43 – a cura di Klaus Mondrian.
Dal 31 maggio 2013 – vernissage ore 18:00.

 presenta

“OMAGGIO A PINO PASCALI”

Un gruppo di artisti messicani ricorda il grande artista pugliese nel 45° anniversario dalla sua scomparsa.

L’inaugurazione è prevista per giovedì 09 maggio alle ore 19,30.

Presso la Galleria Globalart, via Ugo Foscolo 29 Noicattaro BA It.

L’iniziativa nasce dalla necessità di continuare con lo scambio culturale pittorico iniziato nel 2007 dove artisti della Puglia hanno reso un omaggio artistico alla pittrice messicana Frida Kahlo, realizzando una mostra itinerante nello stato di Coahuila.

In questa occasione ci sono opere di diversi artisti messicani dello stato di Coahuila che ricambiano l’omaggio a un artista Italiano come Pino Pascali mediante i loro lavori realizzati con diverse tecniche che ricordano l’artista pugliese a 45 anni dalla prematura scomparsa.

L’obiettivo di questa mostra e creare una coesione di creatività tra questi due gruppi di artisti, i progetto continuerà con altre iniziative future rinforzano cosi questo primo scambio.

Yanira Delgado insieme a Rosa Didonna allestirà la mostra negli spazi della Galleria Globalart che sarà nuovamente il luogo d’incontro culturale Italia-Messico.

 In mostra opere realizzate mediante svariate tecniche dagli artisti Coahuilensi: Adriana Villanueva, Alcalà, Alejandrina Blanco, Alex Torres,  Armando Meza, Carlos Farías,  Criss López, Cristina Gómez, Dina Gaona, Elisabeth Gómez López, Enrique Hernández,  Enriqueta Alvarado,  Florina Medina Gómez, Guillermo de León, Ileana Corpi, Ismael Cárdenas, Jose Luis Carrillo, Juan Antonio Peña, Juan Miguel Rodríguez,  Laura De Leòn Saucedo, Laura Hernández,  Maria de la Paz Gómez,  Mae Delgado,  Miguel Rodriguez Cruz, Oswaldo Luevano, Raymundo Rodríguez,  Rodolfo Ramírez,  Ruby Sandoval,  Salvador Aldape, Silvia Vega Alvarado, Vanessa López,  Veronica  López e Vinicio Favila Granados.

L’11 settembre del 1968 moriva a Roma, tragicamente e prematuramente, Pino Pascali, forse l’artista pugliese più grande, certamente il più celebre a livello internazionale di tutto il Novecento. Pascali aveva solo 33 anni. Era nato a Bari da genitori di Polignano a Mare il 19 ottobre del 1935. Dopo la tragica fine (fu investito da un’auto mentre correva in moto) la sua salma fu inumata nel piccolo cimitero del suo paese di origine.

la mostra è visitabile i giorni 9-10-11- Maggio-2013

Orari di apertura della mostra: 9/13/ 17/20’30-Ingresso libero

L’evento è stato organizzato con l’aiuto della Galleria Globalart

PER ULTERIORI INFORMAZIONI RIVOLGERSI

Rosa Didonna Art Director GLOBALART Cell. 347/1843201 Tel. 080/4782863 info@globalartweb.org
]
https://www.facebook.com/rosa.didonna.9

http://www.facebook.com/

GLOBALART- Via Ugo Foscolo 29- 70016
Noicattaro (Bari) 0804782863 / 3471843201

www.youtube.com/user/globalartdidonna

info@globalartweb.orgwww.rosadidonna.jimdo.com

“Play, Create”

1 Giugno – 1 Luglio 2013

Spazio Espositivo: Le Artigiane – Via di Torre Argentina, 72 – Roma

INAUGURAZIONE GIOVEDI’ 6 GIUGNO 2013 ore 18:00

Dopo la sua fondazione ad opera di Cristiano e Maura Perricone,  lo studio Artificiolab inizia il suo percorso artistico mettendo subito in luce la vocazione multidisciplinare, affrontando con la medesima cura emotiva progetti che vanno dall’arte applicata al design autoprodotto, dall’installazione multimediale alla videoarte, dalla scultura alla fineart. Nel 2011 vince la quinta edizione della residenza artistica De Industria  con l’opera “l’origine delle macerie”. (La quale mette in scena la polis contemporanea con un groviglio di tessere di mosaici primigeni e rovine post-umane; la città continua, infinita, contaminata, multiculturale, atemporale è il luogo da cui sì può iniziare quel cambiamento che l’arte, e con lei l’uomo, richiede.)

Play, Create  vuole essere una finestra sulla più recente produzione dello studio ArtificioLab nel campo dell’arte decorativa e dell’ handmade , presentando opere eseguite con tecniche della nostra tradizione artistica come la ceramica o il mosaico, ma utilizzate per esprimere attraverso la personalizzazione, la modularità e la partecipazione attiva del pubblico nell’atto creativo la nuova idea progettuale meglio riassunta dal termine meta-design.

Le curatrici dell’evento Bruna Pietropaoli e Livia Carchella hanno selezionato tra le diverse serie prodotte dallo studio le opere più rappresentative di questo concetto, lasciando percepire il legame profondo che si instaura tra il committente e l’artista proprio nella fucina del laboratorio.

Con le composizioni modulari PIX2 ecco prendere forma diverse figure, ecco stagliarsi da texture concrete lampi di luce che dipingono volti e grafiche dalle infinite sfumature cangianti. E’ facile così in un gioco di richiami ed echi della memoria lasciarsi sorprendere da suggestioni di colori e suoni che suggeriscono l’uso del pixel come unità di misura ideale per le proprie visioni. Con le ceramiche MOOD la modularità invece è affidata ai ritmi e ai chiaroscuri volumetrici, che grazie all’impiego degli smalti colorati si traducono con energia dirompente in emozioni danzanti. Le piccole sculture in ceramica MYTH invece riconducono nel gesto estemporaneo e nella sintesi della forma lo stesso rapporto di unicità, che attraverso i miti si rafforza descrivendo quello che è stato e continua ad essere il percorso del pensiero umano. I bassorilievi in piastre MAPS in grado di interporsi col suo segno tra memoria del viaggio e la proiezione del sogno, sfuggendo alla definizione univoca del luogo rappresentato, dove la meta non si palesa e l’origine diviene l’unico possibile. Con i mosaici volumetrici GAME lo studio affronta inequivocabilmente il tema del gioco, main theme della mostra. La virtuosa costruzione geometrica mai accidentale e la fattura raffinatissima non si interpongono con l’essenza ludica del bozzetto. Infine la serie di mosaici TAPE nati dallo studio fenomenologico dell’arte generativa e nei quali si propongono campiture e texture organizzate in codici, un chiaro riferimento all’immaginario elettronico e digitale indissolubilmente entrato nell’arte come nella vita quale elemento fondamentale per lo stimolo creativo.

Durante l’evento inaugurale la musicista Emanuela Cianfrocca eseguirà al sax brani e improvvisazioni su Bob Dylan e Pink Floyd, traendo spunto dalle due opere PIX2 esposte, che  omaggiano la  storia di questi artisti proponendo sintesi grafiche di alcune tra le più note album covers.

La mostra sarà ospitata negli spazi espositivi de “Le Artigiane” in via di Torre Argentina, 72 a Roma, dal 1 giugno al 1 luglio 2013.

giov. 9 | ven. 10 | sab. 11 | dom. 12 | maggio 2013

 Ore 19 / 24 INGRESSO GRATUITO

mostra e premiazione delle opere finaliste

FACTORY il nuovo Spazio Giovani di Roma Capitale
ingresso da MACRO Testaccio – p.zza Orazio Giustiniani, 4

Giovedì 9 maggio prende il via presso FACTORY, il nuovo Spazio Giovani di Roma Capitale il festival dedicato all’audiovisivo, con opere di videoart, documentari e cortometraggi dal titolo Roma: i colori del mondo. L’iniziativa è promossa da Roma Capitale – Assessorato alla Famiglia, all’Educazione e ai Giovani – nell’ambito del Progetto Factory, e si avvale della collaborazione e direzione artistica dell’Associazione Culturale FestArte con l’organizzazione di Zetema.

Il festival che si sviluppa dal concorso tematico ‘Roma: i colori del mondo’, ha invitato videomaker e artisti under 35 residenti/domiciliati a Roma a proporre lavori che mettessero al centro l’incontro con l’altro e la diversità, in senso culturale, sociale e psicologico. Roma come territorio simbolico di questa RICERCA SUI COLORI DEL MONDO, Roma come specchio di ogni luogo e spazio interiore –  slancio al dialogo e all’ascolto tra il sé e l’altro; tra razze, colori, lingue e civiltà…

Un unico tema per 3 differenti forme di espressione del mezzo audiovideo.

Un confronto tra i differenti linguaggi e modalità di narrazione.

IN CONCORSO 7 cortometraggi;  4 documentari;  8 videoarte. In palio 1.000€ per ogni categoria.

I vincitori saranno decretati da una GIURIA COMPOSTA DA: Lorena Benatti – direttore artistico FestArte Videoart Festival; Giuliano Lombardo - artista, docente ABA Sassari; Federica Romano – collezionista; Mario Sesti – Membro del comitato di selezione del festival di Roma; Comitato Cattedra Prof. Faenza dip. Comunicazione e Ricerca Sociale Università La Sapienza Roma: Patrizia Miglietta – redattrice Cinemonitor, Claudia Fratangeli – studente corso Teoria e tecniche della regia – Martijn De Schrijver – graphic designer, regista presso ghent, Roma/Las Vegas; Emanuele Lisi – redattore Il sussidiario; Stefania Scianni – redattrice Cinemonitor.

Hanno fatto parte del comitato di selezione: Carlo Brancati – evangelist, Sarra Brill – curatrice, Manuela Contino – responsabile comunicazione FestArte, Lorenzo Di Nola – direttore artistico del Roma Creative Contest , Francesca Franco – curatrice e storica dell’arte.

Saranno inoltre presenti in uno spazio monitor, tutte le opere partecipanti al concorso.

All’interno, il pubblico potrà votare l’opera preferita che si aggiudicherà – venerdì 17 presso factory- la menzione speciale: video più votato dal pubblico.

GLI APPUNTAMENTI

GIOVEDÌ 9 MAGGIO Ore 19 – 24  mostra dei video

Opening Vernissage e Presentazione della rassegna ore 19 4

VENERDÌ 10 MAGGIO  – Ore 19 – 24  mostra dei video
Laboratorio esperienziale creativo-espressivo ‘I Colori del Mondo’  ore 19 – 21  condotto da Almerica Schiavo -  Max 20 posti – Gratuito  – Dal colore liquido ai colori delle emozioni.

Muoversi nello spazio, ispirati dai colori, per raccontare il proprio stato d’animo, modo di vedersi e descriversi. Il colore sta nel suono, nella voce; può diventare movimento: gesto e danza; canto o parola poetica…: la mia storia, la tua, la nostra. Quale è il colore che ti rappresenta?

E quale il colore che vedi negli altri? A disposizione: colori – Musica – testi poetici e teatrali – haiku –

* Prenotazione obbligatoria su  videoart.contest@festarte.it  339.3800603 – 06.5136278

SABATO 11 MAGGIO Ore 19 – 24  mostra dei video
AWARD APERITIF a FACTORY Ore 19 – 19,30 con:
AWARD // miglior videoart – cortometraggio e documentario

Sarà inoltre occasione per premiare la rassegna Factory di teatro e danza // Esplorare Lo spazio

DOMENICA 12 MAGGIO Ore 19 – 24  mostra dei video

Laboratorio esperienziale creativo-espressivo ‘I Colori del Mondo’  ore 19 – 21 condotto da Almerica Schiavo Max 20 posti – Gratuito  Dal colore liquido ai colori delle emozioni

* Prenotazione obbligatoria su  videoart.contest@festarte.it  339.3800603 – 06.5136278

Venerdì 17 maggio
ore 19,00
Proclamazione del video più votato dal pubblico, replica video vincitori

Info e contatti Festival

Resp. Comunicazione: Manuela Contino // cell. +39 338 2362095 // promozione@festarte.it

Ass. Cult. FestArte // tel. + 39 06 5136278 // videoart.contest@festarte.it // www.festarte.it

Ufficio stampa Assessorato alla Famiglia, all’Educazione e ai Giovani

Concita De Simone // cell. +39 3478429024 // concetta.desimone@comune.roma.it

Pittrice e scultrice dalla spiccata sensibilità, ma anche grafica e disegnatrice, Vittoriana Benini è dotata di un talento non comune, che l’ha resa capace, pur attenendosi ai valori ereditati dalla tradizione, di elaborare un linguaggio proprio, sia per le tematiche e i soggetti trattati che per le soluzioni pittoriche adottate, in grado di esprimere sentimenti ed emozioni che trovano il proprio spazio tra il presente della vita quotidiana e la memoria. In questo contesto i suoi quadri rappresentano una vetrina dei sogni in cui la pittura dell’artista – caratterizzata dai colori ricchi di vibrazioni timbriche, ma delicata, morbida e amabilissima nell’approccio con chi la osserva – seppur ancorata alla percezione dell’infanzia, la dilata su scala universale facendone un’intera costruzione figurativa.

La mostra, egregiamente curata da Nicolina Bianchi, punta a raccontare la prorompente forza creativa della Benini attraverso un’ampia raccolta di lavori, circa 50 opere, che rappresentano un interessante viaggio all’interno delle tematiche della sua produzione. Così accanto alle tante tele che celebrano la donna in una condizione familiare e domestica “dove – per dirla con le parole di Vittorio Sgarbi – sono presenti malinconia, dolore, insoddisfazione, indifferenza nel senso di Alberto Moravia”, si impongono all’attenzione dello spettatore anche pagine autobiografiche e quadri in cui, ad essere ritratti, sono bambini e pagliacci, fiori e nature morte, anziani e contadini fino ad arrivare alle amate bambole, in quest’occasione celebrate anche con una preziosa raccolta di esemplari antichi la cui presenza sottolinea ulteriormente l’amore della pittrice per questo giocatolo, metafora dei più importanti sentimenti e valori della famiglia e della vita.

Nata a Imola nel 1941, Vittoriana Benini inizia a disegnare e a dipingere giovanissima, tanto che già in quinta elementare vince il primo di una lunga serie di premi e riconoscimenti. Negli anni ’70, dopo aver comunque perfezionato il disegno tecnico e quello a mano libera, si iscrive alla “Scuola di arti e Mestieri” di Massalombarda e all’ “Accademia di Belle Arti” di Ravenna, dove è allieva dei Maestri Folli, De Grada, Spadoni, Zancanaro e Caldari, e si dedica allo studio del corpo umano e particolarmente alla figura femminile. Oltre che quello di Massalombarda e Ravenna, l’artista continua ad avvertire il clima del contesto imolese, animato fino alla metà del ‘900 da artisti di tradizione, quali Amleto Montevecchi, Tommaso Della Volpe e Anacleto Margotti, ma intrattiene anche rapporti con Rossi, Ruffini e Gottarelli, che le danno l’apertura mentale per crescere. Dopo un periodo dedicato all’insegnamento, Vittoriana Benini si indirizza verso la grafica pubblicitaria. Negli anni ’80 decide, poi, di raccogliersi in sé stessa e rielaborare quanto acquisito dagli studi accademici per fonderlo con la preesistente ispirazione soggettiva. Nel decennio successivo arriva a definire una tematica propria nella quale un ruolo di primo piano è affidato alla donna, figura dalla profonda forza interiore consacrata in una condizione che, come scrive Vittorio Sgarbi, ”è la condizione della donna nella storia, una storia che è fatta non combattendo, non facendo la guerra, ma attraverso la costruzione e l’educazione dei figli”.

Accanto alla figura femminile, acquisisce un ruolo da protagonista la bambola. E’ questo un ciclo di lavori importante in quanto con esso viene in luce la capacità dell’artista di compiere il gesto pittorico con minuzia e con notevole intensità intimistica. “L’idea della bambola – come scrive anche Claudio Strinati nella sua presentazione a catalogo – sembra infatti la vera chiave di lettura di tutto il mondo poetico dell’artista”, un mondo che vede partecipe anche il passato che ritorna, un’umanità fatta di clown, teatranti da strada e maghe capaci di predire la sorte, una carrellata di personaggi che si perdono nella nostalgia. A consacrarla, nel 1997, la mostra “Women and Dolls” alla prestigiosa Feirligh Dickinson University negli Stati Uniti, e l’anno successivo l’esposizione in Arkansas, all’Art Foundation Hot Spring. Nel 2000 l’artista inizia un nuovo percorso: “tra sogno e realtà” e “il teatro della vita”, nel quale si alternano artisti di strada, clown e  personaggi del circo. A queste tematiche si affiancano presto quelle rappresentate dalle “vecchie cartoline”, rappresentazioni pittoriche che legano il passato al presente attraverso personaggi reali e di sogno. La sua continua evoluzione la porta nel 2008 a una nuova ricerca della tridimensionalità, nei volumi, nelle luci e nelle architetture dove i suoi personaggi prendono vita. Intanto negli Stati Uniti cresce la notorietà di Vittoriana che registrata un ottimo successo di pubblico e di critica alla mostra in Texas. Significativo anche il successo ottenuto con l’esposizione all’Ambasciata alla Repubblica Araba d’Egitto e quello dell’anno successivo a Palazzo Barberini. Dopo l’ennesima esposizione in Texas, nel 2010, Vittoriana registra un ottimo riscontro anche all’evento ADMO al Palazzo Ducale di Sassuolo (Mo).

Di lei hanno detto:

“(…) L’idea della bambola sembra infatti la vera chiave di lettura di tutto il mondo poetico dell’artista. “Mondo”, è lecito definirlo perché Vittoriana Benini ha fortissimo il senso della famiglia e della sua trasposizione pittorica. Dipinge sempre, si sarebbe tentati di dire, un solo soggetto che è, appunto, la sua famiglia, ma logicamente questa famiglia in parte è quella vera, della vita reale, in parte è quella della fantasia della bambina in grado di animare le cose e le persone stesse intorno a lei, secondo un progetto fantastico da giudicare più come quello depositato nella mente che come quello della concreta esistenza. Tutti i personaggi rappresentati da Vittoriana sono in effetti, dal punto di vista pittorica, “pupazzi”. Lo sono le bambole, ovviamente, ma anche le persone autentiche, ma tutti sono presi dall’autrice e immessi in quella specie di teatrino che riguarda tutta la sua parabola di artista e il suo modo di pensare e di esprimersi in pittura ricorda in qualche modo quelle domeniche in cui qui a Roma da bambini andavamo  vedere il teatro dei burattini sulla piazzetta del Pincio (…). Vittoriana è rimasta come ancorata a questa percezione dell’infanzia e la dilata su scala universale facendone una intera costruzione figurativa. Anche un po’ inquietante, a volte, sempre l’essere umano è affascinato da quel crinale, per l’appunto preoccupante, che separa l’animato dall’inanimato. La statua che prende vita, il quadro che si muove, il fantasma che trapela nel buio. (…).La pittura di Vittoriana è poeticamente atteggiata, delicata, morbida, con una punta di voluta ingenuità che la rende gradita all’ osservatore e amabilissima nell’ approccio. Eppure una qualche durezza resta latente nel suo delicato universo poetico. Ma è ben logico e, se possibile, ancor più coinvolgente per chi guarda. Perché questa arte non è un banale incantesimo né un bamboleggiante ammiccamento a un’ idea di arte “naif” e in definitiva marginale, ma è un interessante scandaglio lanciato nel profondo pur nella ferma intenzione di tenersi, nell’ ambito della stesura pittorica, su una superficie che non vuol dire superficialità ma morigeratezza dell’ eloquio. Non è male come lezione inevitabilmente impartita dall’ artista ai suoi ammiratori. Si è parlato per lei di una pittrice che si pone il problema del significato della femminilità. Non è un osservazione fuori di luogo ma anzi è una porta di accesso molto diretta a questa arte, intima ma di larghe vedute e di acute idee.”.  (Claudio Strinati)

“L’incontro con la pittura di Vittoriana Benini è un incontro felice. Perché si tratta di una pittrice che sa dipingere e dipinge, non sceglie altre strade. Quindi, facendo proprio l’assioma che l’arte è una promessa di eternità, persegue la tradizione della pittura come capacità di esprimere sentimenti, emozioni e visioni. Quella tradizione secondo la quale la vita quotidiana è fondamento dell’arte, in quanto ogni opera d’arte, come ogni essere umano, ha una propria individualità specifica, che è poi il mistero del suo rapporto con l’atto creativo da cui è nata l’opera stessa. Nella sua pittura calda e pastosa, prevalgono le figure femminili, le figure dei bambini e delle bambole. Forse questo ha un significato che andrebbe approfondito in termini psicoanalitici e psicologici più che in termini critici in quanto si percepisce che l’idea che il dominio di questi dipinti sia non il potere dell’uomo, ma la gentilezza o l’antipotere della donna nella sua dimensione domestica, dove i bambini, che hanno la loro formazione grazie alle donne, rappresentano una posizione intimamente e profondamente femminista espressa da una donna che, probabilmente, non è femminista nella sostanza ideologica ma che ritiene che il ruolo della donna sia un ruolo importante, per cui per la Benini la pittura deve consacrare non un ritratto di una donna importante, protagonista, ma piuttosto deve consacrare una condizione che è la condizione della donna nella storia. (…) La sua è un’analisi emotiva, lirica, personale, dove la profonda umanità e la dolcezza dello sguardo intenso e penetrante fanno trasparire parte della vita interiore, dei sentimenti e delle emozioni della donna rappresentata, che assurge a modello di bellezza. Come Modigliani ha rappresentato il simbolo della bellezza femminile nella pittura, dell’eleganza, della grazia, così Vittoriana Benini rappresenta la bellezza femminile fatta di dolcezza, di poesia, di quei sentimenti puri che si traducono in emozioni. E’ una bellezza inaccessibile come la dolcezza delle parole e della musica, come il corpo femminile, come il rigoglio della natura, come l’eternità del tempo.” (Vittorio Sgarbi)

“(…) Si respirano gli umori della buona pittura nello studio di Vittoriana Benini, due stanze incastonate nella sua antica casa di Mordano, una piccola oasi immersa nel verde della pianura romagnola. Sparsi in questo ambiente di suggestivo disordine artistico, scaldato da una luce distesa che filtra dall’esterno attraverso la finestra, libri, souvenir, bianchi cavalli a dondolo di legno, piccoli specchi ovali di antiche tolette riflettono una coinvolgente atmosfera ovattata che si distilla nella quiete, quasi in un lirico raccoglimento d’ispirazione. E poi le bambole, le tante bambole d’epoca, di pezza, di cartapesta. Bambole, dolci modelle dagli occhi stupiti, curiosi, divertiti, commossi, molto spesso ammassate le une alle altre come cantori di un grande concerto, che affollano le sue tele, senza mai peraltro alterarne la presenza di piani o personaggi diversi. E’ qui che Vittoriana ancora riesce magistralmente ad inventare quella girandola di personaggi di oggetti e colori che si fondono nel suo ideale universo e nelle sue tele come legati da un’intima intonazione materica. Ogni cosa apporta all’opera l’evocazione di una straordinaria serenità e di una delicata purezza. Ci commuovono quelle maternità di tenera intensità, le musicanti, le giocatrici di carte, quegli artisti di strada, veri interpreti di una vita fuori scena, le sue nature morte con arpe e violini, grandi conchiglie, sveglie dove lancette appena accennate segnano il ritmo infinito del tempo. E poi fiori, coloratissime ortensie, o grandi girasoli che si inchinano al calare del sole quando… è subito sera come nella poetica filosofia di Salvatore Quasimodo.” (Nicolina Bianchi).

 “(…) Ci sono le emozioni nei quadri di Vittoriana?Io li guardo e le sue donne mi affascinano, le sue ragazze mi incuriosiscono, le sue bambole mi inquietano…ci sono le emozioni. E se colpiscono me che vivo a Mordano, in provincia di Bologna, come chi vive nel New Jersey o nell’Arkansas, dove Vittoriana ha esposto con successo, allora non sono s soltanto emozioni, ma emozioni forti. E poi c’è qualcos’altro. Una strana magia per cui quell’emozione provocata da bizzarre combinazioni di segni, suoni nel tempo o forme colorate fa da esca per qualcosa che esplode dentro, si allarga e potrebbe continuare all’infinito, come il Big Bang. (…). Ci sono le storie nei quadri di Vittoriana. Forse non sono le stesse per nessuno, ma non importa. Forse sono tutte diverse per ogni persona che guarda, come lo sono le emozioni e come è giusto che sia. Quando guardo e sento, immagino e mi chiedo, a Mordano come nel New Jersey, allora la cosa funziona. E’ questa la magia”. (Carlo Lucarelli)

“(…) L’artista, se è artista vero, diventa regista di una sua personale drammaturgia, capace di trasmettere al pubblico idee e sentimenti. Dopo avere delineato scenografie, arredi, luci e colori il regista-pittore può trarre personaggi e storie da un immaginario scrigno alchemico che contiene risorse infinite: la natura, la storia, la tradizione, i ricordi, i sogni, i simboli…Ecco allora che, all’interno dei confini misurabili e chiusi della cornice, il pittore diventa demiurgo e reinventa il mondo secondo la propria sensibilità e i propri ritmi interiori. Vittoriana Benini conosce bene questa straordinaria facoltà e la esercita con una discrezione e una concentrazione tutta femminile, con una sensibilità attenta e paziente che sa scoprire le sfumature e la profondità dei ricordi e recuperare dallo stock della memoria e dell’infanzia figure emblematiche e suggestive”. (Valter Galavotti)

L’appuntamento per ilvernissage  è fissato per mercoledì 15 maggio 2013 dalle 18.00 alle 20.30.

Il catalogo è edito per i tipi di Galeati Industrie Grafiche s.r.l. (Imola). La presentazione del catalogo è a cura di Claudio Strinati.

Organizzazione: a cura del Periodico SEGNI D’ARTE.

Il 13 maggio 2013 dalle ore 10 alle ore 19 si terrà un laboratorio con il collettivo Canecapovolto (Alessandro Aiello e Enrico Aresu), sul tema della fanzine e dell’editoria indipendente.

Partendo dall’analisi di produzioni cartacee degli anni ‘80, che per l’occasione saranno esposte e consultabili in via eccezionale, i partecipanti apprenderanno tecniche e strategie comunicative fino alla realizzazione di una pubblicazione personale.

Seguirà, alle ore 19:30 un dj set a cura del duo Les Grenadiers Tankistes, corredato da aperitivo e dall’esposizione dei lavori prodotti nel corso del laboratorio.

Il workshop è gratuito e limitato a un massimo di 15 partecipanti. Per iscriversi è necessario prenotarsi via mail all’indirizzo rsnw@autoproduzioni.net entro e non oltre il 10 maggio 2013. La mostra finale è invece aperta a tutti.

Dopo un primo evento dedicato alla Musica, che ha visto ospiti il musicista senese L.A.S.’s Crime e il romano Dario Rossi in un confronto tra due generazioni che a distanza temporale si esprimono con le medesime metodologie e atmosfere, viene ora proposto un  workshop di micro-editoria finalizzato alla creazione di una “fanzine”.

La “fanzine” da piccola produzione fotocopiata creata dai fan per dire la propria su gruppi, concerti e dischi, si trasforma nel corso degli anni in organo informativo indipendente, cercando di diventare un apparato catalizzatore di contatti e di altre iniziative autoprodotte. La moltitudine di possibilità espressive in forma cartacea e le influenze di mail-art e xerox-art ne contagiano l’estetica e le tecniche produttive: le fanzine diventano piccole opere d’arte, in qualche modo dei libri d’artista non istituzionalizzati, con un basso costo di produzione ma un’alta qualità visiva e comunicativa.

I partecipanti impareranno a seguire personalmente le varie fasi di realizzazione di un libro, dalla scelta del formato e della soluzione estetica alla verifica del contenuto, fino alla produzione concreta.

La macchina fotocopiatrice avrà il ruolo di una grande, immobile, macchina fotografica, il corrispettivo della ripresa cinematografica a camera fissa. Doppie esposizioni, spostamenti degli originali nel corso della fotocopia, uso di mascherature, fotocopie di oggetti e parti del corpo… tutto questo verrà costretto nell’inquadratura fissa del piano di lettura della macchina.

Negli anni ’80 l’evidente limite tecnico invitava tutti a ingegnarsi continuamente per oltrepassarlo, e nasceva così la copy-art, tra le intuizioni di Bruno Munari e Stefano Tamburini. Il workshop vuole offrire agli studenti la possibilità di condividere la diretta esperienza dei due ospiti – attivi nel circuito dell’editoria indipendente sin dagli anni ’80 – e attraverso la visione di lavori prodotti con pochissimi mezzi, mira a essere uno spunto per trovare nella contemporaneità delle possibilità creative ed espressive analoghe.
La rassegna si concluderà il 4 giugno 2013 alle ore 19 con  il talk Network Manipulation, in cui verrà messo in relazione il passato (un network postale) con il presente (un network virtuale). Gli ospiti saranno Maurizio Pustianaz (Chain D.L.K) con il talk ”198X, The Days of the Zines: Connessioni e desideri di una generazione senza connessione” e Gianfranco Santoro (Final Muzik) attivi dagli anni ’80 nella produzione e diffusione della musica industrial e d’avanguardia.

Un interessante dibattito sullo sviluppo del network dalla ‘cassette culture‘ ai giorni nostri, l’evoluzione della musica indipendente e autoprodotta in Italia. Suonerà inoltre il progetto elettronico-sperimentale TEMPLEzONE, da Treviso.

L’iniziativa è stata finanziata con i fondi per le attività studentesche dell’Università Ca’ Foscari di Venezia.
Si ringraziano per il loro contributo le aziende agricole De Nardi Gianpietro, Tolardo Bortolo e Salotto Valentino.

Canecapovolto (www.canecapovolto.it) nasce a Catania nel 1992.

In una continua sperimentazione, supportata dall’uso di vari mezzi quali film acustici, video, installazioni, happening, collages, Canecapovolto sviluppa un’indagine sulle possibilità espressive della visione e sulle dinamiche della percezione. Partendo dal cinema, dunque da esperimenti visivi e sonori inizialmente legati al cortometraggio in super-8, il gruppo ricorre a diverse pratiche di produzione audio-video, “sabotando” l’immagine mediatica di partenza con l’intento di attuare strategie di spiazzamento. Grande attenzione è rivolta a indagare la matrice scientifica della comunicazione e la sua risposta nello spettatore. 

Persuasion (http://facebook.com/noisausrep) è un gruppo informe ed informale che si esprime attraverso performance, happening, video, collages e grafiche, nato a Venezia da un gruppo di giovani creativi con background differenti ma accomunati da una simile indagine estetica attraverso la manipolazione delle immagini e delle informazioni basata su una continua ed articolata ricerca.

A plus A è un Centro Espositivo no-profit, finanziato dal Ministero della Cultura Sloveno, nato con l’intento di promuovere l’arte slovena contemporanea ed internazionale. Ogni anno, durante la Biennale di Venezia (Arti Visive e Architettura), ospita il Padiglione Nazionale Sloveno. Dal 1998 è attivo a Venezia. Alle mostre istituzionali si alternano infatti programmazioni ed attività didattiche in collaborazione con enti locali, tra cui la Regione Veneto, il Comune e l’Accademia di Belle Arti di Venezia e con altre figure centrali nel panorama dell’arte contemporanea internazionale.

Spazio:                  Galleria “l’arte è …”

Indirizzo:                              Via degli Anguillara 4

Periodo:                                18 – 26 Maggio

Orario:                                  15.00 / 19.00

Titolo:                                   seidonnepersei

Artiste:                                   Elena Finestauri, Luigia Granata, Lughia, Mirna Manni, Anna Massinissa, Lucia Paese

Curatore:                              Giuseppe Salerno

Organizzazione:  a cura di Lughia

Inaugurazione:                   sabato 18 maggio ore 17:30

Dopo Acri e Roma giunge a Calcata questa mostra itinerante che vede protagoniste sei donne i cui elaborati individuali sono, come tessere di un mosaico, le componenti che Lughia utilizza in questa occasione per la realizzazione  di una propria installazione.

———————————–

In società portate allo sfascio dal governo degli uomini è nella comunione delle donne la speranza di futuro?

Lontane per territori d’appartenenza, poetiche e modalità operative, sei artiste sembrerebbero confermare questa tesi quando, coscienti e forti del valore delle loro diversità, insieme concorrono alla definizione di una grande opera collettiva che, assumendo forme differenti in relazione ai luoghi attraversati, si rigenera in un divenire armonico e senza fine.

Mettendo in comune il frutto di quel sentire individuale che le rende uniche le sei protagoniste determinano le condizioni perché ciascuna di esse possa, in successione, dare vita ad una propria architettura capace di offrire una giusta rappresentazione dell’esistente in tutta la sua complessità.

Un incontro di visioni personali, intime, che tornano a confluire ogni volta in un unicum omnicomprensivo e mai eguale a se stesso.

Un’operazione dal carattere forte e sottile allo stesso tempo, interamente giocata su equilibri declinati al “femminile” dove la disponibilità, il rispetto, l’integrazione, la flessibilità e l’accettazione sono lì a connotarne il percorso segnato da continue rinascite.

Sei le protagoniste di questa avventura che coinvolge altrettante città di riferimento e sei le opere, rigorosamente del medesimo formato, da ciascuna di esse offerte affinché, come tessere di un mosaico universale, concorrano all’incessante ridefinizione di quel futuro che a tutti appartiene.

Giuseppe Salerno

L’ Associazione socio-artistica-culturale

Le Ali Di Pandora

venerdì 10 maggio

presenta

appunt@menti: Incontro d’autore

ore 20,00

inaugurazione della mostra

Nymphaea

di Rossella Venezia

interviene

Lucy Ghionna

ore 20,30

Performance Poetico-Visiva

“imperfette desinenze”

con Rosemily Paticchio e Rossella Venenzia

Centro Polifunzionale – V.le Giovanni Paolo II angolo Via Pistoia, 9 – Lecce

ingresso libero

h. 18/21

L’associazione Le Ali di Pandora, presso la sede al “Centro Polifunzionale di Via Pistoia” a Lecce, venerdì 10 maggio alle ore 20,00, per “appunt@menti d’autore” inaugura la mostra fotografica di Rossella Venezia: “Nymphaea”, interviene Lucy Ghionna che scrive: “Le foto di Rossella Venezia sono emozionanti ed inquietanti. Sembra mettere i corpi in vasetti ermetici, schiacciati e compressi ma circondati da elementi naturali che li rendono poetici. Impacchettati, pronti per spaccare il contenitore e far uscire il contenuto o anche ben contenti di essere messi con “spezie sott’olio”. Si vede nettamente che le figure sono femminili e credo che la sua scelta è mirata per far uscire la lotta quotidiana della donna. Queste le richieste autentiche, le grida vere che, pur spesso soffocate, o fraintese, o male usate, trovano tuttavia risposta e fedeltà di adesione in molte vite singole. Le opere di Rossella mescolano vari toni: lo spirito, la truculenza, la sensualità e la serietà commossa. Mette addosso alla donna la voglia di mandare al diavolo tutti i trucchi, gli artifici, i puntelli di un corpo, di un pensiero, di un comportamento imposto dai sogni maschili. La sua arte riflette il suo tempo e se l’arte è una realtà che coinvolge esistenzialmente tutti, come si può non essere interessati a cogliere le esigenze che emergono dal sociale, le cui componenti si scontrano drasticamente negli immensi spazi urbani?”.  La mostra sarà visitabile fino al 18/05/013.

Seguirà, alle 20,30,  la performance poetico-visiva “Imperfette desinenze” tratta del testo “Incipio” di Rosemily Paticchio che vedrà la proiezione delle foto di Rossella Venezia e la voce recitante della Paticchio. Dice Rosemily Paticchio: “Mi ha sempre affascinata molto il rapporto tra parola e altri linguaggi artistici come l’immagine e il suono, da cui la scelta di pubblicare con Arca Felice, edizioni di arte-poesia, per cui sono state scelte le 10 poesie a comporre Incipio perché tra le più “eteree”, che ben si sposano con la grazia e leggiadria delle foto artistiche che arricchiscono la raccolta, da cui è scaturita la collaborazione con l’artista Rossella Venezia. Proprio questo elemento della commistione tra parole e visioni è forte connotato della mia poetica”.

“Perché non per astratto ragionamento, ma per un’esperienza che brucia attraverso tutta la mia vita, per un’adesione innata, irrevocabile, del più profondo essere, io credo alla poesia. E vivo della poesia come le vene vivono del sangue”Antonia Pozzi. Montale scrisse di Antonia che le sue parole «sono asciutte e dure come i sassi» o «vestite di veli bianchi strappati», ridotte al «minimo di peso» e trasferiscono peso e sostanza alle immagini, per liberarne l’animo oppresso ed effondere il sentimento nelle cose trasfigurate in simbolo.(…).

Mi è stato facile accostare- scrive Ambra Biscuso- la Paticchio alla Pozzi  perchè entrambe vivono simbioticamente il contatto con la natura e, come Antonia scrive, il “farsi natura dà all’uomo la possibilità di entrare nel profondo della vita e cogliere l’essenza di tutto ciò che non è natura; le forme più silenti e maestose del reale custodiscono le risposte per l’interpretazione del mondo. La natura si incarna, si fa compagna e sorella e lo spirito umano, di contro, si immerge e perde in essa.”. La poesia di Rosemily, che opta per il verso libero, ha carattere visionario, onirico, simbolico, mistico, si focalizza sui sentimenti e sui luoghi, che sono poi luoghi dell’anima, cerca angoli del mondo tranquilli e luoghi conosciuti dell’anima in cui rifugiarsi, tant’è che usa lo spazio bianco segnando graficamente le pause lunghe inducend o il lettore a respirare, e, come spiega Scataglini, la poesia deve avere il ritmo del respiro. Il respiro di Rosemily è lento, ha bisogno di pause, per meglio guardare e vedere e condurre il lettore verso paesaggi dell’anima. Racconta la propria malinconia con un linguaggio polisemico in una logica deduttiva, in uno stile all’apparenza astratto, che si risolve spesso in una “zoomata”così che la parola acquisti densità e crei tensione nel lettore che è costretto a guardare un fiocco di neve, una ninfea, un albero, la luna, nella sua visione facendo così coincidere arte e vita nella centralità dell’interiorità e del flusso delle sensazioni.

“Perchè la poesia ha questo compito sublime: di prendere tutto il dolore che ci spumeggia e ci rimbalza nell’anima e di placarlo, di trasfigurarlo nella suprema calma dell’arte, così come sfociano i fiumi nella celeste vastità del mare”.(A. Pozzi)

Associazione Socio Artistico Culturale “Le Ali di Pandora”

Sede op.: Centro Polifunzionale V.le G. Paolo II ang. Via Pistoia, 9 – Lecce

tel. 339.5607242 – 347.0851926

e-mail: lealidipandora@libero.it- www.lealidipandora.com

blog.libero.it/lealidipandora – fb: leali.dipandora

presenta

Birlikte   Together

A cura di

Giorgio Bertozzi e Ferdan Yusufi

Mostra collettiva di pittura con opere di:

Rıdvan Coşkun

Şemsettin Edeer

Azamat Kuliev

İsmail Özgür Soğancı

In matematica, un insieme è una collezione di oggetti, che è a sua volta considerata un oggetto. Si tratta di un concetto fondamentale della matematica moderna, a partire dal quale si è sviluppata la teoria degli insiemi. Nell’uso informale gli oggetti della collezione possono essere qualunque cosa: numeri, lettere, persone figure etc., anche non necessariamente omogenei. In pittura prevalente è la volontà di confrontare stili e tecniche punti di contatto e differenze. Mentre il confronto si svolge, l’armonia dell’insieme prevale e si fonde in un unico linguaggio, così, improvvisamente ci si ritrova all’interno di una storia che inizia un veloce riavvolgimento come un film a cui con il telecomando abbiamo dato questo ordine. La velocità di riavvolgimento ci priva  del senso del tempo e dello spazio e quando le immagini riprendono lo scorrere naturale, ci accorgiamo di essere ritornati alle origini, prima che il crollo della Torre confondesse il linguaggio e gli uomini. Insieme, diversi ma uguali.  Giorgio Bertozzi

Vernissage 4  Mayıs Maggio 2013 ore 18

Vista Centro d’Arte

Via Ostilia, 41 Roma

Tel.Fax +39 06 45449756

arte@vistatv.it

Esposizione

dal 4 al 17  Maggio Mayıs Nisan 2013

Vista Centro d’Arte, Via Ostilia 41 – Roma

Con la collaborazione di

Laura Migotto e Stefano Ferracci

Coordinamento grafico editoriale

Studio Tangram

Consulente scientifico Pino Purificato

Il 14 Maggio, alle ore 18:00, presso il Millepiani coworking, (Via Nicolò Odero, 13), D’Arc Studio, insieme al coworking Millepiani, presenta il prossimo Behance Portfolio Reviews.

Un’opportunità per vivere la fotografia, la grafica, l’illustrazione, l’animazione, il design, il motion graphics, il fashion design e le istallazioni floreali con professionisti affermati e giovani promesse!

Alle 22:00, dopo la presentazione dei vari portfolio, la manifestazione continuerà presso “Spazio Informale” (Via dei Cerchi, 75) con l’evento “Be The Party”.

Lì, tra performances artistiche e buona musica, sarete liberi di esprimere tutto il vostro estro e la vostra creatività! Foto, video, disegni!

Creativi anche nell’abbigliamento! Ciò che meglio vi rappresenta può diventare il vostro personale tocco di riconoscimento!

Don’t be afraid! Express yourself! #behancereviews

Per partecipare, iscrivetevi a:

http://www.meetup.com/BehanceReviews/Roma-Italia/895042/

Programma:

La prima parte, presso lo spazio Millepiani coworking, ad ingresso gratuito, seguirà la seguente scaletta:

• 18:00 – 19:15: “COWORKING FOREVER”

Interventi di:

Enrico Parisio, delegato AIAP Lazio.

Alessio Tommasetti, D’Arc.Studio.

Giuseppina Maiorano, BIC Lazio.

Luciano Ummarino, Vicepresidenza Regione Lazio.

• 19:15: Presentazione dei corsi RUFA (Rome University of Fine Arts)

• 19:45: Anteprima della campagna di comunicazione per Millepiani

a cura degli studenti dell’istituto QUASAR.

• 20:00- 21:30: BEHANCE PORTFOLIO REVIEWS – Presentazione dei portfolio

Ore 22:00: presso “Spazio Informale”, (Via dei Cerchi, 75), “Be The Party”!

Ingresso con tesseramento: 7€, primo drink omaggio!

Il 14 Maggio, alle ore 18:00, presso il Millepiani coworking, (Via Nicolò Odero, 13), D’Arc Studio, insieme al coworking Millepiani, presenta il prossimo Behance Portfolio Reviews.

Un’opportunità per vivere la fotografia, la grafica, l’illustrazione, l’animazione, il design, il motion graphics, il fashion design e le istallazioni floreali con professionisti affermati e giovani promesse!

Alle 22:00, dopo la presentazione dei vari portfolio, la manifestazione continuerà presso “Spazio Informale” (Via dei Cerchi, 75) con l’evento “Be The Party”.

Lì, tra performances artistiche e buona musica, sarete liberi di esprimere tutto il vostro estro e la vostra creatività! Foto, video, disegni!

Creativi anche nell’abbigliamento! Ciò che meglio vi rappresenta può diventare il vostro personale tocco di riconoscimento!

Don’t be afraid! Express yourself! #behancereviews

Per partecipare, iscrivetevi a:

http://www.meetup.com/BehanceReviews/Roma-Italia/895042/

Programma:

La prima parte, presso lo spazio Millepiani coworking, ad ingresso gratuito, seguirà la seguente scaletta:

• 18:00 – 19:15: “COWORKING FOREVER”

Interventi di:

Enrico Parisio, delegato AIAP Lazio.

Alessio Tommasetti, D’Arc.Studio.

Giuseppina Maiorano, BIC Lazio.

Luciano Ummarino, Vicepresidenza Regione Lazio.

• 19:15: Presentazione dei corsi RUFA (Rome University of Fine Arts)

• 19:45: Anteprima della campagna di comunicazione per Millepiani

a cura degli studenti dell’istituto QUASAR.

• 20:00- 21:30: BEHANCE PORTFOLIO REVIEWS – Presentazione dei portfolio

Ore 22:00: presso “Spazio Informale”, (Via dei Cerchi, 75), “Be The Party”!

Ingresso con tesseramento: 7€, primo drink omaggio!

Giovedì 9 maggio alle ore 18:00 presso Spazio Arte Castello, in Piazza Castello 9 a Torino, si inaugura la mostra collettiva intitolata Colori, Materie, Segni, con gli artisti: Tamara Adani, Ariela Böhm, Vittoria Borelli, Liliana Cavigioli, Linda D’Arrigo, Vincenzo Del Duca,  Milena Demartino Fabrizio Falchetto, Giovanni Firrincieli, Elena Furlanetto, Maria Elena Giannobile, Maria Carla Mancinelli, Fiorella Manzini, Giovanni Mangiacapra, Anna Maria Miccoli, Saro Puma, Barbara Rotta, Monica Scaglione, Antonio Tanzi.

Colori, Materie, Segni.

dal 9 al 25 maggio

Mostra collettiva

Curatrici:

Maria Luisa Alberico e Marina Zatta.

L’Associazione Culturale Soqquadro nasce nell’ottobre del 2000 ed opera in prevalenza a Roma, la Direttrice Artistica è Marina Zatta. Soqquadro, dalla sua fondazione ad oggi, ha realizzato più di 150 mostre d’arte in spazi pubblici e privati. Da anni ha concretizzato varie collaborazioni con diversi spazi e diverse realtà in Italia; in questa occasione Soqquadro collabora con lo spazio espositivo Spazio Arte Castello di Torino.

Soqquadro propone con Colori, Materie, Segni, una mostra che esplora l’utilizzo dei principali strumenti del lavoro artistico esplorandone i più disparati linguaggi e lasciando piena libertà agli artisti di esprimersi nella maniera che per loro sia la più rappresentativa. Il progetto di questa mostra prevede la suddivisione degli artisti in tre grandi categorie che sono appunto Colori, Materie, Segni, nelle quali le opere sono state inserite da Marina Zatta proprio per osservare e riflettere su come nell’arte si possa lavorare su diversi binari a seconda dell’esigenza che l’artista esprime con il suo lavoro. È una esplorazione del fare artistico che non preclude nessun genere, sarà presente anche il linguaggio fotografico: anche nella fotografia la ricerca artistica si muove (se pur utilizzando strumenti e quindi seguendo possibilità ben differenti), all’interno di un campo visivo e creativo che può toccare ognuna di queste categorie più o meno in base alla sensibilità individuale dell’artista. La materia pittorica e la scrittura con la luce fotografica che cattura a sua volta segni, tracce di vita o la materia stessa catturandone talvolta l’essenza.

TITOLO DELLA MOSTRA: Colori, Materie, Segni

ARTISTI: Tamara Adani, Ariela Böhm, Vittoria Borelli, Liliana Cavigioli, Linda D’Arrigo, Vincenzo Del Duca,  Milena Demartino Fabrizio Falchetto, Giovanni Firrincieli, Elena Furlanetto, Maria Elena Giannobile, Maria Carla Mancinelli, Fiorella Manzini, Giovanni Mangiacapra, Anna Maria Miccoli, Saro Puma, Barbara Rotta, Monica Scaglione, Antonio Tanzi.

CURATRICI: Maria Luisa Alberico e Marina Zatta

COLLABORATRICE: Anna Di Matteo 

DURATA: dal 9 al 25 maggio 2013

ORARI: inaugurazione 9 maggio ore 18:00

lunedì dalle 17:30 alle 19:00; dal martedì al sabato dalle 15:30 alle 19:00 (festivi esclusi)

LOCATION: Spazio Arte Castello

INDIRIZZO:  Piazza Castello n.9, Torino.

INFO: http://associazionesoqquadro.wordpress.com/ – ass.soqquadro@gmail.com – www.donnasommelier.it – info@donnasommelier.it

Tel. 011.5785220 – Cell. 333.7330045

Roma si prepara a L.A.N.D. L’Arte Non Dorme una performance collettiva che animerà piazza Gentile da Fabriano, adiacente al Ponte della Musica, mercoledì 8 maggio alle 17.30. Centinaia di partecipanti tra laboratori d’arte, scuole, associazioni, artisti e cittadini invaderanno allegramente la piazza per un totale di mezzo chilometro di lenzuoli. I partecipanti a L.A.N.D. L’arte Non Dorme sono chiamati, colorando un lenzuolo, ad esprimere le proprie idee su diversi temi riguardanti il rapporto tra l’arte e il futuro della città. I lenzuoli così dipinti verranno esposti simultaneamente e sorretti dagli stessi partecipanti in piazza Gentile da Fabriano. L’evento ha lo scopo di trasformare lo spazio urbano in un contenitore di esperienze artistiche, culturali, musicali e sportive generando un cambiamento nel modo di vivere e intendere la città.
Il senso di questo evento è comunicare che l’arte e i cittadini non dormono, ma lavorano insieme al miglioramento della propria vita e del proprio territorio, uno spazio prezioso che va valorizzato attraverso la partecipazione di tutti.
L.A.N.D. è organizzato YEA-Contest (Young Explorer Agency) agenzia particolarmente attenta ai temi dell’arte e del territorio che festeggia proprio in questa occasione il suo debutto ufficiale nel mondo degli eventi culturali nella capitale. YEA-Contest inoltre promuove nuove professionalità mediante attività di coworking nel campo della cultura, della musica e dello sport sperimentando trasformazioni di spazi urbani attraverso la realizzazione di eventi e il coinvolgimento di tutti gli attori che vivono e abitano il territorio.
L.A.N.D. L’Arte Non Dorme è un evento interattivo in cui non ci sono spettatori ma tutti sono protagonisti esprimendo idee, speranze, intenzioni per il futuro. In questa prospettiva L.A.N.D. comunica una concreta volontà di cambiamento in senso culturale rivolta soprattutto ai giovani.

Per aderire all’iniziativa o per maggiori informazioni:
Sito: www.yea-contest.it
Mail: info@yea-contest.it
Tel: 392 8216248

Giovedi 9 maggio alle ore 18:00 presso Spazio Arte Castello, in Piazza Castello 9 a Torino, si inaugura la mostra collettiva intitolata Colori, Materie, Segni, con gli artisti: Tamara Adani, Ariela Böhm, Vittoria Borelli, Liliana Cavigioli, Linda D’Arrigo, Vincenzo Del Duca,  Milena Demartino Fabrizio Falchetto, Giovanni Firrincieli, Elena Furlanetto, Maria Elena Giannobile, Maria Carla Mancinelli, Fiorella Manzini, Giovanni Mangiacapra, Saro Puma, Antonio Tanzi.

Colori, Materie, Segni.

dal 9 al 25 Maggio

Mostra collettiva

Curatrici:

Maria Luisa Alberico e Marina Zatta.

L’Associazione Culturale Soqquadro nasce nell’ottobre del 2000 ed opera in prevalenza a Roma, la Direttrice Artistica è Marina Zatta. Soqquadro, dalla sua fondazione ad oggi, ha realizzato più di 150 mostre d’arte in spazi pubblici e privati. Da anni ha concretizzato varie collaborazioni con diversi spazi e diverse realtà in Italia; in questa occasione Soqquadro collabora con lo spazio espositivo Spazio Arte Castello di Torino.

Soqquadro propone con Colori, Materie, Segni, una mostra che esplora l’utilizzo dei principali strumenti del lavoro artistico esplorandone i più disparati linguaggi e lasciando piena libertà agli artisti di esprimersi nella maniera che per loro sia la più rappresentativa. Il progetto di questa mostra prevede la suddivisione degli artisti in tre grandi categorie che sono appunto Colori, Materie, Segni, nelle quali le opere sono state inserite da Marina Zatta proprio per osservare e riflettere su come nell’arte si possa lavorare su diversi binari a seconda dell’esigenza che l’artista esprime con il suo lavoro. È una esplorazione del fare artistico che non preclude nessun genere, sarà presente anche il linguaggio fotografico: anche nella fotografia la ricerca artistica si muove (se pur utilizzando strumenti e quindi seguendo possibilità ben differenti), all’interno di un campo visivo e creativo che può toccare ognuna di queste categorie più o meno in base alla sensibilità individuale dell’artista. La materia pittorica e la scrittura con la luce fotografica che cattura a sua volta segni, tracce di vita o la materia stessa catturandone talvolta l’essenza.

TITOLO DELLA MOSTRA: Colori, Materie, Segni

ARTISTI: Tamara Adani, Ariela Böhm, Vittoria Borrelli, Liliana Cavigioli, Linda D’Arrigo, Vincenzo Del Duca,  Milena Demartino Fabrizio Falchetto, Giovanni Firrincieli, Elena Furlanetto, Maria Elena Giannobile, Maria Carla Mancinelli, Fiorella Manzini, Giovanni Mangiacapra, Saro Puma, Antonio Tanzi.

CURATRICI: Maria Luisa Alberico e Marina Zatta

COLLABORATRICE: Anna Di Matteo

DURATA: dal 9 al 25 maggio gennaio 2013

ORARI: inaugurazione 9 maggio ore 18:00

Lunedì dalle 17:30 alle 19:00; dal martedì al sabato dalle 15:30 alle 19:00 (festivi esclusi)

LOCATION: Spazio Arte Castello

INDIRIZZO:  Piazza Castello n.9, Torino.

INFO: http://associazionesoqquadro.wordpress.com/ – ass.soqquadro@gmail.com – www.donnasommelier.it info@donnasommelier.it – tel. 011.5785220 – Cell. 333.7330045

G. Fauré: Trio per piano, violino e cello op.120, Andantino
E. Satie: Gymnopédie n.1
M. Ravel: Berceuse per violino e piano
C. Debussy: Trio in Sol per piano, violino e cello, Andante espressivo

Massimo Kaufmann, artista

Ensemble Ottavanota: Simone De Pasquale, violino
Giovanni Marziliano, violoncello – Carlotta Lusa, pianoforte

Degustazione di vino offerto da:
“Shop Cantina 20” Viale Ungheria, 20 – Milano
“Shop Cantina 21” Via Zante (angolo Via Dalmazia) – Milano

Ingresso € 10,00

http://www.ottavanota.org/?p=1426

Ottava Nota – Auditorium, spazio eventi
via Marco Bruto 24
0289658114 3388576271
info@ottavanota.org
www.ottavanota.org

L’evento vede la partecipazione di 23 artisti provenienti da varie regioni Italiane:

Massimo Battaglini – Nino Bianchi (Ajossa) – Cesare Bozzini – Tommaso Cascella – Giuseppe Ciccia – Giò Coppola – Immacolata Datti -  Massimo De Angelis (Demas) – Marcello Di Donato – Gabriella Di Trani – Italo Garofalo – Alba Gonzales – Mario La Carrubba – Carla Leonelli – Gerardo Lizza – Manlio Manvati – Gianfranco Mascelli – Michele Mautone – Massimina Pesce  – Teresa Pollidori -  Elio Rizzo – Anna Seccia  – Anna Torelli.

La mostra propone una riflessione sulla ricerca di un gruppo di artisti scelti a rappresentare la generazione di mezzo che ha contribuito a definire le linee artistiche della seconda metà dello scorso secolo. Ancora oggi, a nuovo  Millennio inoltrato, questi artisti sono attenti alle evoluzioni linguistiche e continuano ad operare nel campo delle Arti Visive, interagendo con le nuove generazioni e i nuovi mezzi tecnologici.

Scheda Informativa:

 titolo:   La generazione di mezzo

cura:   Gianfranco Mascelli

intervento critico: prof. Giorgio Di Genova

collaborazione: Associazione Culturale Arte & Benessere

periodo:  dal 4 maggio al 2 giugno 2013

orario: sabato e domenica dalle 10,00 alle 20,00

telefono: 0761 924106

Indirizzo: Palazzo Orsini Piazza Vittorio Emanuele III, 21, 01020 Bomarzo – Viterbo

e-mail:   gmascelli@yahoo.it   – www.infoviterbo.it/palazzo-orsini-a-bomarzo.html

nota: tutti i sabati, dalle ore 17,00 sono previste performances artistiche, teatrali, musicali nello spazio espositivo.

L’iscrizione alla Selezione è aperta fino alle ore 24.00 del 15 maggio 2013, gli artisti che saranno selezionati, a insindacabile giudizio della Giuria, potranno prendere parte all’Expo di Marche Centro d’Arte a inizio luglio 2013 presso gli spazi del PalaRiviera di San Benedetto del Tronto.

Per tutti i dettagli e possibile consultare il bando on line: http://mcda.cocalosclub.it/wp-content/uploads/2013/04/BANDO_selezione_MARCHE_CENTRO_D2.pdf
Per iscriversi o ricevere informazioni basta andare su http://mcda.cocalosclub.it/

Marche Centro d’Arte è anche su Facebook: https://www.facebook.com/pages/Marche-Centro-DArte/270845876329613?fref=ts

Info
Cocalo’s Club
mcda@cocalosclub.it

a cura di Mauro Tropeano e Giuseppe Iavicoli aka “Beppe Treccia”

18 – 31 maggio 2013

Spazio Bugatti 15

Via Gaspare Bugatti 15, Zona Tortona, Milano

Dopo oltre un anno dalla nascita, il Loverismo non smette di crescere. A un anno esatto dalla prima mostra loverista in suolo romano, i loveristi si spostano a Milano per la prima volta in una collettiva senza precedenti.

La mostra vuole ribadire il concetto di condivisione e unione, cardini del Loverismo, nonostante le diversità di stile e comunicazione che sono visti non come ostacoli bensì come punti di forza per un confronto costruttivo e istruttivo.

Il Loverismo si conferma quindi come un movimento aperto a qualunque forma d’arte e di espressione assicurando sempre una correttezza etica.

Artisti in mostra:

Alessandra Fusi

Alessandro Crapanzano

Amelia Von Grüne

Andy Fluon

Angelo Barile

Antonella Caraceni

Carmine Bellucci

Cunene

Dana Ondrejovic

Daria Palotti

Elena Cermaria

EricsOne

Fabio Weik

Fausto Ricotta

Federico Unia TDK

Gabriele Buratti

Gerlanda Di Francia

Giampiero Gasparini

Giuditta Solito

Gracio

Ilaria Meli

Ixie Darkonn

Luca Vallone

Luciano Civettini

Marco Castagnetto

Marco De Barba

Marco Tarascio

Maria Antonietta Cardea

Mr.Wany

Natascia Raffio

NoCurves

Paolo Pilotti

Raptuz

Selena Leardini

Silvia Faieta

Stefano Bressani

Valentina Zummo

Valeria Bovo

Yuri Madella

Yux

Inaugurazione: 18 maggio 2013, ore 19:00

Free entry

Anche dal punto di vista antropologico, frequentiamo spazi quali stazioni e centri commerciali in cui moltissime persone si incrociano senza il desiderio di entrare in relazione con gli altri, di instaurare una conoscenza individuale, spontanea ed umana con chi è loro vicino, vogliosi solo di accelerare il transito di questi non-luoghi. Così viviamo convinti di essere inseriti in una comunità reale, quando invece siamo soli sebbene circondati da molte persone, spesso altrettanto sole.

La mostra inizia idealmente con la riproduzione della mappa incisa da Giovanni Tommaso Bogonio nel 1668 per rappresentare Bugella Civitas, una città che ormai ha pochi elementi in comune con la Biella di oggi, e si sviluppa attraverso le opere di artisti che hanno raffigurato la città vissuta, come la Parigi di Mario Avati o gli elementi architettonici caratterizzanti di Biella (portici, cortili e balconi) dell’architetto Ray Gindroz,  fino ad arrivare alla pittura di ricerca di Marco Petrus che analizza con puntigliosa descrizione ambienti urbani apparentemente  ben riconoscibili, salvo un continuo rimescolamento delle immagini. La coloristica visione urbana dì Franco Fontana e le desolate periferie incise da Renzo Biasion; le città irreali di Toni Pecoraro, in cui i monumenti lievitano fino a sovrastare l’intero tessuto urbano, affiancate alla Venezia onirica di Egidio Bonfante. I lavori di Enrico Lombardi che raffigurano una città che è pura astrazione: assemblata mediante l’utilizzo di pochi archetipi costruttivi,  disabitata, luogo di pura spiritualità costituito da edifici non idonei ad ospitare vita anche per l’assenza di porte e finestre, ci proietta in una dimensione meditativa (“sulla pittura stessa” ipotizza l’autore) idonea agli “esercizi spirituali”. Si passa poi alle opere degli artisti che hanno inteso la città come agglomerato umano, le tele di Ezio Ferrari dove lo spazio urbano svanisce per lasciare posto, sulla superficie bianca della tela, a figure umane monocrome rappresentazione di non-luoghi  dove molte persone si incrociano senza il desiderio di comunicare con gli altri. I viaggiatori di Andrzej Pietsch, che vedono la città dal finestrino di un treno, e gli uomini d’affari di Andrea Boyer, seduti ai tavoli di un ristorante e visti da chi transita sulla strada, attraverso la vetrina, come pesci in un acquario. Per terminare con le opere di Bruno Parretti e Mariarosaria Stigliano sospese in un mondo di confine, un filo teso in equilibrio tra la veglia ed il sogno, tra il reale e l’irreale, dove smarrire le proprie certezze è l’unico strumento per essere liberi.

Gli artisti in mostra: Mario Avati, Renzo Biasion, Egidio Bonfante, Andrea Boyer, Ezio Ferrari, Franco Fontana, Ray Gindroz, Enrico Lombardi, Bruno Parretti, Toni Pecoraro, Marco Petrus, Andrzej Pietsch, Mariarosaria Stigliano

Presentazione “L’arte contemporanea a sostegno della donna” – giovani pittori, fotografi, scultori e designer esporranno progetti personali e collettivi in una mostra che sostiene e valorizza la figura della donna.

Mostrami presenta la 6°  MostraEvento di Milano, un progetto artistico interamente dedicato alle donne, l’11 e il 12 maggio presso il CAM Falcone e Borsellino (Corso Garibaldi, 27 Milano). L’evento prevederà un laboratorio artistico, live performance e un’esposizione dedicati alla figura femminile e alla necessità di riconoscere alla donna il giusto valore.

Secondo i dati diffusi dal Consiglio d’Europa, sono circa 120 le vittime italiane ogni anno, mentre la più completa indagine realizzata dall’Istat sul tema, nel 2006, ha valutato che sono state 7 milioni le donne che hanno subìto nel corso della loro vita violenze sessuali o fisiche.

Mostrami e alcuni giovani artisti hanno scelto di vedere valorizzate le figure femminili come un punto di partenza per un nuovo sistema culturale. Dopo la scomparsa di donne come Rita Levi Montalcini, Gae Aulenti, Mariangela Melato – che con il loro diverso contributo hanno giocato un ruolo straordinario per l’Italia intera – crediamo sia giunto il momento d’interrogarci su nuove risorse preziose e di rimetterci in gioco.

Tra gli oltre 70 progetti presentati, la Commissione Tecnica di Mostrami ha invitato i seguenti giovani a partecipare a questa nuova edizione: Alessandra Pivato (pittura), Alessandro D’Aquila (digital art),  Cristina Marasini (fotografia), Davide Dadenes (pittura), Giorgia Moretti (pittura), Ilaria Bochicchio (pittura), Irene  Lucia Vanelli (scultura), Marco Mondani (videoart), Marica Minotti (fotografia), Rosita Uricchio (pittura), Valentina Ceci (disegno).
Accanto ai loro progetti personali verranno esposti anche i lavori nati dal laboratorio con altri artisti di Mostrami Factory che parteciperanno soltanto alle performance collettive durante i giorni di mostra.

Dalle ore 16 di Sabato 11 Maggio le opere saranno opzionabili sia in location che dalla home page del sito, http://www.mostra-mi.it

Il principale obiettivo di Mostrami della promozione dell’arte emergente, viene sostenuto da altri intenti specifici per questo evento:
-  creare un’occasione di consapevolezza/approfondimento delle tematiche suddette e quindi di crescita culturale e sociale in modo particolare per le giovani generazioni,
- dare concretezza alla valorizzazione della donna affinchè ne discendano pratiche puntuali e quotidiane da portare nella vita scolastica, lavorativa, professionale di ogni individuo.

Il progetto ha ricevuto il supporto di Arcidonna e di numerosi blog al femminile (Monkeys Storyes, Genere femminile, La Convivia, Ferma il Femminicidio, Womeninart, Angolo Donne, Donne Magazine, Il Bigodino): abbiamo voluto costruire per l’occasione un vero e proprio sistema sociale e culturale a supporto della donna.

Programma e calendario
La MostraEvento sarà composta da due fasi distinte ma complementari, con un calendario di iniziative ricco e composito che si andrà completando nei prossimi giorni.

10 Maggio 2013 laboratorio artistico “Mostrami Factory”
Presso il CAM Falcone Borsellino gli artisti si confronteranno sul ruolo e sullo stato delle donne oggi in Italia e realizzeranno alcune opere collettive – in partnership con Fondazione Maimeri che fornirà loro i materiali con i quali lavorare.

11 e 12 Maggio 2013 – 6° MostraEvento di Mostrami a Milano
Sempre presso il CAM Falcone e Borsellino di Corso Garibaldi, 27 si terrà la mostra/installazione artistica con performance live e l’esposizione dei progetti personali sul tema dei giovani talenti (pittori, scultori, fotografi, videoartists, streetartist).
La mostra sarà aperta dalle ore 16.00 di Sabato e rimarrà aperta fino alle 22.00
Domenica riaprirà alle ore 10.00 e chiuderà alle 22.00.

Per ulteriori informazioni:
Sandro Aglialoro
(Responsabile del progetto)
347 38 95 473
mailto:marketing@mostra-mi.it
http://www.mostra-mi.it

Web 2.0
L’intero progetto sarà quanto più possibile “web 2.0”, ossia verrà trasmesso e “condiviso” attraverso internet e i social network (facebook, twitter, youtube, google plus, pinterest).

Mostrami
Mostrami è un progetto artistico culturale di Gruppo 97 Cantieri Sonori che promuove la giovane arte contemporanea (pittura, scultura, fotografia, videoart e street art) come strumento di responsabilizzazione sociale.
Mostrami oggi conta oltre 500 artisti iscritti e più di 23.000 membri nella propria community.
Mostrami è un progetto di Gruppo 97 Cantieri Sonori e di M.O.STRA.

L’ambizioso progetto, la cui prima mostra si svolse dal 9 giugno all’8 luglio 2007 a Marghera (VE) nell’avveniristico Spazio Vega, in concomitanza con la 52° Biennale di Venezia, riparte dopo sei anni a seguito delle numerose richieste ricevute da più fonti e chiama gli artisti a esprimere, ognuno con la propria tecnica e il proprio immaginario, la tematica riguardante l’alienazione umana.

Contaminazione dei linguaggi artistici e creativi e convinzione che “la pratica artistica contemporanea si situi in un contesto sociale caratterizzato da due fenomeni complementari e ugualmente significativi, da una parte il predominio delle immagini sul linguaggio e dall’altra il diffondersi dell’esperienza della solitudine e dell’indifferenza, dimensioni esistenziali che non riconducono più necessariamente all’altro di sé (Sergio Curtacci)”, queste le caratteristiche di un programma che non poteva che trovare in E-lite studiogallery, la galleria d’arte contemporanea leccese sempre attenta alle nuove istanze del panorama creativo, un attivo e intraprendente compagno di viaggio che sarà tappa, per il prossimo luglio, nel suo suggestivo spazio e nelle magnifiche sale di Palazzo Vernazza (LE), del quinto evento del progetto itinerante.

ALIENS

LE FORME ALIENANTI DEL CONTEMPORANEO

PALAZZO PIROLA

Piazza della Repubblica

Gorgonzola (MI)

18 MAGGIO – 10 GIUGNO 2013

vernice: sabato 18 h 18.30

progetto di Sergio Curtacci Frattura Scomposta Contemporary Art Magazine

artisti invitati:

ALESSANDRO SCAPINELLI 

ALESSIO BOLOGNESI 

ANDREA VALSECCHI 

ANGELA VIOLA 

ANNA CARUSO 

ANNA FRIDA MADIA 

ANNACLARA DE BIASE 

ANNALÙ 

ANTONIO DE LUCA 

CARLO COFANO 

CRISTIANO DE MATTEIS 

CRISTINA IOTTI 

EMILA SIRAKOVA 

FULVIO MARTINI 

GABRIELE BURATTI 

GIANCARLO MARCALI 

GIANLUCA CHIODI 

GIÒ LACEDRA 

ILARIA MARGUTTI 

ILV – IRENE LUCIA VANELLI 

JARA MARZULLI 

LUCA SKAWALKER 

LUIGI LEONIDI 

MARCO BESANA 

MARCO CECOTTO 

MARCO MINOTTI 

MARCO REA 

MASSIMO FESTI 

MASSIMO QUARTA 

MOMÒ CALASCIBETTA 

PAOLA TURRONI 

RAFFAELLA FORMENTI 

RAMONA ZORDINI 

ROBERTA UBALDI 

ROBERTO FONTANA 

SILVANO BRUSCELLA 

SILVIO PORZIONATO 

STREAMCOLORS 

VALENTINA CHIAPPINI 

VANIA ELETTRA TAM 

VANNI CUOGHI 

WILLOW

APPUNTAMENTI PERFORMATIVI 

sabato 18 maggio:

ore 18.30 

Raffaella Formenti – performance – PassWord 

“Volevo solo leggere e scrivere, e viaggiare nei luoghi delle parole, ma anche le mani hanno preteso il loro spazio d’azione e intervengono con pensieri ingombranti ogni volta che entrano in rapporto con oggetti carichi di parole.”

ore 20.00

Giò Lacedra – performance – Io sottraggo 

Una performance-confessional autobiografica, che nello spazio creativo-distruttivo- rigenerativo di 20 minuti, mette e rimette in scena l’ingranaggio perpetuante dei rituali ossessivi anoressico-bulimici.

sabato 25 maggio:

ore 19.00 

Ramona Zordini e Marco Cecotto – one huge tank 

Un progetto che nasce da una riflessione sulla possibilità di traduzione interdisciplinare del senso, in particolare tra arti sonore e visive.

ore 21.00 

Don Chisciotte della Mancia 

Suite musicale per voci narranti e strumenti di Miguel de Cervantes Musiche di Georg Philipp Telemann Crescendo – Orchestra giovanile / Direttore – Judit Földes

sabato 1 giugno:

ore 18.30 

Streamcolors – evento multimediale

La gente riconosce il luogo che abita e ne vede una nuova visione. Questa è la zampa tecnologica dell’astronave alien che tocca il suolo e lo decodifica.

ore 19.30 

Paola Turroni – reading multimediale – Il mondo è vedovo 

In questo mosaico di LUCE sta il messaggio che riconduce l’artista dal torpore del sonno individuale alla corale ricerca dei valori dell’ethos, all’estetica del vero. L’arte torna ad essere ammonimento morale, momento di LUCE che… AZIONA il pensiero.

ore 21.00

Viaggio nella musica tra i secoli

Corale Santa Cecilia – coro polifonico / Maestro – Luisella Grandi Repertori che spaziano dal medioevo agli autori contemporanei della musica sacra e profana nella ricerca di emozioni sempre nuove.

ALIENS LE FORME ALIENANTI DEL CONTEMPORANEO 

Di Sergio Curtacci

La pratica artistica contemporanea si situa in un contesto sociale caratterizzato da due fenomeni complementari e ugualmente significativi, da una parte il predominio delle immagini sul linguaggio e dall’altra il diffondersi dell’esperienza della solitudine e dell’indifferenza, dimensioni esistenziali che non riconducono più necessariamente all’altro di sé.

Entrambi i fenomeni hanno origine nella facilità di accesso alla comunicazione visiva di massa e nel voler esaltare e rivendicare la libertà individuale, diffusa e supportata dagli apparati pubblicitari. Se nell’età moderna il rapporto tra l’individuo e la massa viveva nell’alternanza di due movimenti antitetici, la perdita del soggetto nella folla o al contrario, il potere assoluto rivendicato dalla coscienza individuale, nelle forme di solitudine della modernità, l’antitesi vitale della contemporaneità si è oggi ridotta a forme banali di pseudo socialità e a una sterile contrattualità con il mondo.

Le identità sono sempre più provvisorie e legate alle funzioni transitorie degli utenti dei vari sistemi: stradale, commerciale, bancario, ecc…

Siamo soli ma al tempo stesso accomunati agli altri da relazioni di tipo contrattuale o da norme prescrittive. L’esercizio di queste pratiche solipsistiche ha trasformato la coesistenza sociale in un arcipelago di individualità contigue ma distinte, sostanzialmente indifferenti le une alle altre.

Come alieni ci muoviamo sulla terra, osservando tutto con distacco, leggiamo libri e giornali in metropolitana senza accorgerci (o meglio dire non volendo accorgercene) del violento scippo che si sta consumando accanto a noi. Ma la vera tragedia risiede nel fatto che non riusciamo a capire neppure ciò che stiamo leggendo. Invitiamo amici a pranzo o a cena, dispensiamo loro sorrisi e attenzioni, poi li incrociamo il giorno dopo per strada e ci volgiamo dall’altra parte per non doverli salutare, o peggio fermarci a scambiare poche parole che, spesso e volentieri, riteniamo possano tradursi in inutili convenevoli. Dopo l’11 settembre 2001 se vogliamo, tutto ciò si è acuito, all’indifferenza e al fastidio si è aggiunta la paura, il terrore del diverso, guardiamo gli altri come potenziali nemici, ci muoviamo con circospezione… Meglio rimanere a casa e nascondersi dietro al monitor di un computer e navigare in internet per ore, magari con identità fittizie, proponendoci agli altri come eroi moderni senza macchia e senza paura, per tornare il giorno dopo i soliti alieni, visitatori timorosi del pianeta terra.

INFO:

Orari:

martedì-venerdì: 17.00-19.00

sabato e domenica: 10.00-12.00 / 16.00-19.00

lunedì: chiuso

Palazzo Freganeschi-Pirola • Piazza della Repubblica (angolo vicolo Filippo Corridoni) – Gorgonzola (MI)

www.palazzopirola.it • info@palazzopirola.it

Frattura Scomposta Contemporary Art Magazine

www.fratturascomposta.it • info@fratturascomposta.it

Mostra personale di: Luigi Folliero

Giovedì 9 Maggio 2013 – ore 18:30
Location: Axel – la pista del ghiaccio di Roma Piazza Mancini – 00196 Roma (RM)

Ancora una volta maniA_Factory si fa portavoce dell’arte contemporanea romana: Giovedì 9 Maggio 2013 alle ore 18:30 inaugura la mostra personale di Luigi Folliero “Meduse” presso lo spazio espositivo della pista del ghiaccio Axel Roma.

Provenendo dal mondo del design e della grafica pubblicitaria, Luigi Folliero invade lo spazio autoreferenziale dell’arte con un messaggio che dall’etere concettuale si condensa in colore, plastica e fiamma. La medusa, oggetto simbolico della presente ricerca artistica, esprime il potere latente di una minaccia che, silenziosamente, ci avviluppa nelle sue spire velenose: emergendo dall’oscurità per infrangere i bozzoli intessuti dai media attorno alla nostra percezione del mondo, le sue meduse incarnano senza mezzi termini l’onnivoro parassitismo socio-culturale che logora del tutto la libertà morale, intellettuale ed emotiva dell’uomo moderno.

Il dentro e il fuori, il concetto e la forma si scambiano continuamente il testimone per spogliare le apparenze della loro vacuità, così da consolidarne la forza espressiva in corpi anamorfici la cui vista, adesso reale e guizzante, non può più essere mistificata.

PROGRAMMA IN DETTAGLIO:

“MEDUSE”

Mostra personale di:

Luigi Folliero

Location: Axel – la pista del ghiaccio di Roma

Piazza Mancini – 00196 Roma (RM)

Tel. +39 06.3216542

Fax: +39 06.32656829

Web: www.axelroma.it

Mail: info@axelroma.it

Periodo: Giovedì 9 Maggio 2013 – Venerdì 31 Maggio 2013

Vernissage: Giovedì 9 Maggio 2013 – ore 18:30

Orari: Aperto tutti i giorni dalle 10:00 alle 24:00; Il sabato aperto fino alle 2:00.

Vernissage: ingresso gratuito.

Contenuti: Light Stand Buffet (dalle 20:00 possibilità di cena con menù a carta).

Dj Set.

Organizzazione e Comunicazione: maniA_Factory

maniA_Factory

Area Eventi

Tel. 06.3244308

Mobile: 334.8585641 / 339.5079443

Mail: maniartfactory@gmail.com / info@mania-factory.it

Web: www.mania-factory.it

“Le tele della De Giorgio, tutte accomunate dal tema della musica, sembrano condurci in quel clima sempre in evoluzione qual’era l’arte del primo Novecento, secolo in cui avviene un superamento delle categorie storiografiche e accademiche degli stili, tanto nella pittura quanto nella musica. Sono questi anni in cui da una parte si assiste a un Picasso che utilizza la scultura nera e tribale come fonte d’ispirazione per le sue opere cubiste, e dall’altra il jazz, nuovo genere musicale che diventa dominante nell’America degli anni Trenta ma, che era nato all’inizio del secolo dalla tradizione degli schiavi afroamericani.
Protagonisti delle opere della De Giorgio sono gli strumenti musicali che occupano tutta la superficie della tela. Per lo più «nature morte» che vivono dell’energia della musica jazz, richiamata dalla presenza di sassofoni e trombe, dai titoli come Luisianne, oltre che da quella libertà inventiva che caratterizza tanto le immagini degli strumenti della De Giorgio, dai contorni non definiti che ora si confondono per mezzo di linee sinuose, ora per mezzo del colore come in Labirinto di suoni, tanto la musica jazz caratterizzata proprio dall’improvvisazione, dalla libertà inventiva e uditiva dei musicisti, esecutori dello strumento ma nello stesso tempo faber creativi. Come la musica jazz dava voce a un’anima primitiva e ancestrale, libera da convenzioni, cosi le tele della De Giorgio danno colore e forma a questa musica che nata nella sofferenza riesce a regalarci la speranza.”
(Ginevra Stuto)

Maria Rita De Giorgio è nata a Roma, dove ha frequentato il Liceo Artistico e l’accademia di Belle Arti, nel 1977 ottiene a pieni voti il Diploma di Laurea Corso di Scenografia. Negli anni successivi, partecipa a mostre pittoriche a Roma e Provincia e in contemporanea, progetta e realizza scenografie e costumi per alcune compagnie di teatro. Nell’estate 1981 frequenta a San Giminiano, laboratori di maschere e tecniche teatrali presso la Scuola Toesca e, a Montepulciano, segue le lezioni teorico-pratiche sull’espressività mimica e corporea di Marcel Marceau. Organizza e tiene diversi seminari di aggiornamento per le insegnanti della scuola materna ed elementare sull’espressività e le tecniche di animazione e drammatizzazione. Dal 1982 al 1984 si trasferisce a Verona dove insegna Scenografia e Storia del Teatro presso l’Accademia di Belle Arti “Cignaroli” al fianco dello scenografo dell’Ente Lirico, Sergio Colliva. Sperimenta inoltre, un laboratorio di mimo e pittura gestuale per il recupero psicomotorio di bambini con problemi emotivi e caratteriali. Tra il 1992 e il 1997, acquisisce le tecniche del restauro del dipinto antico su tela, tecniche antiche che userà per la preparazione e la realizzazione delle sue particolari opere. Da sempre alterna il suo lavoro d’artista con l’insegnamento di Arte Plastica e Storia dell’Arte. Dal 2000 al 2007, ha insegnato presso la Scuola Francese di Tripoli in Libia.

Il laboratorio parte dal presupposto che il mercato è un luogo di scambio e d’incontro. In ogni città, il mercato incarna il territorio circostante, caratterizza un quartiere e costituisce uno dei poli di attrazione sia per gli abitanti che per i turisti di passaggio. Oltre alla funzione commerciale, esso catalizza varie questioni attuali e fondamentali, quali la sostenibilità, la relazione tra la città, l’ambiente e la catena di produzione, la configurazione urbanistica, l’integrazione sociale e culturale, i modelli di consumo e il riciclo.

Market zone invita quindi artisti, ricercatori e pubblico coinvolto a riflettere sulla natura dei luoghi scelti, spazi di vendita di merci varie, ma anche vetrine di un sincretismo culturale e sociale di due territori specifici, e a lavorare negli interstizi dei due mercati e sulle possibili interazioni tra due realtà che coesistono.

Market zone si svilupperà sui due anni 2013 e 2014, riunirà 12 partecipanti attorno a poli di interesse specifici tra cui arte, design e graphic design e sarà aperto a varie discipline: arti visive, design, graphic design, architettura, urbanistica, scenografia e ricerca in ambito storico, antropologico e sociologico.

Il bando per la selezione dei partecipanti è ora aperto e scadrà mercoledì 5 giugno 2013. Market zone nasce dall’intenzione di confrontare le diverse discipline coinvolte con il mercato, il quale delinea una forma connotata e molto precisa di organizzazione dello spazio urbano. Il progetto s’impegna a ripensare lo spazio pubblico attraverso una serie di attività: un workshop e una serie di conferenze nelle due città, Cuneo e Nizza, presentazioni pubbliche e un’esposizione itinerante nei due mercati, che favoriranno la creazione di una rete locale per il sostegno della ricerca e della sperimentazione interdisciplinare.

L’artista ci mostra un percorso di superamento del concetto di Soggetto, attraverso la diluizione dell’Io per una nuova genesi del Corpo. La pittura è linguaggio d’indagine di tale percorso, dove la figura, smarrendo i propri confini resta in bilico tra apparizione e sparizione.

L’essere umano per sopravvivere ha bisogno di identificare e distinguere sé stesso e  ciò che lo circonda, ma è visione che limita il reale imponendo confini, forme e determinazioni che arginano da sempre un potenziale infinito ed inespresso.

Potenziale che Alessandro Saturno Martinelli libera per un istante prima che ritorni a svanire.

La materia lavorata dall’artista supera la superficie della tela per diffondersi in tutto lo spazio espositivo, creando un ambiente immersivo dove il colore diventa luogo.

Nasce così un percorso dato, in medias res: una passerella che non ha un inizio né una fine accompagna lungo le sale di Adiacenze, come se fosse un passaggio tra le acque.

Acque solide costituite da brandelli di tessuto e cenci, frammenti del processo pittorico, residui materici di corpi liquidi racchiusi in frames che non riescono comunque a limitarne il movimento.

Si assiste allora alla creazione di una zona tropicale, strada verso la vaghezza, dove tutti i fenomeni scorrono verso l’indistinto, come una cascata, e dove l’artista ci svela una visione altra dell’Io: “ Tu sei questo. Tu sei questo che è quanto di più lontano da te, questo che è ciò che vi è di più informe.” (Lacan)

progetto di Sergio Curtacci

FRATTURA SCOMPOSTA

ContemporaryArtMagazine

www.fratturascomposta.it

Spazio San Giorgio, in collaborazione con Frattura Scomposta, ospita dall’11 al 25 maggio 2013 la mostra collettiva

ALIENS – Le Forme Alienanti del Contemporaneo.

La pratica artistica contemporanea si situa in un contesto sociale caratterizzato da due fenomeni complementari e ugualmente significativi, da una parte il predominio delle immagini sul linguaggio e dall’altra il diffondersi dell’esperienza della solitudine e dell’indifferenza, dimensioni esistenziali che non riconducono più necessariamente all’altro di sé.
Entrambi i fenomeni hanno origine nella facilità di accesso alla comunicazione visiva di massa e nel voler esaltare e rivendicare la libertà individuale, diffusa e supportata dagli apparati pubblicitari. Se nell’età moderna il rapporto tra l’individuo e la massa viveva nell’alternanza di due movimenti antitetici, la perdita del
soggetto nella folla o al contrario, il potere assoluto rivendicato dalla coscienza individuale, nelle forme di solitudine della modernità, l’antitesi vitale della contemporaneità si è oggi ridotta a forme banali di pseudo socialità e ad una sterile contrattualità con il mondo.
Le identità sono sempre più provvisorie e legate alle funzioni transitorie degli utenti dei vari sistemi: stradale, commerciale, bancario, ecc…
Siamo soli ma al tempo stesso accomunati agli altri da relazioni di tipo contrattuale o da norme prescrittive.
L’esercizio di queste pratiche solipolistiche ha trasformato la coesistenza sociale in un arcipelago di individualità contigue ma distinte, sostanzialmente indifferenti le une alle altre.
Come alieni ci muoviamo sulla terra, osservando tutto con distacco, leggiamo libri e giornali in metropolitana senza accorgerci (o meglio dire non volendo accorgercene) del violento scippo che si sta consumando accanto a noi. Ma la vera tragedia risiede nel fatto che non riusciamo a capire neppure ciò che stiamo leggendo. Invitiamo amici a pranzo o a cena, dispensiamo loro sorrisi ed attenzioni, poi li incrociamo il giorno dopo per strada e ci volgiamo dall’altra parte per non doverli salutare, o peggio fermarci a scambiare poche parole che, spesso e volentieri, riteniamo possano tradursi in inutili convenevoli.
Dopo l’11 settembre 2001 se vogliamo, tutto ciò si è acuito, all’indifferenza ed al fastidio si è aggiunta la paura, il terrore del diverso, guardiamo gli altri come potenziali nemici, ci muoviamo con circospezione… Meglio rimanere a casa e nascondersi dietro al monitor di un computer e navigare in internet per ore, magari con identità fittizie, proponendoci agli altri come eroi moderni senza macchia e senza paura, per tornare il giorno dopo i soliti alieni, visitatori timorosi del pianeta terra.

Artisti in mostra:

Alessio Bolognesi, Gianluca Chiodi, Domenico Dell’Osso, Massimo Festi, Luigi Leonidi, Marco Minotti, Silvio Porzionato, Giacomo Rossi, Gabriele Talarico, Vania Elettra Tam, Andrea Valsecchi, Angela Viola, Willow.

Orari di apertura:

Martedì-Venerdì 11.00-13.00 / 17.00-19.00

Sabato  17.00-19.00

chiuso Domenica e Lunedì

Spazio San Giorgio – Via San Giorgio 12/A – Bologna

“5 Elementi 5”  legno . fuoco . terra . metallo . acqua

Armonie e contrasti della natura visti attraverso l’Arte e il Feng Shui

La mostra collettiva  presentata presso il complesso dell’Ex Cartiera Latina di via Appia Antica,  debutterà sabato 11 maggio 2013 con un nuovo allestimento presso 04m Odaka per mostrArti in via S. Maria in Monticelli , 66 -  Roma

Uno spazio contenitore di idee e di arte nella contemporaneità dei suoi artisti, che si mostrano in un contesto differente, nella fusione tra le discipline dello Yoga e la passione per l’arte.

Tra yoga e arte

Dalle idee ai fatti, dagli ideali al suggestivo piacere di vederli prender vita.

La pittura può essere una forma di yoga: lo yoga che propone una creazione, in quello spazio di arte senza confine che si apre al colore e si espande dal colore all’unione.

Scheda tecnica

Titolo della manifestazione: 

5 Elementi 5 / legno . fuoco . terra . metallo . acqua  

Armonie e contrasti della natura  visti attraverso l’Arte e il Feng shui

A cura di: Antonietta Campilongo

Concept: Luigi Straffi

Genere: Arte contemporanea e cultura orientale

Progetto e organizzazione:

Associazione Neworld – ecologia e sociale – NWart – Fengshuiroma school

Ufficio Stampa: NWart

Periodo esposizione: dal 11 al 30  maggio 2013

Sede: o4m Odaka per mostrArti

Indirizzo: via S. Maria in Monticelli 66 – Roma

Vernissage: sabato 11 maggio ore 18.00

Orari di apertura al pubblico: lunedì . mercoledì . giovedì  ore 14.30 – 17.00 martedì . venerdì ore 11.00 – 17.00 | sabato 14.00 – 19.30 | domenica chiuso

Ingresso mostra: libero

Programma sabato 11 maggio:

Ore  18.00    Apertura mostra

Ore   18.30   Breve esposizione teorica sul Feng shui di Luigi Straffi e Pasquale Fonte docenti della Fengshuiroma architecture&design School

Ore   19.00    Demetra | Prosa Poetica di Antonella Catini Lucente

Ore  19.30    Performance di Yoga

Artisti:

Rosella Barretta, Rossana Bartolozzi, Mariagrazia Borhy, Antonietta Campilongo, Cristina Castellani, Antonella Catini, Federica Cecchi, Andrea Ciampini , Elena Colusso, Davidbart (Davide Preti) Sara De Nardis, Francesco Fai, Elvi Maccari, Sante Muro, Lucia Nicolai, Sabrina Pantacchini, Adalgisa Santucci, Claudia Scalera, Angela Scappaticci, Antonella Spanò, Andrea Sterpa, Paolo Vignini.

Performance:

Il moto come onde che si inseguono

degli istruttori dell’accademia di Yoga “Odaka”

• Ruggero Ruggeri
• Paola Bonucci
• Petra Szerdahelyi
• Gaia Del Vecchio

Aver  speso  molto  tempo  a  contatto  con  l’oceano  mi  ha  dato

l’ispirazione  per  creare  una  forma  di  Yoga  “liquida”,  dove  fossero

racchiusi  tutti questi aspetti, dove  i  concetti basilari  si  fondano  su

fluidità, adattabilità, trasformazione e potenza al contempo.

Basato sulle dinamiche del moto degli oceani e dei ritmi corporei ai

quali  ci  connettono,  il  fluire  della  pratica  dello  OYC  ci  offre  la

sensazione  di  “fonderci  con  il  nostro  corpo  fino  ad  assumere  una

forma  liquida”. Nel  far questo,  sperimentiamo un senso di  libertà e

l’abilità  di  trasformare  ogni  vincolo  e  limite  per  scoprire  nuove

“forme” in noi stessi.

Roberto Milletti

Info:

www.nwart.it  -  www.neworldproject.it  – www.fengshuiroma.com

www.mostrarti.it -  www. odaka.it

anto.camp@fastwebnet.it

Tel.  339 4394399 – 393 3298266

5 Elementi 5

legno . fuoco . terra . metallo . acqua

Armonie e contrasti della natura visti attraverso l’Arte e il Feng Shui

L’inizio che non ha mai avuto inizio e mai avrà fine

Sin dall’inizio della civiltà umana, si è sentito il bisogno di arrivare a conoscere il profondo mistero della vita e di svelarne le leggi che la governano. La religione, la filosofia e la scienza hanno indagato in ogni direzione e dato risposte (apparentemente) diverse, nel tentativo di scoprire soprattutto la scintilla dell’origine.

Diverso è stato anche l’atteggiamento tra Occidente e Oriente: razionalizzante, estroverso ed antropocentrico il primo;  introverso, metafisico e naturalistico il secondo.  

Tra le interpretazioni della realtà ultima, tra le vie di conoscenza che astraggono dall’idea di un Assoluto creatore vi è il Taoismo che si sviluppò in Cina alcuni millenni fa.

Nella sua visione, il Tao, la realtà con tutti i suoi fenomeni, è trasformazione ciclica senza soluzione di continuità, esistenza di ciò che accade senza sforzo in quell’istante e in quello spazio. Pensano i taosti: che senso ha interrogarsi concettualmente sull’origine e sulle cause, quando ogni cosa fluisce spontaneamente?

Il Tao agisce con il Ch’i  (il soffio vitale); Il Ch’i con le polarità Yin e Yang; Yin e Yang producono i cinque movimenti: Legno, Fuoco, Terra, Metallo e Acqua.

Qui s’inscrive l’arte (o scienza?) del Feng shui tramandata dei Maestri antichi, la conoscenza dell’alternanza delle forze, dell’equilibrio e del disequilibrio e dei modi per creare l’armonia.

Feng shui (vento e acqua)

Wu-Ji è il vuoto che tutto contiene, calma assoluta senza spazio e senza tempo, è l’indistinto, il non-manifesto, assenza di dualismo. Quando in Wu-ji un dinamismo accade, ecco avvenire la separazione: due poli Yin e Yang; di loro la natura

ci mostra le prove evidenti: il positivo e il negativo, la notte e il giorno, l’inverno e l’estate, il freddo e il caldo, denso e leggero, il concavo e il convesso, e così via per tutte le categorie di opposti. Nessuna qualità formale è loro attribuita, ma solo trasformazione in aspetti mutevoli della stessa realtà. Yin e Yang armonizzandosi dinamicamente nel Tai Ch’i, il simbolo dinamico, sono presenti uno nell’altro, e questa è la loro interdipendenza, l’uno non potrebbe esistere senza l’altro.

Il Ch’i è la forza che scorre in tutto l’universo e che tutto sostanzia, lo yin e lo yang i due opposti in cui essa si alterna; i cinque movimenti (elementi) sono le qualità delle forze con le quali si mostrano le fasi.

Il Legno si espande, crea il Fuoco e depaupera la Terra;

  Il Fuoco ascende, produce la Terra, fonde il Metallo;

La Terra compatta, genera il Metallo, esaurisce l’Acqua;

  Il Metallo concentra, alimenta l’Acqua, taglia il Legno;

Acqua discende, nutre il Legno, annienta Fuoco.

I cinque elementi danno vita a “le diecimila manifestazioni”, ovvero tutto ciò che esiste, appare alla nostra coscienza e chiamiamo realtà.

Luigi Straffi