Secondo i dati diffusi dal Consiglio d’Europa, sono circa 120 le vittime italiane ogni anno, mentre la più completa indagine realizzata dall’Istat sul tema, nel 2006, ha valutato che sono state 7 milioni le donne che hanno subìto nel corso della loro vita violenze sessuali o fisiche.

Mostrami e alcuni giovani artisti hanno scelto di vedere valorizzate le figure femminili come un punto di partenza per un nuovo sistema culturale. Dopo la scomparsa di donne come Rita Levi Montalcini, Gae Aulenti, Mariangela Melato­ – che con il loro diverso contributo hanno giocato un ruolo straordinario per l’Italia intera – crediamo sia giunto il momento d’interrogarci su nuove risorse preziose e di rimetterci in gioco.

Tra gli oltre 70 progetti presentati, la Commissione Tecnica di Mostrami ha invitato i seguenti giovani a partecipare a questa nuova edizione: Alessandra Pivato (pittura), Alessandro D’Aquila (digital art),  Cristina Marasini (fotografia), Davide Dadenes (pittura), Giorgia Moretti (pittura), Ilaria Bochicchio (pittura), Irene  Lucia Vanelli (scultura), Marco      Mondani (videoart), Marica Minotti (fotografia), Rosita Uricchio (pittura), Valentina Ceci (disegno).

Accanto ai loro progetti personali verranno esposti anche i lavori nati dal laboratorio con altri artisti di Mostrami Factory che parteciperanno soltanto alle performance collettive durante i giorni di mostra.

Dalle ore 16 di Sabato 11 Maggio le opere saranno opzionabili sia in location che dalla home page del sito, www.mostra-mi.it.

Il principale obiettivo di Mostrami della promozione dell’arte emergente, viene sostenuto da altri intenti specifici per questo evento:

-  creare un’occasione di consapevolezza/approfondimento delle tematiche suddette e quindi di crescita culturale e sociale in modo particolare per le giovani generazioni,

- dare concretezza alla valorizzazione della donna affinchè ne discendano pratiche puntuali e quotidiane da portare nella vita scolastica, lavorativa, professionale di ogni individuo.

Il progetto ha ricevuto il supporto di Arcidonna e di numerosi blog al femminile (Monkeys Storyes, Genere femminile, La Convivia, Ferma il Femminicidio, Womeninart, Angolo Donne, Donne Magazine, Il Bigodino): abbiamo voluto costruire per l’occasione un vero e proprio sistema sociale e culturale a supporto della donna.

Programma e calendario

La MostraEvento sarà composta da due fasi distinte ma complementari, con un calendario di iniziative ricco e composito che si andrà completando nei prossimi giorni.

10 Maggio 2013 laboratorio artistico “Mostrami Factory”

Presso il CAM Falcone Borsellino gli artisti si confronteranno sul ruolo e sullo stato delle donne oggi in Italia e realizzeranno alcune opere collettive – in partnership con Fondazione Maimeri che fornirà loro i materiali con i quali lavorare.

11 e 12 Maggio 2013 – 6° MostraEvento di Mostrami a Milano

Sempre presso il CAM Falcone e Borsellino di Corso Garibaldi, 27 si terrà la mostra/installazione artistica con performance live e l’esposizione dei progetti personali sul tema dei giovani talenti (pittori, scultori, fotografi, videoartists, streetartist).

La mostra sarà aperta dalle ore 16.00 di Sabato e rimarrà aperta fino alle 22.00

Domenica riaprirà alle ore 10.00 e chiuderà alle 22.00.

Per ulteriori informazioni:

Sandro Aglialoro

(Responsabile del progetto)

347 38 95 473

marketing@mostra-mi.it

www.mostra-mi.it

Dopo un anno di continua attività sulla promozione e la produzione dei primi lavori proposti all’attenzione del grande pubblico, l’esperienza di RadicediK prosegue all’insegna di nuove sperimentazioni.

RadicediK è la nuova realtà milanese nata nel novembre 2011 presso lo Spazio Kryptos Materia dall’incontro di un team di designers, artisti e architetti con la volontà di dare vita a progetti caratterizzati da una forte impronta concettuale.

Con una formula del tutto inedita, RadicediK ha scelto di presentarsi al pubblico proponendo opere che riguardano temi ben definiti e dalla valenza universale. Sin dalla prima mostra (aprile 2012) incentrata su “La conoscenza come percorso di evoluzione e crescita dell’umanità”, RadicediK ha dato conto delle diverse, possibili interpretazioni della materia in un’atmosfera di confronto aperto e scambio collettivo di esperienze fra design e arte.

I 10 progetti esposti, hanno spaziato da approcci di tipo matematico ad altri criteri d’impronta più spirituale. E ancora: da considerazioni sul tessuto della città visto come luogo di stratificazione delle conoscenze; a esiti legati alla ripresa in chiave contemporanea di lontane tradizioni artigianali; fino ai più attuali concetti di riciclo e consumo consapevole, con un occhio di riguardo alla sostenibilità ambientale.

Hamsters Studio, Spazio Asti 17, AMBM Video, Paopao Studio.

Le città come luogo di desideri e turbe collettive: questo il tema delle realizzazioni immaginifiche di Hamsters Studio, di Davide Ratzo Ratti, Marco Teatro e Fabrizio Folco Zambelli, i celeberrimi pinguini e le altre creazioni di Paopao Studio, le installazioni multimediali di AMBM Video, il lavoro di ricerca di Spazio Asti 17 sull’arte e la cultura del recycling con gli artisti e designer Adriana Lohmann, Arlette Vermeiren, Caterina Crepax, Dalaleo, Filippo Minelli, Marillina Fortuna, Riccardo Grazioli, 13 Ricrea.

Gli artisti che lavorano nelle città non possono fare a meno di rappresentare i molteplici volti che le configurano. Sul tema, vi aspettano in Via Privata Asti 15 e 17 dal 9 al 14 aprile 2013, dalle 15 alle 21.

Hamsters Studio è un laboratorio artistico dove si realizzano oggetti teatrali, scenografie, plastici architettonici, installazioni artistiche e… tutto quello che non esiste.

www.hamsterstudio.it

Spazio Asti 17 - l’isola cittadina dove si fondono arte e società, è l’innovativo loft polivalente milanese pensato dai pubblicitari Valentina Martin e Riccardo Grazioli. In un ex autofficina, di fianco al Teatro Nazionale, 300 metri quadrati sono stati allestiti con materiali e arredo di eco-design, realizzati con le tecniche del riuso. Per far convivere, in modo salottiero e friendly, più realtà curiose o accattivanti.

www.spazioasti17.it

AMBM si occupa di progettazione e sviluppo di siti web, video, installazioni, trovando uno stimolo e un punto di partenza nella trasversalità dei linguaggi, delle tecniche e delle tecnologie.

www.ambm.it

Paopao Studio è un laboratorio di progettazione grafica e artistica, caratterizzate da un elevato livello di creatività, comunicazione visiva, montaggio, oggetti e produzione di merchandising.

www.paopao

ESPONGONO:

Adriana Lohmann – Lighting designer, con una costante ricerca sui materiali, spesso provenienti dal mondo della moda, crea lampadari di forte impatto visivo e scenografico, di design eclettico e realizzati in materiali esclusivi. Le sue creazioni, realizzate interamente a mano, sono tendenti al gioiello e talvolta ironiche….tra l’abito e l’abitare.

www.adrianalohmann.com

Arlette Vermeiren Zucoli – Da vent’anni Arlette recupera la carta privilegiando quella leggera che avvolge le arance, gli amaretti di Saronno, le caramelle e i Baci, carta velina che lei fila con le dita e che, nodo dopo nodo, trasforma in leggiadre cascate trasparenti. Le sue opere sono state presenti in numerose esposizioni in Europa, America e Canada, dal Mudan di Lussemburgo al teatro Raffaello Sanzio di Urbino, dalla Biennale del Lino in Quebec.

Caterina Crepax – Un architetto che progetta abiti come luoghi dell’abitare del corpo, come scenografie pret a porter. Comuni scontrini, documenti triturati, avanzi di carte da parati e lavori di tipografia diventano gioielli, accessori, sontuosi abiti, talvolta illuminati al loro interno, oggetti del desiderio grazie alle tecniche di recycle design.

www.caterinacrepax.com

Dalaleo – Quando ho visto per la prima volta in Brasile questo prodotto mi è piaciuto tantissimo e me lo sono comprato… poi…con il tempo ho capito il suo vero valore. Mi sono spiegata solo in seguito perché per le strade di questo fantastico paese continuavo ad osservare uomini con grandi sacchi che raccoglievano le lattine usate di birra e altre bevande, rovistando fra l’immondizia.

www.dalaleo.it

Davide “Ratzo” Ratti – produce immagini di gesto figurativo rappresentanti la vita quotidiana in chiave critica. Rielabora prospettive, skyline e gioca con il tempo della vista che fa eco alla memoria di ognuno di noi. Non disdegna di giocare con il gesto del gettare colore sulla tela: lo interpreta in chiave metaforica, mostrando letteralmente un lancio di colore, sconfinare su altre tele, conquistando uno spazio più libero e imprevedibile. Metafora dell’impulso creativo che supera i limiti di questa ragione “quadrata”, cartesiana e trasforma la materia-colore in traccia.

http://www.premioceleste.it/ratzo

Fabrizio Folco Zambelli - I suoi studi artistici e Architettonici lo portano ad interessarsi al  territorio costruito. Da anni “pratica” il mondo della fotografia, in particolare si dedica alla documentazione del territorio urbano; oltre ai fotogrammi, modelli architettonici e scenografie non disdegna il lavoro manuale creando pannelli con materiali di recupero, legno,metallo e fotografie.

Filippo Minelli – Giovane street artist italiano, esprime la sua arte attraverso l’uso della parola, graffiti, installazioni e semplici disegni, tutti inseriti in contesti (urbani) insoliti. Filippo Minelli coniuga tre tipologie coessenziali e complementari di produzione artistica individuabili come installazioni, opere fotografiche e pittoriche.

www.filippominelli.com.

MarcoTeatro è un artista poliedrico, pittore e scenografo, pioniere della street-art, le sue opere rappresentano per lo più paesaggi onirici dalle prospettive inusuali che colgono aspetti della realtà apparentemente banali e insignificanti per l’uomo contemporaneo, perché non è grado e non vuole codificarli.

www.marcoteatro.it

Marillina Fortuna – Le sue creazioni, realizzate con materiali abbandonati sulla spiaggia o portati dal mare, introducono alla nuova estetica dello scarto declinandola secondo natura. Pezzi di legno, bottiglie vuote, brandelli di plastica e vecchi chiodi si uniscono formando paesaggi, volti, animali e fiori. Il junk prende così nuova vita e si ammanta di poesia in un fraseggio cromatico tra il fiabesco e l’espressionista, tra il sogno e il dramma della nostra grande, quotidiana spazzatura.

www.marillinafortuna.it

Riccardo Grazioli – Graphic designer e creativo poliedrico, tra le numerose attività si dedica alla riqualificazione pittorica degli scarti prodotti dall’industria della comunicazione e dell’immagine. Ne ricava opere di grande intensità espressiva, dove materiali e colori dialogano alla ricerca del sodalizio estetico perfetto.

13 Ricrea – Ricreare con gli scarti, PVC, feltro, materiali plastici: tutto quello che viene scartato dall’industria può diventare arte o contribuire a strutturare un nuovo concetto di design votato all’estetica funzionale dell’up-cycling. 13Ricrea ridisegna il concetto di risorsa.Materie e materiali derivanti dal recupero vengono infatti utilizzati per creare nuovi oggetti,

allestimenti, progetti. Per ridurre l’impatto della creazione sull’ambiente, tutto il ‘recuperato’ non viene riprocessato e si cerca di far coincidere i luoghi di produzione con quelli di lavorazione.

www.crearicrea.com

AMBM – La rete, nell’era della sua maturità, come surrogato speculare delle relazioni urbane. Partendo da questa ipotesi ci si affaccia sullo stato di queste due realtà simbiotiche e contrapposte, se ne intuisce il declino, se ne percepisce la decandenza. Cercando di scansare l’impeto dell’apparente uniformità della massa, si possono riconoscere i tentativi di mutazione, di riappropriazione o di mimesi, declinate a volte in mero esercizio di stile, a volte in tentativo di sviluppo, ovvero in creazione di microscopici universi impermeabili, nel difficile tentavivo di escludere la moltitudine uniformante. 

www.ambm.it

ORDINE IMPERFETTO

bijou creati da

Cristina Bellucci per BB maglieria.

L’esposizione fa parte della rassegna Gioielli Effimeri,

un ciclo di mostre dedicate ai gioielli realizzati

con materiali insoliti, curata da

Gloria Tranchida.

Gioielli Effimeri è una rassegna di mostre che porta a Trevignano Romano le creazioni delle artiste del gioiello che lavorano con materiali alternativi ai metalli preziosi. Creazioni dedicate a chi della bellezza ama soprattutto il lato effimero e sa apprezzarne il valore artistico. L’esposizione si svolge nel piccolo ma elegante spazio di Vanda Liguori, artista e creatrice di bijou che apre le porte del suo atelier ad altre creative del gioiello.   

All’interno di questa rassegna, dedicata alle preziosità per pochi, si inseriscono le creazioni di Cristina Bellucci, stilista di moda laureata allo IED di Roma con alle spalle un bagaglio di alta formazione nel fashion designer, nonostante la giovane età. Al centro della sua ricerca estetica c’è la sperimentazione di materiali, forme e volumi innovativi. Cristina percorre continuamente strade  di trasformazione del concetto Moda sia quando elabora capi in tessuto, che quando crea lavori in maglia o, come in questo caso, quando si cimenta nell’inventare collane e bracciali, che sono stati ideati per essere coordinati con le creazioni di BB maglieria.  

Ordine e Caos, situazioni opposte ma complementari, senza l’uno l’altro non esisterebbe. Così nella mostra-esposizione “Ordine Imperfetto” vengono descritti questi due concetti antitetici attraverso i gioielli originali ed unici ideati da Cristina Bellucci, concepiti per essere coordinati con le creazioni di BB maglieria. Collane colorate composte da cerchi rivestiti da nastri di seta coesistono armoniosamente con i bijou creati dal caotico intrecciarsi di fili di silicone trasparente e nero.
Forme geometricamente perfette vs l’entropia del caso in un percorso che si pone come obiettivo l’esaltazione della bellezza attraverso l’utilizzo di materiali innovativi e di riciclo. Questo è un tipico esempio di design del nuovo millennio.

TITOLO DELLA MOSTRA: Ordine Imperfetto

ARTISTA: Cristina Bellucci

CURATRICE: Gloria Tranchida

DURATA: 5 – 13 ottobre 2012

LOCATION: Studio d’arte Vanda Liguori

INDIRIZZO: viale G. Garibaldi 45 – Trevignano Romano (Rm)

ORARI: lunedì – giovedì 17.00/20.00, venerdì – domenica 10/13.00 – 16.00/20.00

INFO: 333.7330045

La serata,  che si svolgerà al Caffè Letterario, è dedicata al confronto fra membri della community creativa di Roma. Verranno presentati e discussi portfolio e lavori creativi negli ambiti architettura, design, grafica, illustrazione, fotografia, videomaking e food design sia di professionisti affermati che di giovani emergenti.

Fra gli ospiti anche docenti ed esperti con cui interagire durante una tavola rotonda in cui verrà animato un dibattito sul tema “Roma: peculiarità, tendenze e vizi del lavoro creativo”.

E’ l’occasione per consolidare la community romana, per conoscersi e confrontarsi. Ma è anche l’opportunità per creare nuovi contatti con aziende interessate ad “acquistare” lavori creativi nella capitale.

Per iscriversi alla serata (ingresso gratuito):

http://www.meetup.com/BehanceReviews/Roma-Italia/787492/

Behance Portfolio Reviews Roma

In collaborazione con:

Materia applicata www.materiaapplicata.it
WU magazine www.wumagazine.com
Ceramiche Appia Nuova www.ceramicheappianuova.com

29 ottobre 2012 – ore 18:30 -23:00

Caffè Letterario – viale Ostiense, 95 Roma

D’Arc.Studio – Desperate Architects Rome City – studio di Architettura multidisciplinare che spazia dall’Architettura al Design Industriale sfruttando strumenti analogici e digitali per la concezione di progetti che viaggiano sulla linea guida della sperimentazione e dell’innovazione, della sostenibilità e dell’ecologia, e soprattutto dell’ironia e della semplicità. http://www.darc-studio.eu/

Dal 24 maggio al 2 giugno, Embrice for Creje, presenta la mostra “Sulla pelle” dedicata ai complementi-gioielli di Barbara Brancaleoni nell’edizione 2012: nuove proposte che raccontano l’evoluzione di una ricerca attorno al tema dell’uroboros, prototipo–simbolo della sua collezione.

Da “Poveri-Preziosi”, l’edizione 2010 della personale da Embrice, il gioiello contemporaneo contraddistinto dal marchio Bibijou, si è affermato con successo, guadagnando visibilità su importanti piattaforme di moda, arte e artigianato, e in occasione di Altaroma 2011.

La mostra che si svolge nella cornice dell’emporio dell’handmade Creje, situato nel cuore del rione Monti a Roma, propone una breve antologia di creazioni realizzate con ritagli di pelle, metalli, legni e pietre levigati dal mare e dal tempo, in forme sinuose che assecondano le linee del corpo femminile.

Carla Corrado

L’ Open Day — all’insegna di laboratori creativi, workshop con aziende, lezioni dimostrative e seminari — è promosso dall’Accademia di Costume e di Moda, una realtà di eccellenza formativa nel campo della Moda e del Costume da quasi cinquant’anni. Nel cuore di Roma, in centro storico, l’Accademia di Costume e di Moda è un punto di riferimento di eccellenza per la qualità e la varietà dell’offerta didattica; da qui ogni anno iniziano il proprio cammino professionale gli allievi dell’Accademia, pronti ad offrire le proprie competenze ed abilità alle dimensioni lavorative del teatro, del cinema, della televisione.

Durante l’Open Day del prossimo sabato 19 Maggio verranno presentati i nuovi esclusivi percorsi formativi offerti dall’Accademia, come il Diploma Universitario di Costume e Moda del prossimo anno accademico 2012-13, i Corsi di Alta Formazione — come il Corso di Comunicazione di Giornalismo di Moda con inizio nel mese di Giugno —  i Corsi di specializzazione e i Corsi estivi. La partecipazione all’evento è rivolta a tutti, studenti, laureati, laureandi, e l’iscrizione all’Open Day è del tutto gratuita: basta andare sul sito ufficiale dell’Accademia di Costume e di Moda e compilare un semplice form di richiesta.

E allora Vivi l’Accademia e Scopri il tuo Mondo: l’Open Day si svolgerà a Roma, presso la sede dell’Accademia in via della Rondinella 2, e offrirà a tutti i partecipanti la possibilità di realizzare la propria borsa, disegnare l’abito dei propri sogni, progettare un costume di scena, realizzare un trucco beauty o effetti speciali. Un’occasione straordinaria per mettere alla prova le proprie abilità e dare voce al desiderio nascosto di diventare creatori di stile e professionisti della Moda e del Costume.

Rivolto a laureati, laureandi, diplomati ed operatori del settore, la durata del corso di Comunicazione di Moda è di sei mesi. La frequenza è in formula weekend e prevede un programma di lezioni in aula, seminari, visite a mostre e/o eventi, atelier e showroom, incontri con professionisti del settore.

Il Master in Comunicazione di Moda offre inoltre l’opportunità di uno stage a fine corso, un’esperienza che permette di essere in contatto con le realtà del settore in cui l’allievo potrà dimostrare le conoscenze e le competenze acquisite durante le ore di lezione.

Evento inserito nel Fuori Salone di Milano 17-22 Aprile 2012

Nei locali de Le Trottoir, in Piazza XXIV maggio, 1, a Milano, nell’ambito degli eventi “Du Droit à la Chaise” di Mat&AleCo, sarà presentata una suggestiva installazione della poltroncina in metacrilato Du Droit, progetto del nipote di Gio Ponti, Matteo Licitra, e di Maria Alessandra Columbu.

Durante l’happy hour di martedì 17 e di domenica 22 aprile, si terranno improvvisazioni di musica atonale alla tastiera, di Matteo Licitra, insieme ai ritmi meravigliosi del percussionista Marco Renna in arte Marujo, voci di Michelle Vasseur e di Maria Alessandra Columbu.

La poltroncina Du Droit, come afferma la stessa Columbu, riflette le prospettive dell’approccio di Gio Ponti verso la composizione, attraverso l’esplorazione degli spazi. Così, ad esempio, all’Istituto Italiano di Cultura di Stoccolma, dove lo scorso febbraio c’è stato il primo evento “Du Droit à la Chaise”, la poltroncina Du Droit assumeva aspetti differenti, e diventava tutt’uno con l’edificio e gli arredi, entrambi progettati da Gio Ponti, interagendo mirabilmente con gli spazi, i suoni, i silenzi, e i panorami esterni e interni, in un’atmosfera singolare.

Venite a visitare l’installazione a Le Trottoir, scoprirete come dodici poltroncine Du Droit trasformano lo spazio aereo del patio, giocando con la luce, riflettendo colori, come antichi lampadari di cristallo.

POLTRONCINA DU DROIT

di  Mat&AleCo®

La poltroncina Du Droit, è trasparente e, per quanto massiccia, non adombra quel che accompagna: è oggettivamente pesante, e nel contempo, è leggera, eterea.

È lucida e riflette l’ambiente che la circonda.

È ricca, ma è discreta, fa risaltare qualsiasi cosa, in qualsiasi ambiente. Eppure, “sa essere protagonista” in qualsiasi ambiente.

Il fianco della poltroncina, a forma di freccia, vuole essere una citazione del primo logo Alitalia disegnato da Gio Ponti nel 1940. «È un omaggio a mio nonno Gio», dice Matteo Licitra, che ha disegnato con Maria Alessandra la Du Droit.

Realizzata in PMMA pieno, pesa circa 14 Kg. È comoda, ergonomica, e robusta. Testata per più di 4 anni, in condizioni severe d’uso, anche in esterno, non ha evidenziato problemi di sorta, ed è sempre come nuova.

CURRICULA

Maria Alessandra Columbu

Milanese, progetta parchi e giardini pubblici e privati. È consulente marketing del territorio, industrial designer e d’interni, pittrice.   Telefono: +39.347.0441733

Matteo Licitra

Milanese, architetto, designer, artista, come il nonno Gio Ponti. Esperto in marketing strategico, vive e lavora tra Milano e la Romagna insieme a Maria Alessandra.   Telefono: +39.348.3153936

Mat&AleCo

Matteo e Alessandra identificano con questo marchio le opere, i progetti, le azioni, che realizzano in comune. «Il nostro privilegio e la nostra forza: riconoscere il valore l’uno dell’altro, e il valore degli altri, sì che ognuno dia il meglio di sé».    E-mail: info@macprogetti.it

presenta l’installazione Apparecchiare la città

L’installazione propone una “città di oggetti”, un paesaggio gastronomico portato in tavola, un tavolo che accoglie come emergenze degli iconici oggetti-monumento (o sono forse edifici in miniatura?) in un continuo gioco di rimandi tra architettura e design, tra dimensione urbana, domestica e culinaria.

Di nuovo, con leggerezza e ibridando le parti, ci muoviamo “dal cucchiaio alla città”… perché, qui, “il cucchiaio E’ la città”!

Di nuovo, ma con leggerezza e mescolando le carte, ci muoviamo “dal cucchiaio alla città”… perché, qui, “il cucchiaio E’ la città”!

www.facebook.com/apparecchiarelacitta

www.facebook.com/ghigos

www.ghigos.com

www.apparecchiarelacitta.it

Stanca di sostenere il regale fondoschiena di Cenerentola, invidiosa di un futuro non suo, la zucca ha preso il sopravvento e ha deciso di ritagliarsi un ruolo e, memore dell’antico servigio reso, ha deciso di schierarsi contro l’eroina.
Da questo nasce Semi di Zucca una rubrica di strisce pensata da Consuelo Costa e realizzata da Mauro Tosi

Il cibo non solo emana buoni profumi ma anche cultura. Una
ricetta tradizionale, la forma del piatto che la contiene ed anche il semplice
augurio “buon appetito”: tutto ciò fa parte del patrimonio civile di un popolo.
L’atto del mangiare è spesso paragonato ad un rito e come tale dovrebbe
essere sempre un gesto carico di senso ed attenzione, un momento di
incontro, un convivio appunto.
Lo studio di architettura 70m2 intende esplorare questo vasto tema
presentando al pubblico suggestioni multidisciplinari intorno all’anima
del cibo. Immagini tratte dal cinema e dalla fotografia, contenuti di libri e
musica sull’argomento, faranno da cornice agli accessori per la tavola
presenti in mostra e selezionati tra le creazioni di designers che si sono
espressi con i migliori risultati in questo campo. Come sempre nello stile di
70m2, l’ambientazione sarà seguita con grande cura ed originalità e si
avvarrà di sistemi espositivi non convenzionali basati sul riutilizzo di materiali
legati all’industria alimentare.
In una dimensione leggera e divertente, vivacizzata da un calendario di
aperitivi e laboratori tematici, saranno offerti al visitatore stimolanti spunti
di riflessione.
La serata inaugurale, su invito, sarà affidata alla direzione gastronomica
dello chef Enrico Sarno che elaborerà un menù lasciandosi ispirare dalle
forme e dai colori degli utensili forniti dalle aziende coinvolte. Una qualificata
sommelier, Silvia Magrin, si occuperà invece dell’abbinamento dei vini.

Elenco di alcuni DESIGNERS partecipanti:
A/R STUDIO | AZNOM DESIGN | Agnieszka BAR | Alessandro BUSANA
Odoardo FIORAVANTI | Kåre FRANDSEN | GUMDESIGN | Giulio IACCHETTI
Aïssa LOGEROT | MAEZM | Marco MAGGIONI | Emanuele MAGINI | Chiara MORESCHI
Lorenzo PALMERI | Matteo RAGNI | Giovanni SCAFURO | Ogata SHINICHIRO
Michele VENISTI | Carlo TREVISANI | ZO-loft
FOOD PHOTOGRAPHERS:
Andrea ANGELUCCI | Pier Giorgio CORRADIN | Nando ESTEVA | Francesca MOSCHENI
AZIENDE:
Fiftytwoways ltd | Guardini | La tete au cube | Mebel
Pandora design | Seletti | Serafinozani | Vilca | Wasara
CASE EDITRICI:
Compositori | Corraini | Edizioni Il Ciliegio | Progedit

con il contributo di: Badia di Morrona e Poderi dei Bricchi Astigiani, SA.BA., AZNOM, CHS-online

PROGRAMMA DEGLI APPUNTAMENTI:

3 dic. ore 18> Inaugurazione
6/13 dic. ore 17> STASERA APPARECCHIO IO! Laboratorio per bambini | ideazione AlèAlè | seguici su FB
14 dic. ore 17> VISUAL FOOD. Laboratorio per adulti | chef Enrico Sarno
15 dic. ore 17> IL PITTORE FA LA SPESA. Laboratorio per bambini | ideazione studio 70m2 | seguici su FB
16 dic. ore 19> BIANCO free or pay | evento unico
19 dic. ore 17 > L’ARTE NELL’ORTO. Laboratorio per bambini | ideazione studio 70m2

Periodo: dal 3 al 22 dicembre 2011
Città: Livorno
Sede: Studio di Architettura 70m2
Indirizzo: Via Poggiali, 10
Inaugurazione su invito: giovedi 1 dicembre ore 21:00
Opening: sabato 3 dicembre ore 18:00
Orari: da Lun a Ven 9:30/13 e 16/19:30 | Sab 16/20
Domenica chiuso
Ingresso Gratuito
Info: t/f +39 0586 897477 | www.70m2.it | info@70m2.it

INAUGURAZIONE GIOVEDI 1 DICEMBRE 2011 ore 21

serata speciale su invito | chef: Enrico Sarno | sommelier: Silvia Magrin

Il cibo non solo emana buoni profumi ma anche cultura. Una ricetta tradizionale, la forma del piatto che la contiene ed anche il semplice augurio “buon appetito”: tutto ciò fa parte del patrimonio civile di un popolo. L’atto del mangiare è spesso paragonato ad un rito e come tale dovrebbe essere sempre un gesto carico di senso ed attenzione, un momento di incontro, un convivio appunto.

Lo studio di architettura 70m2 intende esplorare questo vasto tema presentando al pubblico suggestioni multidisciplinari intorno all’anima del cibo. Immagini tratte dal cinema e dalla fotografia, contenuti di libri e musica sull’argomento, faranno da cornice agli accessori per la tavola presenti in mostra e selezionati tra le creazioni di designers che si sono espressi con i migliori risultati in questo campo. Come sempre nello stile di 70m2, l’ambientazione sarà seguita con grande cura ed originalità e si avvarrà di sistemi espositivi non convenzionali basati sul riutilizzo di materiali legati all’industria alimentare.

In una dimensione leggera e divertente, vivacizzata da un calendario di aperitivi e laboratori tematici, saranno offerti al visitatore stimolanti spunti di riflessione.

La serata inaugurale, su invito, sarà affidata alla direzione gastronomica dello chef Enrico Sarno che elaborerà un menù lasciandosi ispirare dalle forme e dai colori degli utensili forniti dalle aziende coinvolte. Una qualificata sommelier, Silvia Magrin, si occuperà invece dell’abbinamento dei vini.

DESIGNERS:

A/R STUDIO | AZNOM DESIGN | Agnieszka BAR | Alessandro BUSANA | Odoardo FIORAVANTI | Kåre FRANDSEN | GUMDESIGN | Giulio IACCHETTI

Aïssa LOGEROT | MAEZM | Marco MAGGIONI | Emanuele MAGINI | Chiara MORESCHI Lorenzo PALMERI | Matteo RAGNI | Giovanni SCAFURO | Ogata SHINICHIRO

Michele VENISTI | Carlo TREVISANI | ZO-loft

FOOD PHOTOGRAPHERS:

Andrea ANGELUCCI | Pier Giorgio CORRADIN | Nando ESTEVA | Francesca MOSCHENI

AZIENDE:

Fiftytwoways ltd | Guardini | La tete au cube | Mebel | Pandora design | Seletti | Serafinozani | Vilca | Wasara

CASE EDITRICI:

Compositori | Corraini | Edizioni Il Ciliegio | Progedit

con il contributo di: Badia di Morrona e Poderi dei Bricchi Astigiani, SA.BA., CHS-online, AZNOM

Periodo: dal 3 al 22 dicembre 2011

Città: Livorno

Sede: Studio di Architettura 70m2

Indirizzo: Via Poggiali, 10

Inaugurazione su invito: giovedi 1 dicembre ore 21:00

Opening: sabato 3 dicembre ore 18:00

Orari: da Lun a Ven 9:30/13 e 16/19:30 | Sab 16/20

Domenica chiuso

Ingresso Gratuito

Info: t/f +39 0586 897477 | www.70m2.it | info@70m2.it

Un team di esperti, alla continua ricerca di idee innovative ed esclusive da proporre, è a disposizione dei clienti per arredare casa, soddisfare un desiderio o semplicemente per regalare un oggetto indimenticabile.

In controtendenza con il mercato attuale, popolato di siti web freddi e impersonali, in HiDesign il rapporto umano con il cliente è al centro di ogni azione.
In qualsiasi momento il cliente può comunicare con lo staff di HiDesign tramite email, tramite telefono, tramite live-chat.
L’obiettivo è quello di instaurare un rapporto di reciproca fiducia e collaborazione.

Inoltre, lo staff composto da architetti, decoratori e interior designers è pronto a risolvere ogni genere di esigenza.

HIDESIGN.it è il nuovo “negozio di fiducia”… online!

HIDESIGN.it
www.hidesign.it | Email: marketing@hidesign.it
Tel.: +39 080 2221075 | Fax: +39 080 2140442
Clienti: servizioclienti@hidesign.it | Interiors: interior@hidesign.it

Venice Design Week II edizione, 1-9 ottobre 2011

Industria, design, arte e artigianato si incontrano a Venezia

A partire dal 1 ottobre il design torna ad essere protagonista a Venezia, con la seconda edizione di Venice Design Week, organizzata dal’associazione Vogliadarte: dieci giorni dedicati alla creatività e alle sue interazioni con la storia e con il territorio veneziano.

La contaminazione tra il mondo produttivo, l’artigianato e le arti visive è peculiare nella storia della città, e continua a vivere grazie ad un progetto assai articolato: dal 1 al 9 ottobre 2011 la città si animerà con una serie di esposizioni di designer italiani e stranieri attorno al tema LIQUIdiSEGNI; percorsi guidati permetteranno di scoprire i luoghi dell’arte applicata, laboratori daranno l’occasione a grandi e piccini di divertirsi esplorando Venezia. Una serie di talks con esperti del settore, personalità autorevoli e giornalisti permetteranno di indagare il pensiero progettuale nella sua accezione polisemica, a partire dalle interazioni tra giornalismo 2.0 e prodotto, passando per il mondo del design interattivo, viaggiando tra territorio fisico e virtuale.

Per il secondo anno consecutivo, viene proposto il concorso internazionale “Fare cose/art/handcraft/industry”: i designer partecipanti provengono da Italia, Germania, Francia, Belgio, Spagna, Cile e Indonesia. Un occasione per misurarsi sulle contaminazioni tra design, arte, artigianato e industria nell’oggetto di tutti i giorni.

L’evento è ideato dall’associazione veneziana vogliadarte.it.

Patrocini: Regione Veneto, Città di Venezia

Partecipano al progetto: IED (Istituto Europeo di Design), Design Akademie Berlin, Scuola Italiana di Design, Associazione Spiazzi, Associazione ricerca Format-c

Segreteria organizzativa: AD3.it

Il programma dettagliato e il calendario verranno resi noti tramite conferenze stampa e pubblicati sul sito.

Seguici su: www.designweek.it

http://www.facebook.com/profile.php?id=100001171307521

http://twitter.com/#!/venicedesign

press office Venice Design Week

S. Marco 3188A – 30125 Venezia

press@designweek.it

mobile +39 3298740881

www.designweek.it

incontrano

Hérétique Design

•

opening venerdì 17 giugno ore 19:00

Borgo Santa Croce n°15/r, Firenze

Maono Food / Art Gallery e i.ovo Arte e Cultura Contemporanea incontrano lo studio Hérétique Design che darà vita all’evento 17.

Il titolo richiama esplicitamente la data d’inaugurazione, un giorno del calendario carico di una superstiziosa avversità. Proprio in risposta a tale comune sentire nei confronti della fatidica giornata, l’Hérétique Design propone un diverso punto di vista nei confronti delle avversità, considerandole non solo ostacoli da superare ma anche come diverse possibilità per percorrere la vita in maniera inaspettata: si può scegliere d’imbattersi in avversità per maturare un diverso punto di vista, gustando il piacere della sfida, indipendentemente dal trovarsi, in seguito, dalla parte dei vincitori o dei vinti.

Lo stesso nome Hérétique cita, rievocandone l’immagine, il gommone a vela di Alain Bombard, il ‘naufrago volontario’ che ‘si lasciò letteralmente andare’ contro le avversità di sessantacinque giorni per mare, teorizzando, infine, che nella maggior parte dei casi a spingere i naufraghi verso la morte siano cause psicologiche come la disperazione e la paura e che, al contrario, affrontare volontariamente tale esperienza può condurre, come nel suo caso, a inaspettate rivelazioni.

Cosa accadrà venerdì 17 giugno?

Suggestioni di mari in tempesta saranno le protagoniste di un video che re-mixa diversi filmati conferendo a questi ultimi un inaspettato sapore romantico; pur essendo frammenti di fredde riprese militari, i filmati sapranno coniugarsi suggestivamente con le rievocazioni dell’impresa di Bombard, immortalata in una serie fotografica che ripercorre l’avventura contro e per l’avversità, quasi concretizzata dall’immagine di uno squalo che, imperterrito, ha continuato a seguire questo piccolo Ulisse per gran parte del viaggio.

La creatività è uno stile di pensiero che si esprime in processi mentali caratteristici. Procede essenzialmente per associazioni tra idee, concetti, fatti, e dà origine a idee e concetti nuovi, invenzioni, scoperte: insomma, a risultati tanto originali quanto efficaci. Non è semplice dare una definizione sintetica e non riduttiva della creatività: la capacità di produrre pensiero creativo, come quella di comunicare o di apprendere, è una metacompetenza, cioè un’abilità trasversale, che può essere applicata a campi diversi (arti, scienze, tecnologia, impresa…).  

Ognuno di noi ha oggetti che ci rappresentano e ci raccontano nel tempo per non dimenticare e non dimenticarci. Il “buon design” è prima di tutto design dell’idea, in quanto è il significato che plasma l’oggetto; si basa sulla contaminazione fra discipline, perché da questo nasce l’identità del progetto; sperimenta linguaggi e diviene messaggio. Compito del designer è dunque quello di ideare concetti che scaturiscano da riflessioni sul vivere quotidiano, dalla sua interpretazione e di costruire un prodotto nuovo, con un’utilità intima, capace sì di variare al mutamento degli stili e delle mode, ma di rimanere sempre attuale, in quanto muove da bisogni e necessità che l’uomo ha sempre avver­tito. Il gesto diventa stimolatore di nuove idee in quanto ci offre la possibilità di disegnare un oggetto parten­do dal movimento insito in esso; allo stesso modo, a livello di modalità progettuale, diviene un nuovo, inedito pretesto per avvicinarsi al progetto. Porre l’attenzione ai gesti è risultato fondamentale anche per capire le modalità di utilizzo dell’oggetto, in particolare quei modi naturali e istintivi, compiuti senza consapevolezza.  Non ultimo il gesto rappresenta un modo intimo, semplice e discreto per interagire con gli oggetti.  Specificando che creatività significa capacità di produrre nuove idee , inoltre, il dizionario conferma che l’atto creativo è preliminare all’atto di innovare (cioè di trasformare introducendo sistemi o metodi nuovi, De Mauro). La creatività (fenomeno mentale) precede sempre l’innovazione (fenomeno economico, sociale e culturale) generando idee che, una volta comunicate, condivise e adottate dalla collettività, sviluppano innovazione. Spiegando che la capacità creativa produce invenzioni,il dizionario sottolinea che la creatività si può applicare indifferentemente alle arti, alle scienze o alla tecnologia. Sia a ciò che di nuovo produciamo che al modo (nuovo) in cui produciamo qualcosa, quindi sia ai prodotti che ai processi di produzione.

Le profonde trasformazioni che investono il mercato richiedono al mondo produttivo nuove forme di pensiero e metodologie di azione. Che cosa significa progettare ciò che è stato interpretato come sistema prodotto, senza il rischio di ridurlo o la pretesa di esaurirlo? E, soprattutto, “è concepibile, e in che termini, ideare, studiare le possibilità di attuazione o di esecuzione di ciò che è stato percepito e inteso caotico, pluripolare, dipendente dal rischio, difficile da governare, controllare, prevedere, predeterminare, delimitare”. La strada appare in salita e da un’analisi più attenta emerge che, come scrive J. L. Le Moigne, “la complessità è nel codice e non nella natura delle cose… e dunque… se costruita, la complessità più inestricabile diventa progettabile”. Il fenomeno prodotto non è in sé né semplice né complesso; quindi è chi lo osserva che lo percepisce, sulla base della sua esperienza cognitiva ed emozionale in termini di disordine, molteplicità di elementi, difficoltà…”Il problema dell’osservatore progettista”, afferma Edgar Morin, “appare capitale, critico, decisivo (…) deve disporre di un metodo che gli permetta di progettare la molteplicità dei punti di vista e poi di passare da un punto di vista all’altro. Deve disporre di concetti teorici che invece di chiudere e isolare le entità, gli permettano di circolare produttivamente”. “Per me, il design è un modo di discutere la vita. È un modo di discutere la società, la politica, l’erotismo, il cibo e persino il design. Infine, è un modo di costruire, una possibile utopia figurativa o di costruire una metafora della vita. Certo, per me il design non è limitato dalla necessità di dare più o meno forma a uno stupido prodotto destinato a un’industria più o meno sofisticata; per cui, se devi insegnare qualcosa sul design, devi insegnare prima di tutto qualcosa sulla vita e devi insistere anche spiegando che la tecnologia è una delle metafore della vita”…da un pensiero di  Ettore Sottsas. Il pensiero creativo consiste nel farsi domande e nell’affrontare problemi o quesiti a partire da solide conoscenze , ma adottando nuove prospettive, con l’obiettivo di trovare soluzioni innovative ed efficaci qualsiasi sia l’ambito di applicazione. Questo stile di pensiero si esprime in un processo che ha andamenti non sempre lineari, e consiste nel raccogliere, selezionare e riconfigurare le informazioni necessarie tra tutte quelle disponibili, individuando connessioni utili a generare conclusioni nuove. Un’idea che funziona -in qualsiasi ambito, compreso quello delle arti- è un seme che ha la capacità di germogliare e che, germogliando, crea un ambiente adatto alla diffusione di altri semi, che a loro volta germoglieranno. Ma, senza una quantità di buoni semi, messi in terra nel modo giusto, non si raccoglie niente. E, alla fin fine, non si produce niente di buono.

Angelo Minisci

Oggetti di design e artigianato per la tavola sono presenti in una mostra-installazione sul tema della apparecchiatura e degli strumenti da tavola.

Protagonisti gli articoli dell’azienda Colle Vilca Cristalleria  di Colle Val d’Elsa che si distinguono per qualità estetica e per l’originalità nella riscoperta della grande tra­dizione artigiana locale.

La mostra è concepita per dialogare con i nuovi percorsi del gusto, mettendo l’accento sull’aspetto “décor” della tavola e non solo.

LA TAVOLA DI ALICE riflette sul tema dell’interazione a tavola.

Lo stare a tavola è condizionato da secoli di riti, tradizioni e regole che hanno fatto na­scere gli oggetti che vediamo ogni giorno sulla nostra tavola.

Si può apparecchiare la tavola in modo fun­zionale, decorativo, oppure si può mettere alla prova il grado di rispetto delle regole di galateo dei commensali.

L’idea è quella di poter realizzare una tavo­la apparecchiata modificandola con picco­li accorgimenti per stravolgere l’interazio­ne a tavola e le nostre abitudini quotidiane.

Provocazione, gioco, divertimento si insi­nuano nel progetto in una sorta di vitale desiderio di sperimentare e sovvertire.

Se è vero che il consumo segue l’impulso e non la ragione; è inevitabile che si acquisti non per bisogno di funzioni, ma, seguen­do sogni e sensazioni, gli oggetti diventano compagni rassicuranti delle nostre solitu­dini edonistiche.

Il progetto nasce da questi presupposti concettuali, dall’idea di mescolare stili, ma­teriali e sensazioni, per dar luogo a una colle­zione di oggetti mirati a valorizzare e rein­terpretare uno dei luoghi più importanti della quotidianità.

Angelo Minisci

I Laboratori di Crudo: “Gli alberi di Yuken Teruya” per costruire paesaggi e scenografie partendo da sacchetti di carta e tubi di cartone; “Pimp my clothes” per imparare con un sarto a “ricostruire” vecchi abiti; “Pet Party” e “Box Lamps” per utilizzare in nuove forme le bottiglie in PET e le scatole di cartone che troviamo in casa e riprogettare il nostro arredamento.

programma completo su

officineminganti.it

crudotdb.org

contatti 70m2: info@70m2.it | Via Poggiali, 10 | 57125 Livorno | t/f +39 0586 897477

La partecipazione al concorso è aperta a designer professionisti e non senza limiti di età; è gratuita per gli studenti di scuole di design, istituti artistici e accademie d’arte. Il tema della seconda edizione del concorso internazionale di design indetto dalla Venice Design Week è “FABBRICARE COSE” Art – Handicraft – Industry. Il concorso richiede la progettazione di un set di oggetti che siano prodotti con tecniche produttive legate all’arte, all’artigianato e all’industria; il set deve essere composto da un minimo di 3 oggetti che devono possedere una forte connotazione simbolica e favorire un rapporto attivo-creativo con l’utente finale. Montepremi 5.000 €.

Segue il Bando del Concorso

VENICE DESIGN WEEK
presenta
“FABBRICARE COSE” Art | Handicraft | Industry

Concorso Internazionale di Design 2011

In occasione della Seconda edizione della Venice Design Week 2011, organizzata a Venezia da vogliadarte.it dall’1 al 9 ottobre, in concomitanza con la Biennale d’Arte, viene bandito un concorso aperto a designer, architetti e creativi di tutte le età. L’iniziativa è patrocinata dal Comune di Venezia, dall’Assessorato alla Cultura, è sostenuta da docenti di scuole di design, accademie e università europee.
Scadenza iscrizione e consegna elaborati 30 giugno 2011.

TEMA: “FABBRICARE COSE” Art | Handicraft | Industry

Il premio internazionale della Design Week è alla seconda edizione e ripropone il tema “FABBRICARE COSE”. Il concorso vuole stimolare i partecipanti per la creazione di un set di oggetti (minimo tre) utilizzabili nel quotidiano che rispondano ai seguenti requisiti:
· il set deve essere composto da un minimo di tre oggetti che utilizzino le tre tecniche produttive riferibili ad arte, artigianato e industria;
· il set deve possedere una forte connotazione simbolica e favorire un rapporto attivo-creativo con l’utente finale.
È possibile lavorare su qualsiasi set di strumenti o oggetti di uso quotidiano, nel rispetto di quanto delineato
nel paragrafo finalità.

CHI PUÒ PARTECIPARE

L’edizione 2011 del Premio Internazionale della Design Week è un’importante occasione di crescita e di confronto che la manifestazione desidera portare all’attenzione di studenti e professionisti
È possibile partecipare al premio internazionale della Design Week sia individualmente che come membri di un gruppo; nel caso di raggruppamenti i partecipanti saranno tenuti a nominare un capogruppo.
I singoli o il capogruppo compileranno la scheda di iscrizione utilizzando il modulo on-line sul sito dal 01 maggio 2011.

DATE

Iscrizione e contestuale consegna degli elaborati entro il 30 giugno 2011 ore 12.00 attraverso il sito
www.designweek.it a partire dal 01 Maggio 2011 fino al 30 giugno 2011 (ora italiana).
Premiazione durante la Venice Design Week che si terrà dall’1 al 9 ottobre a Venezia.

CRITERI DI VALUTAZIONE

Contestualmente alla definizione del tema i membri della giuria del concorso si atterranno ai seguenti criteri
di valutazione:
· aderenza del progetto presentato al tema “FABBRICARE COSE” con la presentazione di un set di oggetti (minimo tre)
· illustrazione chiara e comprensibile degli obiettivi del progetto.

Requisiti delle soluzioni proposte:
· l’impatto sociale della soluzione proposta;
· l’esperienza dell’utente: connotazione simbolica e rapporto attivo-creativo con l’utente finale.

Criteri di giudizio:
· utilizzo simultaneo dei sistemi tecnici riferibili all’arte, all’artigianato e all’industria (con simultaneo si intende o contemporaneamente in tutti gli oggetti o separatamente una tecnica per oggetto del set);
· innovazione, estetica ed ergonomia degli oggetti;
· qualità di progettazione di prodotti più attivo-creativi nel rapporto con l’utilizzatore oltre che emozionanti, flessibili, attenti alla sostenibilità.
· qualità dell’elaborato e della descrizione, chiarezza dei contenuti.

FINALITÀ

Scopo del concorso è il desiderio di selezionare e premiare set di oggetti (minimo tre oggetti) che
utilizzino simultaneamente i sistemi tecnici riferibili all’arte, all’artigianato e all’industria.

MODALITÀ DI PRESENTAZIONE DEI PROGETTI

I soggetti interessati devono presentare le loro candidature attraverso il sito www.designweek.it a partire dal 01 maggio 2011 fino al 30 giugno 2011 ore 12 (ora italiana).
Gli elaborati e la descrizione dei progetti dovranno essere inviati tramite il modulo on-line contemporaneamente all’iscrizione.
I soggetti interessati possono partecipare individualmente o in gruppo. La scelta di una modalità preclude la possibilità di partecipare al concorso nella modalità alternativa. È esclusa la possibilità, una volta presentata la candidatura, di cambiare la modalità di partecipazione, pena l’esclusione dal concorso.

QUOTA DI PARTECIPAZIONE

Studenti: iscrizione gratuita (allegare alla documentazione una copia del certificato d’iscrizione alla scuola/università; nel caso di raggruppamenti allegare tutti i certificati di iscrizione o estratto libretto universitario)
Designer: 60 € (per spese di segreteria)

MODALITÀ DI ADESIONE

La registrazione viene effettuata on-line dal sito www.designweek.it. Effettuando la registrazione si accettano tutti i termini e le condizioni della gara. Terminato il processo di registrazione, si riceverà una conferma dell’inserimento dei dati. La registrazione sarà effettiva solo dopo la verifica, da parte della segreteria, del materiale inviato e del pagamento della eventuale quota prevista.
1. compilare il modulo on-line con tutti i dati richiesti. La descrizione del progetto deve avere una dimensione massima di 1000 battute, spazi compresi.
2. invio fotografia designer o gruppo con seguenti caratteristiche: immagine 200×200 pixel – risoluzione 300 dpi – formati file: jpg, png – dimensione massima 4 MB – denominazione del file: – cognome-nome-ritratto.jpg
3. per studenti redigere un unico documento con tutti i certificati di iscrizione dei singoli componenti – formati file: jpg, png, pdf, zip – dimensione massima 2 MB – denominazione del file: cognome-nomecertificato. pdf
4. ciascun partecipante (individualmente o in gruppo) presenta 3 elaborati in formato A4 orizzontale [29,7x21 cm] – risoluzione 300 dpi – formati file: pdf, zip – dimensione massima 12 MB per ogni singolo A4 – Vanno caricati separatamente i 3 file in formato A4 – denominazione file cognomenome-
01.pdf ; cognome-nome-02.pdf ; cognome-nome-03.pdf (cognome e nome del capogruppo oppure ragione sociale dello studio)
5. versamento della quota di partecipazione.

Tutti i lavori validamente presentati saranno controllati dalla segreteria organizzativa in modo che siano formalmente validi e che non contengano contenuti contrari all’ordine pubblico, al buon costume e/o comunque alla morale.
Le presentazioni selezionate saranno annunciate entro il 09 Ottobre 2011.

TERMINI E CONDIZIONI DI PARTECIPAZIONE

1. I progetti presentati dovranno rispondere a requisiti di originalità. Tramite la registrazione i partecipanti garantiscono che i Lavori presentati sono originali, personali e non violano i diritti di proprietà intellettuale di terzi. Inoltre nel caso i Lavori siano già stati presentati e divulgati o siano già stati brevettati o
registrati andrà specificato nella descrizione del progetto.
2. I diritti di proprietà intellettuale dei Lavori presentati restano dei rispettivi autori che cedono all’organizzazione del premio il solo diritto di divulgazione e pubblicazione in ogni forma e su ogni supporto con l’indicazione del nome del designer o gruppo.
3. I partecipanti prestano il loro consenso a che i Lavori siano resi pubblici e vengano utilizzati nella promozione delle future edizioni a scopi pubblicitari e di relazioni pubbliche connessi con la Design Week.
4. I partecipanti si impegnano a presentare all’organizzazione le stampe dei progetti se richiesti per una mostra successiva.

COMPOSIZIONE E LAVORI DELLA COMMISSIONE

La commissione del premio internazionale di Design della Design Week è composta da docenti di università e scuole di Design europee, da imprenditori, da un rappresentante dell’organizzazione della Venice Design Week.
I giurati visioneranno i progetti tra Luglio e Settembre e nomineranno i vincitori. La premiazione avverrà durante la Venice Design Week di Ottobre. Tutti i partecipanti sono invitati alla festa di premiazione.

PREMI MONTEPREMI 5000 euro

La Giuria si riserva il diritto di aggiudicare il PRIMO PREMIO solo al/ai progetto/i, a giudizio della stessa, rispondente/i ai criteri di valutazione, ovvero di non assegnarlo ad alcuno dei progetti qualora la Giuria ritenga, a sua discrezione, che nessuno di essi soddisfi i criteri di valutazione.
La giuria si riserva la possibilità di assegnare ciascuno dei Premi a due o più progetti che siano stati ritenuti rispondenti ai criteri di valutazione. La giuria potrà
assegnare premi ex-aequo. Altri premi o menzioni speciali potranno essere assegnati. Il montepremi potrà essere modificato dall’organizzazione in base alla copertura finanziaria dell’iniziativa.

PRIVACY

I partecipanti del concorso compilando la scheda di adesione on-line accettano le clausole espresse nel sito
www.designweek.it alla voce privacy.

Per informazioni visionare nel sito la sezione dedicata alle FAQ ed eventualmente scrivere a
segreteria@designweek.it

Armoire, mon amour…

Entrare con grazia nel guardaroba della signora anni ‘50

Milano, 22 febbraio 2011 – Toscanini e Galleria Wabi hanno molto in comune, in particolare l’amore e la cura per forme armoniose, atte a un unico scopo: arredare con eleganza gli spazi più intimi della casa, senza trascurare il minimo dettaglio. Per il Salone del Mobile 2011, Galleria Wabi e Toscanini pongono l’accento sulla centralità dell’accessorio, allestendo un vero e proprio guardaroba stile anni ’50, in cui il mondo degli oggetti descrive la grazia e il gusto di prodotti che hanno una storia da raccontare e, soprattutto, da preservare.

Cappelli, guanti, cinture, scarpe, borse e pochette accostate a profumi, spille, abiti e foulard fusi all’arredamento d’antan sono frutto della ricerca che Maiter Ferrario dispiega nel proprio spazio espositivo, il cui leit motiv è l’Armoire pensato come luogo esteso e privato dove perdersi in amabili memorie, mettere alla prova il proprio gusto e dove esaltare la propria femminilità ed eleganza.

Parte essenziale di questa atmosfera sono i raffinati portabiti in legno che Toscanini produce dagli anni ’30 per le principali case di moda di tutto il mondo. Dopo il successo della collezione T SuMisura® dedicata all’uomo, Toscanini realizza in esclusiva per il Salone del Mobile una capsule collection tutta al femminile. I delicati capi nell’Armoire di Galleria Wabi saranno, infatti, affidati alle forme sinuose del portabiti Bice laccato in rosa cipria, una rivisitazione del modello originale Toscanini degli anni ‘50. Portabiti che prendono e restituiscono grazia ai capi che sostengono, capaci di dare carattere all’Armoire. Complementi, sì, ma funzionali ed eterni come ogni cosa bella, frutto di un’artigianalità evoluta squisitamente italiana.

Tra gli oggetti selezionati da Galleria Wabi per l’Armoire anche una coppia di poltroncine italiane laccate rosa cipria con imbottitura rivestita di un pied de poule rosa e grigio antracite di Prada; una poltroncina in ciniglia blu di Artflex, e una coppia di valigie Samsonite anni ’50, ormai una rarità.

Fonte d’ispirazione per l’intero progetto Armoire, mon amour… è “La Parigina”. Il libro culto, firmato da Inès de la Fressange insieme a Sophie Gachet, sarà in libreria a partire da marzo per i tipi dell’Ippocampo, suggerisce regole precise alle donne che vogliono ispirarsi allo stile disinvolto e sicuro impersonato in questi anni da Inès. La Parigina, va da sé, adora gli accessori che sa scegliere e indossare con grande piglio.

Tutti gli arredi, le fotografie, gli abiti e gli accessori che compongono l’Armoire di Galleria Wabi sono in vendita.

I pezzi che compongono la capsule collection Toscanini potranno essere prenotati sul sito www.toscaninisumisura.it oppure acquistati presso Galleria Wabi al costo di 25 € l’uno.

Vernissage Mercoledì 13 Aprile 2011 ore 19

Galleria Wabi, Via Garigliano 3 Milano Quartiere Isola www.galleriawabi.it

Maiter Ferrario 3392151234 _ 0260830036

Il 31 marzo presso l’Aula Magna dell’Istituto Europeo di Design di Roma si discuterà di questo in occasione della presentazione del volume ‘Design in Italia’, curato da Aldo Colonetti, direttore di Ottagono e Direttore Scientifico del Gruppo IED. Il libro analizza le origini, lo sviluppo e l’attuale identità del Made in Italy con un approccio inedito: senza separazioni gerarchiche e mai rivolto soltanto all’oggetto in sé, isolato dal proprio contesto d’uso.

Scritto da Valentina Croci e Porzia Bergamasco, osserva gli spazi e le funzioni che cambiano in relazione alle trasformazioni della società, con un occhio attento alle più recenti tecnologie. Oltre al curatore e alle autrici, alla presentazione partecipano Massimo Arlechino, Presidente di Fondazione Valore Italia, Pio Baldi, Presidente Fondazione Maxxi, Carlo Martino, Vice Presidente ADI Lazio

“Design in Italia. L’esperienza del quotidiano”

31 marzo 2011 – ore 18

Aula Magna IED – via Alcamo 11, Roma

Chiara sarà ospite di Confezioni Paradiso dal 29 marzo al 20 aprile con la mostra “UN CIRCO DI LUCCIOLE”. Una serie di tavole in formato A4 ispirate a quel mondo un pò a parte che è il circo e arricchite di delicatissimi dettagli ricamati su carta che mettono in comunicazione due tecniche (il ricamo e il disegno) e due segni grafici ben precisi, fondendosi per dar vita ad un immaginario solo apparentemente distante dalla realtà.

In occasione dell’inaugurazione, il 29 marzo alle ore 19 sarà servito un piccolo aperitivo in compagnia dell’illustratrice.

Per info:
Confezioni Paradiso 051/4121641

 E proprio Guerrini – caporedattore moda di Made With Style, docente allo Ied di Milano  – racconta della nuova mostra di Pollini: «Il punto di partenza del lavoro presentato quest’anno all’Enò è l’analisi e la rivisitazione della T-shirt. Una rivisitazione anche cromatica in verde-bianco-rosso in virtù del periodo storico nel quale ci troviamo (il 150° anniversario dell’Unità d’Italia). L’iperdecorativismo e l’iperealismo di Pollini hanno per protagonista la parte più brulicante sul mondo della natura, usata come sguardo sarcastico dell’universo. Infatti, le foto rielaborate utilizzate per le T-shirt ritraggono piante carnivore anche nella reinterpretazione grafica».

 In una frase, invece, sintetizza il proprio lavoro Michele Pollini: «Di piante carnivore si veste, di insetti si decora». E proprio gli insetti artistici sono un’altra parte fondamentale dell’allestimento del Gruppo I.n.I. Infatti, oltre alle t-shirt, alcune pareti dell’Enò ospitano i lavori di ben 9 artisti/creativi realizzati con materiali diversi (dal pannolenci al punto croce, dalle perline di plastica ai bottoni, dal bambù allo spago) a dar vita ad originali “insetti”.

Michele Pollini è originario di Argenta, dove è nato nel 1976. Si è diplomato all’Istituto d’Arte Dosso Dossi di Ferrara, mentre nel maggio 2003 ha conseguito il diploma di laurea all’ISIA di Faenza, con una tesi dal titolo “Multitaglia, accessorio e trangender”, per la quale i capi, senza cuciture, a taglia unica e unisex, sono stati realizzati da Ter et Bantine (GFM Industrie). Dopo varie mostre collettive e sfilate, dove ha partecipato con abiti di sua produzione, esperienze lavorative, che hanno compreso anche l’insegnamento e la decorazione tessile, ora si occupa di progettazione di PET Packaging.

 La mostra è visitabile dal martedì al sabato dalle ore 20.30 all’1. L’ingresso è libero.

 Per informazioni: tel. 0545 31590 http://eno.splinder.com

 A decretare i lavori migliori è stata una giuria internazionale, costituita da nomi illustri del mondo del design, dell’architettura e dell’arte: l’architetto Mario Botta, i designer Marc Sadler, Perry King e Santiago Miranda, l’urbanista Marco Romano, il presidente di Cooperativa Ceramica d’Imola Stefano Bolognesi e il responsabile ricerche e sviluppo di Cooperativa Ceramica d’Imola Mauro Gandolfi.

 Alla prima edizione di “Talent for Tiles” hanno partecipato gli studenti delle scuole di design e architettura di: Ecole supérieure d’art et design de Saint-Etienne (Francia), IED di Roma, ISIA di Faenza (RA), Lund University (Svezia), Schwabisch Gmund University (Germania).

 L’interesse di questa prima edizione del concorso è stato rivolto a quegli spazi che stanno tra gli edifici, tra le strade e gli edifici, alle superfici verticali non curate, a tutti quei luoghi che sfuggono alla progettazione. Perché è proprio nella cura dedicata ai “non luoghi”, o nella sua mancanza, che si misura la qualità urbana complessiva, la piacevolezza e la vivibilità delle città. Le nuove tecnologie per la produzione del materiale ceramico aprono possibilità per la realizzazione di rivestimenti e prodotti di arredo urbano riconoscibili. Questo concorso ha l’obiettivo di produrre progetti per le grandi superfici verticali delle città future, allargando il campo d’azione della ceramica, traslandola in altri usi d’arredo urbano (superfici, elementi urbani, pareti verticali), in contaminazione con altri materiali (plastica, vetro, alluminio ecc..). Senza ovviamente trascurare tutti gli aspetti legati e collegati alla sostenibilità: nel caso dei progetti di riqualificazione urbana, soprattutto aumento delle superfici filtranti e del verde disponibile pro capite, riciclabilità e riutilizzo dei materiali.

 “Talent for Tiles” si è avvalso della collaborazione di Michele Capuani e dell’associazione Cumulus (Associazione Internazionale di Università e College di Arte, Design e  Media).

 Galleria Embrice: La mostra Letture di una scatolina industriale, è prorogata fino a venerdì 21 gennaio 2011.

 A cura di Carla Corrado e Giovanna Deppi.

Allestimento di Vittorio Giusepponi. 

Orario: 18 – 20, chiuso la domenica.

DESIGN | È il rosa il colore che caratterizzerà il 2011, ma non un rosa qualunque ma il Pantone 18-2120 Honeysuckle, per i profani della grafica il colore dell’anno è il rosa caprifoglio. Il rosa è il colore della riflessione, dell’introspezione e possiede una grande forza energetica, di cambiamento. E poi, questo colore diventa indispensabile per liberare la mente da vecchi schemi di pensiero o da ricordi spiacevoli… Per superare una crisi come quella che il mondo sta attraversando cosa c’è di meglio? La scelta di Pantone sul rosa caprifoglio è ben circostanziata… il colore esorta ad affrontare le peripezie quotidiane con brio e vigore. Inoltre, la dinamica tonalitá rosa-rossastra di questo colore é incoraggiante ed edificante, elevando la psiche oltre l’idea di fuga, infondendo audacia e incoraggiando lo spirito ad affrontare le diverse sfide della vita di tutti i giorni. Leatrice Eiseman executive director di Pantone non ha dubbi il Rosa Caprifoglio è la panacea di tutti i mali e afferma che in questi tempi di stress tutti abbiamo bisogno di qualcosa che ci sollevi l’umore. Honeysuckle è un colore accattivante, stimolante e adrenalinico, perfetto per scongiurare tristezza e malinconia…

Continua a leggere su House living and business